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Archive for julio, 2010

Sting – MTV Unplugged (1991)

sábado, julio 31st, 2010

El MTV Unplugged es una serie de conciertos, donde los artistas tocan su música en forma acústica para la cadena de televisión MTV, con grandes arreglos musicales (en su mayoría sin uso de instrumentos eléctricos), como coros, piezas para cuerdas y demás que hacen de estos eventos un homenaje a los fanaticos y a la música que los invitados producen.  La serie tuvo especial auge en la década de los 90, como un vehículo para consagrar a los artistas del momento y para revitalizar las carreras de los grandes intérpretes.

Uno de los primeros en grabar un especial fue Sting, aunque la edición tanto del álbum como del video correspondiente fue despareja y tardía. Una lástima, porque es sin duda uno de los mejores conciertos de toda la serie, con canciones tanto de su etapa solista como de The Police.

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Pino D’Angió – …Balla! (1981)

viernes, julio 30th, 2010


Pino D’Angió, cuyo verdadero nombre es  Giuseppe Chierchia, nació en la ciudad italiana de Pompeya en 1954.  En broma, comenzó a cantar en un cabaret, donde le vió un productor que le ofreció grabar un disco, iniciando así su carrera artística con la canción  “È libera scusi?”, del año 1979.

Pero, por supuesto, el super hit fue la canción “Ma quale idea”, de 1980, incluida en su álbum “Balla!” editado en 1981. La canción se considera el primer rap que se hizo en Europa, y sin duda, fue una de las canciones más bailadas en las discos a principios de los 80 y con la que D’Angió alcanzó su mayor popularidad, vendiendo más de dos millones y medio de copias.

La línea del bajo original es la de “Ain’t no stopping us now” del dúo McFadden and Whitehead, de 1979, pero “Ma quale idea” consigue ser número uno en Francia, Alemania, España, Italia, Argentina, Bélgica e Inglaterra.  Este éxito le sirve para participar en el Festival di Sanremo en 1981 con “Un concerto da strapazzo”, tema que abre el álbum que aquí presentamos.

Ese mismo año  escribe canciones (música y letras) también para otros artistas, entre los que destacan Raf, Miguel Bosé y Mina, para la cúal compone “Ma chi è quello lì”, de gran éxito de la cantante cremonesa que da testimonio del estilo original e irónico de  D’Angió.

Como Bonus Tracks exclusivos de P&C incluímos en el álbum las versiones de “Ma quale idea” en francés y en español, la versión original de Mc Fadden & Whitehead, y también el tema  “Don’t call me baby” de 1999, de estilo house y basado en el sampleo de “Ma quale idea”, grabado por el grupo australiano Madison Avenue, que a su vez encabezó las listas de canciones más escuchadas de Estados Unidos, Reino Unido y Australia.  Admás, un videoclip de D’Angió cantando el tema en la televisión italiana.

Oh yeah! …Si dice così, no?!

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Ella Fitzgerald & Louis Armstrong – Porgy & Bess (1975)

miércoles, julio 28th, 2010

El nombre original de Gershwin era Jacob Gershovitz. Fue hijo de judíos rusos inmigrantes, casados en América, Moris and Rose. Nació en Brooklyn en 1898, nunca terminó el secundario y pasó por momentos de tanta pobreza como para que él contrajera polio.
Pero lo más destacable de su biografía es que fue el creador de una pieza sobre negros trabajadores de Carolina del Sur en 1920, que se convertiría más tarde en “la ópera americana”.
Porgy and Bess no fue siempre bien recibida por los críticos. Algunos especialistas y defensores de los derechos humanos la criticaron duramente por “reflejar antiguos y falsos estereotipos de los negros norteamericanos”.

Genialmente interpretada por Louis Armstrong y Ella Fitzgerald, la ópera consiste en canciones individuales y en escenas corales, conectadas por diálogos y por textos recitados. Algunas de las canciones que se convirtieron en éxitos musicales son “Summertime” (“Tiempo de Verano”), “I Got Plenty O Nuttin” (“Tengo Mucho de Nada”) y “It Aint Necessarily So” (“No es Necesariamente así”).

En 1926, Gershwin leyó el Porgy de DuBose Heyward, un nativo de Charleston (Carolina del Sur) e inmediatamente le escribió al autor sugiriéndole que colaborara en una ópera folk basada en la novela. Pero recién en 1934, después de años de enviarle correspondencia, George e Ira Gershwin se juntaron con DuBose Heyward en Charleston, para escribir esta ópera que estuvo germinando en la imaginación del músico durante varios años.
La novela de Heyward estaba inspirada en un artículo periodístico de la época, que contaba la historia de un negro mutilado que cometió un crimen arrebatado por la pasión. La nota se basaba en la historia de un personaje real, muy popular en su momento, llamado “Goat Sammy” (la cabra Sammy). Goat Sammy no podía mantenerse de pie y que era forzado a moverse de un lado a otro en un carro arrastrado por una cabra.
Más tarde, Sammy sería Porgy, un negro mutilado capaz de hacer cualquier cosa por su amor hacia Bess. La ama pero ella se deja embaucar por otro morador de la villa, un negro vividor y medio estafador al que Bess sigue hasta Nueva York. En la escena final, Porgy, al enterarse de que su amada se ha ido, toma su carro y se dirige desesperado a buscarla.

Para narrar esta historia dramática pero a la vez llena de humor, George, Ira y Heyward se instalaron durante todo un verano en Folly Beach, una isla situada a 15 kilómetros de Charleston, desde donde podrían observar a los Gullahs, un grupo asilado de negros que vivía en la isla James. En ellos se inspiraron para retratar a la gente de Catfish Row que aparece en la ópera.

“Nunca olvidaré la noche en que, estando en una asamblea de negros en una isla remota, Gershwin empezó a “gritar” (shout) con ellos. Y para maravilla de todos se consagró “campeón de grito”” (el “shouting” es un ritmo proveniente de Africa que se consigue batiendo manos y pies para acompañar los “spirituals”), dijo Heyward al describir la interacción del compositor con la gente en la que se inspiraría para su obra.
La ópera tiene lugar en Catfish Row, un asentamiento negro en Charleston, Carolina del sur. Gershwin creía firmemente que debía ser interpretada por negros pero en ese momento era difícil encontrar artistas negros con experiencia en la ópera.
Gershwin estuvo todo el tiempo involucrado en el casting y en la producción de su ópera. Todd Duncan, el primer Porgy, recuerda que el compositor “fue por todo el país buscando su Porgy”. También señala que, cuando finalmente se decidieron a contratarlo, le dijeron que sólo tenía que cantar dos o tres canciones como prueba pero que en realidad lo hicieron cantar por más de una hora y media. “Fue increíble. En un momento dado George e Ira me arrancaron la partitura de la mano y se pusieron a cantar ellos con sus horribles y avejentadas voces pero con tanto sentimiento que me hicieron llorar”, recuerda el primer interprete de Porgy.

La obra se estrenó en septiembre de 1935, en Boston, y fue recibida con entusiasmo por el público y los críticos. Con algunos cambios se volvió a dar en Nueva York el 10 de octubre de 1935. Hubo sólo 124 funciones de Porgy and Bess en Broadway y recién varios años más tarde se pudo recuperar el dinero invertido.Nunca tuvo muy buena recepción. Un gran número de críticos y de compositores negros, como Duke Ellington, criticaron la ópera. “Ningún negro se dejaría engañar por Porgy”, dijo Ellington en una nota periodística.
Dos años después del estreno, Gershwin murió de un tumor cerebral. Fue poco antes de cumplir 39 años de edad.En 1959 hubo una versión para cine producida por Samuel Goldwyn y dirigida por Otto Preminger que fue duramente criticada por retratar estereotipos .Durante años, Porgy and Bess tuvo más éxito en Europa, donde fue considerada “la verdadera ópera americana”, que en Estados Unidos.

La primera versión completa de Porgy and Bess en su país de origen se dio en Houston en 1970, dirigida por John de Main con mucho éxito.  Fue finalmente producida en el Met unos 50 años después de la primera producción. El mérito de Porgy and Bess es que es la única ópera basada en el jazz de los ’20 y de los ’30 que sobrevivió después del período de pos-guerra, donde los compositores comenzaron a utilizar el jazz en forma satírica.

A través de estas obras, y de Porgy and Bess, Gershwin se convirtió sin lugar a dudas en el pianista y compositor americano que con mayor calidad y éxito logró combinar los elementos del jazz y de las melodías populares americanas, tocando algunos de los temas más profundos de la condición humana.

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Tracklist:

01. Overture
02. Summertime
03. I Wants To Stay Here
04. My Man’s Gone Now
05. I Got Plenty O’ Nuttin’
06. Buzzard Song
07. Bess, You Is My Women Now
08. It Ain’t Necesarily So
09. What You Want Wid Bess?
10. A Woman Is A Sometime Thing
11. Oh, Doctor Jesus
12. Medley: Here Come De Honey Man; Crab Man; Oh, Dey’s So Fresh
13. There’s A Boat Dat’s Leavin’ Soon For New York
14. Bess, Oh Where’s My Bess?
15. Oh Lawd, I’m On My Way

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Lidia Borda – Manzi, Caminos de Barro y Pampa (2010)

martes, julio 27th, 2010

La cantante Lidia Borda (junto a María Graña, la mejor cantante de tango de la actualidad) redescubre los paisajes ofrecidos en la obra menos visitada del gran poeta Homero Manzi conformando un disco de excelencia.

Son poemas musicalizados por compositores como Sebastián Piana, Félix Lípesker o Hugo Gutiérrez, sumados a los arreglos de Luis Borda (guitarrista y hermano de Lidia, radicado en España), y si bien la mayoría son tangos también hay diversos estilos folklóricos argentinos y hasta un candombe (ritmo uruguayo) como primer tema del álbum, que es una presentación exclusiva en la web de P&C.

Músicos:

Lidia Borda: voz
Luis Borda: guitarras, bombo legüero, efectos
Ariel Argañaraz: guitarra (tracks 2,3,4 y 6)
Daniel Godfrid: piano (tracks 2,3,6,8 y 11)
Pablo Guzmán: contrabajo
Norberto Di Bella: percusión
Rolando Goldman: charango (track 2)

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Juan D’Arienzo y su Orquesta Típica – El Rey Del Compás (1941-1943)

lunes, julio 26th, 2010

Juan D’Arienzo nació en Buenos Aires el 14 de diciembre de 1900.  Fue un músico y director de orquesta de tango, conocido como “El rey del compás”. A diferencia de otras orquestas de la época de oro del tango (1940-1950), D’Arienzo retornó al sentimiento del 2 × 4 característico de la “guardia vieja”, pero con arreglos e instrumentación modernos. Sus orquestas  grabaron centenares de discos.  Su música se escuchaba en las milongas de Buenos Aires, y los instrumentos acusaban el clásico ritmo duro de los tangos con fuertes staccatos.   Fue artista exclusivo del sello RCA Victor durante 40 años, de 1935 a 1975.  Falleció en 1976, y está sepultado en el Cementerio de la Chacarita en Buenos Aires.

La enorme popularidad de D’Arienzo comenzó en 1935.  Eso ocurre cuando se incorpora a su orquesta al pianista Rodolfo Biagi, que había acompañado a Gardel en algunas grabaciones.  La incorporación de Biagi significó el cambio de compás de la orquesta de D’Arienzo, que retornó al dos por cuatro, al compás rápido y juguetón de los tangos primitivos.

Cuando Biagi lo abandonó en 1938 para formar su propia orquesta, D’Arienzo ya se había identificado para siempre con el dos por cuatro.  D’Arienzo devolvió el tango a los pies de los bailarines y con ello hizo que el tango volviera a interesar a los jóvenes. El “rey del compás” (apodo que le aplicó un animador del cabaret Chantecler, donde actuaba) se convirtió en el rey de los bailes e hizo posible el renacer del tango de la década de 1940, su “década de oro”.

Esta selección de tangos abarca los años 1941 a 1943, con varios cantores y cambios en su orquesta, y sirve como carta de presentación para este Maestro del tango argentino.

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Caetano Veloso – Jóia (1975)

domingo, julio 25th, 2010

En abril de 1975 Caetano Veloso lanza simultáneamente dos discos: “Jóia” y “Qualquer Coisa”, lo que valió para una broma de contratapa: en “Jóia” Caetano escribió: “la otra mitad es Cualquier Cosa” y en “Qualquer Coisa”: “la otra mitad es Jóia”.

“Jóia” tuvo, además de la poesía concreta, canciones con estética minimalista como “Canto do Povo de um Lugar” y “Pipoca Moderna” y hasta una relectura de “Help”, de The Beatles. La tapa original del disco tenía a Caetano con su esposa de entonces, Dedé, y su hijo Moreno posando desnudos apenas con algunas burbujas cubriendo sus genitales. Obviamente no pasó la censura y la tapa fue modificada por esta que mostramos aquí.

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Caetano Veloso – Qualquer Coisa (1975)

domingo, julio 25th, 2010

Queda claro en este segundo disco de 1975 la idea de homenagear a The Beatles. Además de las versiones de tres temas al estilo de Caetano ( “Eleanor Rigby”, “For no One” y “Lady Madonna”) es imposible no recordar la tapa de “Let it be” mirando la cubierta de este disco.

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Santo & Johnny – Hawaii (1961)

sábado, julio 24th, 2010

El tercer Lp de Santo & Johnny, nos lleva directos a blancas playas con palmeras y mar azul; tres de los temas son composiciones de los hermanos Farina, más conocidos como Santo & Johnny: “Sea Shells”, “Reflections” e “Isle Of Dreams”

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Tracklist:

01. Adventures in Paradise
02. Blue Hawaii
03. Pineapple Princess
04. Sea Shells
05. Aloha
06. Reflections
07. Hawaian War Chant
08. Song of The Islands
09. Sweet Lelani
10. Hawaian Wedding Song
11. Isle of Dreams
12. Now Is The Hour

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Carolyn Franklin – If You Want Me (1976)

viernes, julio 23rd, 2010

Carolyn Franklin, cantante de soul nacida en Memphis en 1945, fue la hermana menor de Aretha Franklin. Escribió muchas canciones junto a su hermana, tanto para ellas como para su otra hermana, Erma Franklin; de las que se pueden destacar temas como “Without Love”, “Baby Baby Baby”, “I Was Made for You” o “Sing It Again-Say It Again”. comenzó su carrera musical cantando gospel en la iglesia baptista de su padre en Detroit. Cuando Aretha Franklin triunfó fue una de sus coristas durante cinco años. Tras ello emprendió su carrera en solitario bajo el sello RCA. Desde su debut en solitario en 1969, tuvo una carrera regular en el sello hasta 1976, momento en que se retiró. De todos sus singles destaca “It’s True I Gonna Miss You”, que alcanzó puestos altos en las listas de R&B en 1969. Murió de cáncer en 1988.

Carolyn incluso suena como Aretha aquí y allá. Estamos hablando de un muy agradable Soul/R&B. Este álbum aún no está disponible en Cd.

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Tracklist:

01. From The Bottom Of My Heart (To The Bottom Of Yours)
02. If You Want Me
03. I Can’t Help My Feeling So Blue
04. Too Many Roads
05. Sunshine Holiday
06. Dead Man
07. You Are Everything
08. You Can Have My Soul
09. Song Man
10. Not Enough Love To Hold
11. Deal With It

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Kim Carnes – Chasin’ Wild Trains (2007)

miércoles, julio 21st, 2010


Este es el último álbum de estudio publicado por Kim Carnes, y data de 2004. Con un estilo mas acústico que lo que se conoce de su carrera, el álbum tuvo edición simultánea en Estados Unidos y Europa. Un disco con un espíritu muy especial que, además tuvo excelentes críticas.  Tuvo dos hits: “Just to see your smile” y “Goodnight angel”.

Ella co escribió y produjo el album, eligiendo el repertorio, los músicos, y supervisó el arte de tapa. Es un disco maduro y fuerte en el que Kim canta con belleza y sentimiento y la banda la secunda admirablemente. Verdaderamente, un gran disco.

Musicos:

Kim Carnes – voz, teclados (tracks 5 y 7)
Al Anderson – guitarras acoustica, solo y coros (12)
Allison Prestwood – bajo (3, 4, 6)
Anders Osborne – coros (7), Guitar (7), Drum (7)
Angelo (Kings of Leon) – guitarra (2, 5)
Billy Panda – guitarra (1, 2, 3, 6, 8, 9, 11
Byron House – bajo (9, 11)
Chuck Prophet – guitarra (5), bajo (5), batería (5)
Craig Krampf – batería (8, 2)
Dave Ellingson – percusión (6, 12)
Greg Barnhill – coros (6, 9), guitarra (6)
Greg Morrow – batería (1, 9, 11)
John Catchings – cello (7)
Jonathan Yudkin – cuerdas (9)
Richard Bennett – guitarra (3, 6)
Tammy Rogers-King – viola y violin (7)
Tim Lauer – teclados (1, 2, 3, 4, 6, 8, 9, 10), acordeón (6, 11)
Tom Bukovac – guitarra eléctrica (4)
Tommy Harden – batería (3, 6, 12)

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