“Flora é M.P.M.” es el álbum debut de la brasileña Flora Purim, que se ha sido señalada en los años 70 seis veces seguidas como la mejor cantante de jazz en la revista Down Beat. Grabado en 1964, con la sigla M.P.M. a significar Música Popular Moderna, el LP cuenta con un elenco extraordinario de apoyo (con Luiz Eça, Moura Paulo, Salvador Dom y Raúl de Souza, por nombrar algunos), reclutado por el legendario baterista Dom Um Romão, a continuación esposo de Flora (que, años más tarde, llegó a casarse con el percusionista Airto Moreira). La tapa con un hermoso retrato de Flora en alto contraste en blanco y negro – de diseño gráfico Ithamara Koorax – era tendencia en los años 60, refiriéndose a las sensacionales portadas de Blue Note.
El álbum ha sido re editado en Cd en 2008, por Sony BMG, con seis Bonus Tracks, como parte de la serie “Bossa Nova 50 Anos” por la producción de Arnaldo DeSouteiro (Jazz Station Productions).
Flora Purim nace el día 6 de marzo del año 1942 en Rio de Janeiro. Sus progenitores eran músicos clásicos. Su padre fue un violinista de origen ruso mientras que su madre era pianista. Flora descubrió el jazz americano en los momentos en que su madre se decídia a tocarlo, siempre en ausencia de su marido que no era demasiado partidario de ese género.”Ella traía a casa aquellos vinilos de 78 rpm y cuando mi padre se iba a trabajar se ponía a tocar. Fue mi primera exposición a ese tipo de música. Básicamente escuchaba a Dinah Washington, Billie Holiday y Frank Sinatra, pero también a un montón de pianistas como Bill Evans, Oscar Peterson y Errol Garner, sus favoritos”, decía la propia Flora a este respecto.
Flora Purim comenzó su carrera en Brasil a principios de los 60s. Durante ese periodo hizo una única grabación titulada “Flora e M.P.M.” en la cual cantaba standards de bossa nova compuestos por Carlos Lyra y Roberto Menescal. A finales de esa misma década conocío a Hermeto Pascual y a Airto Moreira. De la mano de ambos se convirtió en la cantante de Quarteto Novo, donde comenzaron a mezclar el jazz con la canción de protesta con la intención de desafiar al represivo gobierno brasileño. Tras el golpe de estado militar del año 1964 la censura comenzó a actuar con más fuerza cosa que obligó a Flora y Airto a abandonar Brasil con destino a Estados Unidos. Poco después se casaban. Comenzaba una relación musical y personal que se extenderá hasta la actualidad.
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Tracklist:
01. A Morte de Um Deus de Sal (Menescal/Boscoli)
02. Cartão de Visita (Carlos Lyra/Vinicius de Moraes)
03. Sabe Você (Lyra/de Moraes)
04. Definitivamente (Edu Lobo)
05. Se Fosse Com Você (Waldir Gama)
06. Maria Moita (Lyra/de Moraes)
07. Hava Nagila (A.Z. Idelsohn)
08. Reza (Edu Lobo/Ruy Guerra)
09. Samba do Carioca (Lyra/de Moraes)
10. Primavera (Lyra/de Moraes)
11. Borandá (Lobo/Guerra)
12. Nem O Mar Sabia (Menescal/Boscoli)
Bonus Tracks:
13. Preciso Aprender A Ser Só (Valle/Valle)
14. Gente (Valle/Valle)
15. Barquinho de Papel (Lyra/Boscoli)
16. Jeito Bom de Sofrer (Simonal/Oliveira)
17. Preciso Aprender A Ser Só – Alternate Take (Valle/Valle)
18. Gente – Alternate Take (Valle/Valle)
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“Jazzvisions . . . Made in America”, fueron una serie de conciertos producidos por Jack Lewis en diciembre de 1986 en el Wiltern Theatre de Los Angeles, Estados Unidos, con una serie de artistas vinculados al jazz, y entre ellos varias luminarias de la música latina. En el término de una semana, estuvieron allí Antonio Carlos Jobim, Gal Costa, Larry Carlton, John Abercrombie, Tito Puente, Ruben Blades, Herbie Hancock, Richi Cole, entre otros.
Este trabajo refleja la actuación de los “dos caballeros brasileños”, Djavan e Ivan Lins, junto a la dama que no fue otra que Patti Austin (cantante de soul nacida en Nueva York en 1950), que se unió con su voz a la banda de Lins en dos temas.
Ivan Lins nació en Río de Janeiro, Brasil, en el barrio de Tijuca en Junio de 1945. A los dos años de edad fue a vivir junto a su familia a Boston, Estados Unidos, y volvió a Brasil a los 12 años. A partir de allí comenzó a aprender a tocar el piano y a integrar diversas bandas de jazz. Su primer disco data de 1970.
Ivan Lins, al momento de este show, estaba experimentando con la incorporación de elementos de jazz en su música y ofrece una versión tremenda de “Antes que seja tarde” y “Dinorah, Dinorah”.
Djavan, en un fuerte contraste de estilo (más percusión, un estilo más funk), eligió un set de indestructibles temas de su repertorio: “Samurai”, “Sina”, “Açai”.
Un disco muy difícil de conseguir y a menudo no incluído en las discografías de los cantautores brasileños. Si bien el concierto fue grabado en 1986, el disco no fue editado sino hasta tres años después.
Músicos:
Ivan Lins: teclados: voz
Djavan: guitarra, voz
Patti Austin: voz
Banda Ivan Lins:
Paulo Braga: batería
Heitor T.P: guitarra
Osmar Ventura Jr.: bajo
Renato Franco: saxo
Guillarme Dias Gomes: teclados, trompeta
Banda Djavan:
Hugo Fattoruso: teclados
Téo Lima: batería
Sizao Machado: bajo
Zé Nogueira: saxo soprano
Periquito: saxo tenor
Henrique Silva: trompeta
Armando Marçal: percusion
Tracklist:
01. Intro / Antes que seja tarde
Ivan Lins
02. Velas
Ivan Lins
03. Dinorah Dinorah
Ivan Lins
04. Madalena
Ivan Lins
05. The island
Ivan Lins con Patti Austin
06. Daquilo que eu sei
Ivan Lins con Patti Austin
07. So bashniya
Djavan
08. Samurai
Djavan
09. Quase de manha
Djavan
10. Açai
Djavan
11. Esquinas
Djavan
12. Sina
Djavan
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A partir de 1949, Ella Fitzgerald entra en contacto con Norman Granz, un empresario amante del jazz y que organiza por todo el mundo las famosa giras conocidas como el “J.A.T.P”. Con la “Jazz At The Philharmonic”, actúa con los mas grandes instrumentistas del jazz en todo el mundo y logra que toda la critica le reconozca con el titulo que ya siempre le acompañó: “First Lady Of Song” (Primera Dama de la canción).
“Fine and mellow” es un stardard de Jazz escrito por Billie Holiday, originalmente grabado por ella misma en 1939. El disco tenía en su cara B el tema “Strange Fruit”(pueden ver un trabajo fabuloso de nuestro cómplice Kurtigghiu: AQUI).
Este disco, producido por Norman Granz, fue grabado en una única sesión que tuvo lugar el 8 de enero de 1974 en los MGM Studios. De hecho, marcó el regreso de Ella a las sesiones informales de improvisación, un estilo que ella misma había adoptado en las décadas de 1940 y 1950. Con este álbum, ganó el Grammy a “Mejor Album Vocal de Jazz”.
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Segundo disco de este dúo, registrado ocho años después del primero con un paréntesis que, como comentamos, incluyó diversas actividades de cada uno por separado.
Baraj y Barrueco prácticamente tocan juntos permanentemente. Este trabajo tiene un criterio más abierto que el primero, no es tan estricto en cuanto a los géneros y los arreglos, y justamente eso lo hace novedoso y fresco. Hay tango, folklore argentino, experimentación con música latinoamericana y, obviamente, el jazz como hilo conductor de todo el trabajo.
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El saxofonista, clarinetista y vientista Bernardo Baraj y el guitarrista Juan Barrueco llevan mas de 40 años en el panorama de la música popular argentina. Juntos fueron co fundadores de uno de las primeras bandas de rock (y la primera en fusionar rock y jazz) de Argentina: Alma y Vida. Luego de la separación de esta banda, en 1976, sus carreras viraron hacia diversos destinos musicales, y a pesar de eso volvieron a reunirse en un par de ocasiones para producir discos sensacionales. De hecho, en el presente están elaborando material nuevo y ensayando para un nuevo proyecto juntos.
Juan Barrueco ha participado en proyectos con Roberto “fats” Fernandez, Ruben Rada, Lito Vitale, Jaime Torres, entre otros, editando un par de trabajos en solitario.
Bernardo Baraj fue uno de los músicos estables de la mítica Cueva de Pueyrredon, (lugar donde se gestó el movimiento de rock argentino) y fue Sandro, quien le propone formar parte de su banda y así comparten cuatro años de intensa actividad, viajando en giras por todo el país, participando también en numerosas grabaciones.
Influenciado por el lenguaje de John Coltrane, incorpora a su instrumental el saxo soprano, poco usado por los músicos de la época, y forma junto al trompetista Gustavo Bergalli, el bajista Adalberto Cevasco y el baterista Nestor Astarita el Cuarteto Buenos Aires, primer grupo de free jazz que produce una verdadera sorpresa en el ambiente local.
Forma junto a Litto Nebbia el grupo Cuarteto Contemporáneo del Sur. En el 78 es convocado por Luis Alberto Spinetta para formar parte de su primer proyecto solista, la Banda Spinetta, con quien comparte un año de creativa actividad. Un año después forma el grupo La Banda junto a Rubén Rada y Jorge Navarro.
Integra el grupo del bandoneonísta Dino Saluzzi, toca en la Orquesta Estable del Teatro Colon, y en 1985 forma el Trío Vitale-Baraj-González, un referente inevitable de la música popular argentina. En el ‘80 forma su propio quinteto con el que graba tres CDs (Bernardo Baraj Quinteto, Almita y Milonga Borgeana).
Junto al guitarrista Juan Barrueco forma el Dúo Baraj-Barrueco, verdadero mojón en el transcurrir de la música popular argentina ya que son los primeros en proponer un lenguaje tanguero sobre la base melódica de un saxofón. Este duo fue una propuesta sujeta a la idea de buscar una manera de tocar desde el saxo y la flauta, una música que tuviera que ver con Buenos Aires. Y hallaron una conjunción de sonido y lenguaje de jazz fusionado con el tango, en la que fue tal vez la primera aproximación al género de Buenos Aires desde el jazz.
Un disco que aún hoy suena soberbio, impresionante, actual y provocador.
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Aquí
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Simply Red es un grupo británico de música soul, rhythm & blues y jazz, que se mantuvo vigente por 25 años hasta su disolución en 2009. Fue formada en 1984 por Mick Hucknall (nacido el 8 de junio de 1960 en Manchester).
Este maravilloso disco –el penúltimo de su carrera- es una colección de viejos temas con arreglos acústicos que en verdad refrescan muchos de los grandes hits y agrega material nuevo (“Perfect love”, “Smile” y el cover de Leon Russell “A song for you”), con un aire latino en varios de los tracks. De hecho “Perfect love” no es otra cosa que un cover de “Salsa gitana”, de la Orquesta Gitano, compuesta por Edwin Morales.
Un disco imprescindible
Músicos:
Danae Blanco Villanueva: voz en “Perfect love”.
Sarah Brown, Anthea Clarke, Dave Clayton, Simon Hale, Geoff Holroyde, Mark Jamies, Dee Johnson, John Johnson, Ian Kirkham, Pete Lewinson, Steve Lewinson, Chris de Margary, Roachie, Kevin Robinson, Danny Saxon, Kenji Suzuki, Andy Wright, Gota Yashiki.
Tracklist:
01. Perfect love
02. Something got me started
03. Holding back the years
04. More
05. A Song for you
06. Your mirror
07. Fairground
08. My perfect love
09. Smile
10. Sad old red
11. For your babies
12. Ev’ry time we say goodbye
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Charlie Parker nació en el seno de una familia humilde en un barrio de Kansas City. Con 13 años ingresó en el “College Lincoln” donde se despertó en el el interés por la música. En la banda de alumnos del colegio, le pusieron a tocar la tuba, pero su madre no lo consideró un instrumento adecuado para el y con sus ahorros le compró su primer saxo alto.
Aprendió el instrumento de forma autodidacta e intentando al principio imitar a los grandes saxofonistas de Kansas City. En 1938 después de que el clarinetista, Buster Smith, le aconsejara sobre la técnica del saxofón y el uso adecuado de las boquillas y cañas, se marchó a Chicago y de allí a New York. Sobrevive fregando platos en un restaurante donde Art Tatum tocaba el piano y tras cuatro de años con el carnét de músico y tras varias experiencias importantes, Charlie Parker entra en la banda del pianista Jay McShann, con quien permanecerá hasta 1942.
Cuando McShann, decidió regresar con la orquesta a Kansas City, Parker optó por quedarse en New York, y participar en la agitada vida musical de la ciudad.
En 1945, Charlie Parker grabó junto a Dizzy Gillespie, una serie de discos que, para la historia, quedaran como los primeros verdaderos testimonios de esa nueva forma de jazz. En Diciembre de aquel año, encabezando con Dizzy un sexteto estelar se marcho a California con un contrata para tocar en el club “Billy Berg’s” de Los Ángeles y la experiencia es un fracaso musical y económicamente. La adicción de Parker a la heroína es total y hay noches que no aparece por el club, lo que provoca que Dizzy Gillespie decidiera no tocar mas con el.
Siete meses después, desintoxicado, pero nunca curado, regresa a New York e iniciará a partir de 1947 y durante cuatro años, la etapa mas brillante y creativa de su carrera. Firma un contrato con el sello Verve, tercera estación de paso obligatoria en su discográfica junto a las sesiones grabadas para Savoy y Dial. Empieza a llegarle los honores cuando las revistas especializadas lo eligen varias veces como “Numero Uno” en su instrumento.
Nuevas recaídas con la droga le avisan del estado de salud, y provocan que le sea retirado el carné para poder tocar en los locales de New York. Su ultima aparición en Birdland, el 5 de marzo de 1955 será una autentica catástrofe. El día 9 sintiéndose mal se refugia en la casa de la Baronesa Pannonica de Koenigwarter donde falleció mientras miraba un show cómico en la TV.
Charlie Parker tenía 35 años y a pesar de su corta vida, es aún venerado como el más extraordinario saxo alto y el mas grande improvisador de toda la historia del jazz.
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Durante las presentaciones iniciales de su corta carrera, el prodigiosoy fascinante improvisador que fue Charlie Parker, daba la impresión de que su repertorio se limitaba al blues tradicional y a un limitado número de “standards”. Sin embargo, algunas veces interpretó hermosas canciones escritas por los grandes compositores norteamericanos.
Este album es una recopilación de canciones cuidadosamente elegidas que han deleitado a generaciones enteras, la mayoría procedentes de bandas de sonido, musicales o del repertorio de grandes cantantes de jazz. Charlie Parker muestra una vez mas su genialidad en cada uno de estos temas, ya sea secundado por una orquesta o por una sección de ritmo convencional. “I’m in the mood for love” está repetida en el tracklist, justamente para exponer estas dos modalidades.
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Glenn Miller, nació en 1904 en Clarinda, una pequeña localidad del Estado de Iowa. Pasó su infancia en Nebraska y Oklahoma hasta que su familia se instaló definitivamente en Colorado, donde con doce años empieza a estudiar el trombón y a tocarlo en la banda de su colegio. En 1926, siendo aún universitario, se convierte en trombonista profesional y se une a la banda del celebre baterista, Ben Pollack, en una gira por California. En esa banda el clarinetista era el mas tarde proclamado “rey del swing”, Benny Goodman.
En 1928, la orquesta llega a New York y Miller decide dejarla para tocar por su cuenta en clubes, programas de radio y espectáculos musicales, hasta bien entrado el año 1932. En 1935, Ray Noble, director británico de orquesta le encarga organizar una banda de swing. Durante dos años alterna loa dirección de la orquesta y las actuaciones en pequeños locales, hasta que en 1938 decide formar su propia bigband tras varios intentos frustrados. Su primer gran éxito fue “Moonlight Serenade” y un contrato en el Casino de Glen Island en New Rochelle, en New York, le abre las puertas a una carrera triunfal que se mantendrá hasta el final de su carrera. Al mismo tiempo que la orquesta triunfa en las salas de bailes, la banda adquiere una popularidad tremenda en los Estados Unidos debido a la emisión de sus actuaciones por un programa radiofónico que es escuchado de costa a costa en los Estados Unidos, y que es patrocinado por la marca de cigarrillos, Chesterfield.
La orquesta, ya con un sonido novedoso -el famoso sonido Miller- está ya completa con sus grandes instrumentistas y el contrato que firma con la RCA -donde a lo largo de tres años y medio grabará mas de doscientas cincuenta temas- la confirman como uno de las grandes bandas de swing de la época. En julio de 1942, terminan las grabaciones para RCA debido a la huelga de grabaciones decretada por la Federación Americana de Músicos e impuesta obligatoriamente a todos sus asociados. Dicha huelga duró dos largos años y su finalización coincidió con el comienzo de la II Guerra Mundial. A pesar de que por su edad no estaba obligado, decide alistarse y el Ejercito americano le da la graduación de Capitán primero y Comandante después. En el ejercito, Miller reúne a excelentes músicos también reclutados y consigue formar una de las mas grandes y mejores orquestas militares de toda la historia.
Considerado como un héroe nacional por la ferviente actitud patriótica de los americanos, la “Glenn Miller Army Air Force Band”, es enviada a Inglaterra para animar a las tropas norteamericanas en el combate. El 15de diembre de 1944 su avioneta no llega a Paris y nunca se encontraron los restos de la misma. Allí comenzó la leyenda. La discografía de Glenn Miller, es todo un patrimonio musical de primer orden y su localización es fácil para el aficionado dado que todas las grabaciones a su nombre como líder de su orquesta están publicados por el sello RCA y disponibles desde hace años.
Un gran box set, con todos los sencillos grabados por Glenn Miller con la Bluebird. Un total de trece CD con la música que definió toda una generación y una época. Están aquí reunidos todos los hits de Miller que entraron en las clasificaciones, menos dos: “Solo Hop” de la etiqueta Columbia, y “Every Day’s A Holiday” que fue grabado con la etiqueta Brunswick (esta es la razón por la que no fueron incluidos, ya que no eran de Bluebird o Victor).
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Steven Eugene Grove (nacido el 27 de noviembre de 1962), más conocido como Euge Groove, es un saxofonista de smooth jazz americano.
Nació en Hagerstown, Maryland. Se graduó en la Universidad de Miami Escuela de Música en 1984. El error que tuvo fue no grabar ningún disco hasta el año 2000. Antes de grabarlo, Grove tuvo que reemplazar a Richard Elliot en el grupo Tower of Power cuando Elliot decidió seguir su carrera en solitario, y también participó en varias actuaciones de pop, la más importante la del grupo Exposé de Miami. Hizo un solo de saxofón en “Seasons Change”, y otro en 1933 “I’ll Never Get Over You (Getting Over Me)”.
Performers:
* Keyboards, Sax (Soprano), Sax (Tenor): Euge Groove
* Bass: Alex Al
* Percussion: Paulinho Da Costa
* Guitar: Paul Jackson Jr.
* Guitar: Danny Jacob
* Percussion: Walter Rodriguez
* Keyboards, Vocals: John Stoddart
* Guitar: Mike Turner
* Vocals: JC from NSYNC
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Tracklist:
01. Romeo and Juliet (Grove)
02. Sneak A Peek (Egiz/Grove)
03. Vinyl (Grove)
04. Give In To Me (Chasez/Egiz/Grove)
05. Another Sad Love Song (Babyface)
06. Tenderhearted Lover (Stoddart)
07. Truly Emotional (Egiz/Grove)
08. Lay It Down (Egiz/Grove)
09. Summer Stroll (Egiz/Grove)
10 Last Song (Grove)
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