Tuesday, December 23, 2025 00:16

Patrick Wolf – Lycanthropy (2003)

Posteado por Paola - noviembre 12th, 2010 - 0 comentarios

Patrick Wolf es un cantautor inglés nacido en Londres. Su música se caracteriza por la combinación innovadora del tecno, rock, folk y electro. Wolf toca muchos instrumentos incluyendo el arpa, el clavinet, el clavecín, la guitarra, el piano, el órgano y el violín.

Lycanthropy es su primer álbum, fue grabado entre los años 1994 y 2002 y de él no salió ningún sencillo. En este disco Wolf utiliza en muchos temas la guitarra acústica, instrumento que casi abandonará en sus siguientes discos, a favor del ukulele. La mayoría de las canciones tienen un fondo oscuro, como “The Childcatcher”, que narra la historia de un muchaco acechado por un pedófilo, y “Lycanthropy”, que cuenta la historia de una transformación a través de palabras abstractas.
Muchos de los temas están relacionados con los lobos y los hombres lobo, aunque no siempre de forma explícita.

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Jaime Torres – Electroplano (2007)

Posteado por Charly - noviembre 11th, 2010 - 1 comentario

Jaime Torres nació el 21 de septiembre de 1938, en la ciudad de San Miguel de Tucumán, al norte de la Argentina, y es el mas importante intérprete mundial del instrumento musical llamado charango.

Torres (un artista con una trayectoria apabullante) ha tocado en toda clase de escenarios con idéntico fervor y dignidad, desde los modestos escenarios del Tantanakuy, en Jujuy, Argentina, hasta el prestigioso Teatro Colón de Buenos Aires, pasando por la Filarmónica de Berlín, la Sala Octubre de Leningrado y el Lincoln Center

Electroplano es un trabajo que combina los sonidos de la musica nativa Argentina con la electronica y el chill out, aportados por el músico Alejandro Seoane, en una experiencia excepcional. Todos los temas le pertenecen a Torres y Seoane, a excepción de “El Humahuaqueño” (un tradicional “carnavalito” de Edmundo Zaldívar), y “El Condor Pasa” (del compositor peruano Daniel Alomía Robles).


Músicos:

Jaime Torres: charango
Alejandro Seoane: programaciones y bajo eléctrico
Ekaterina Larchenko: violín y arreglo de cuerdas
Magik Malik: flauta traversa
Laura Peralta: voz

Tracklist:

01. El humahuaqueño
02. Palomitay
03. Zelma
04. El condor pasa
05. Lobos
06. Ecuador
07. El angosto del perchel
08. Ciudad blanca
09. Electroplano
10. La vida
11. Malambo
12. Subzonda

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Toquinho e Orquestra Jazz Sinfônica – Ao Vivo (2008)

Posteado por Charly - noviembre 10th, 2010 - 1 comentario

Este disco  nació de la idea de mostrar al público de Brasil un repertorio con algunas de las mejores composiciones de la música de ese país en la voz de Toquinho, acompañado por la Orquestra Jazz Sinfónica do Estado de Sâo Paulo. Fue grabado en vivo en 2002 en la Sala Sâo Paulo, pero recién tuvo su edición en CD en 2008.

Es la perfecta simbiosis entre la suave voz de Toquinho y la calidad artística de los 85 componentes de la Orquesta, dirigidos por Cyro Pereyra y Joâo Maurício Galindo. Una conjunción de lo erudito y lo popular en una interesante combinación de sonidos y armonía.

Músicos:

Toquinho:
Guitarra, voz
Adan Loan Mihai Totan : Violín
Adriano Melo : Violín
Akira Terasaki : Viola de Arco
Alejandro De Leon Laurnaga : Viola de Arco
Alex Graco : Violín
Alexandre de Leon : Viola de Arco
Ana Isabel F. Rebello : Viola de Arco
Andréa Bueno Salinas : Violín
Arlindo Bonadio : Trombón
Ary da Silveira Júnior : Trompa
Betina Stegmann : Violín
Camila Bonfim : Contrabajo
Carlos Alberto de Alcântara : Saxo
Carlos Eduardo Pinto Mascareño : Violín
Cássia Carrascosa Bonfim : Flauta
Daniel Allain : Flauta
Dorin Serban Tudoras : Violín
Dorival Alves Galante Júnior : Trompeta
Ebenezer Florêncio : Violín
Eduardo Gomes : Trompa
Fabian Figueiredo : Violín
Fábio Prado Medeiros : Trompa
Fabrício Rodrigues : Violoncelo
Flávio Geraldini : Violín
Flávio Meyer : Violín
Gabriel Gorun : Violín
Gê Côrtes : Contrabajo
Gerson Galante : Saxo
Giuliano Rosas : Clarinete
Gláucia Vidal : Percusión Sinfônica
Graziela Rodrigues : Violín
Gustavo Lima : Clarinete
Hélio Ramiro : Trompeta
Iran Fortuna : Trombón
Ivan Daniel Decloedt : Contrabajo
Janaína Salles : Violoncelo
Joel de Souza : Violoncelo
John Walter Spindler : Violín
Júlio Cerezo Ortiz : Violoncelo
Liu Man Ying : Violín
Lúcia Ramos : Violín
Marcelo Ghelfi : Piano
Marcelo Soares : Violín
Marco Antônio Delfino : Tuba
Marcos Arakaki : Violino
Marcos Mincov : Oboe
Marcos Soares Cunha : Violín
Maria Vishnia Bouvet : Violín
Mário Andreotti : Contrabajo
Marisa Silveira : Violoncelo
Marta Maria Vidigal : Clarinete
Marta Ozzetti : Flauta
Maurício de Souza : Saxo
Nadilson Martins Gama : Violín
Nahor Gomes Oliveira : Trompeta
Newton José Galves : Viola de Arco
Patrícia Mendonça Ribeiro : Violoncelo
Paula Veneziano Valente : Saxo
Renata Botti : Fagot
Renato Kutner : Viola de Arco
Ricardo Bem-Haja da Fonseca : Violín
Roberto Alves Araújo : Oboe
Rogério Bocatto : Percusión Sinfônica
Ronaldo Araújo Pacheco : Fagot
Rudá Alves da Silva : Violín
Sérgio Henrique de Freitas : Violoncelo
Settimo Paioletti : Trompeta
Sidney Borgani : Trombón
Tereza Catto : Violoncelo
Toniquinho (Antônio de Almeida) : Bateria
Ubaldo Versolato : Saxo
Uwe Kleber : Violín
Vinicius Barros : Percusión
Wagner Rebouças da Silva : Trompa
Walter Souza Cruz : Trombón

Tracklist:

01. Jobiniana
(Cyro Pereira )

02.As rosas de Noel
(Cyro Pereyra)

03. Aria de Bachianas Nro.5
(Héitor Villa Lobos)

04. Trenzinho do Caipira
(Héitor Villa Lobos)

05.Tarde em Itapoá
(Toquinho – Vinicius de Moraes)

06. Samba de Orly
(Toquinho – Chico Buarque – Vinicius de Moraes)

07. Eu sei que vou te amar / Onde anda você
(Tom Jobim – Vinicius de Moraes / Hermano Silva – Vinicius de Moraes)

08. O caderno
(Toquinho – Mutinho)

09. Regra três
(Toquinho – Vinicius de Moraes)

10. Aquarela
(Toquinho –  Vinicius de Moraes)

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Amelita Baltar & Astor Piazzolla – Interpreta a Astor Piazzolla y Horacio Ferrer (1970)

Posteado por Charly - noviembre 9th, 2010 - 0 comentarios

María Amelia Baltar, conocida como Amelita Baltar, (Buenos Aires, 24 de septiembre de 1940) se destaca por su original voz y el talento dramático que se manifiesta en sus interpretaciones. Su primer disco como solista en 1968, la lleva a obtener el premio revelación en el “Festival nacional del disco” realizado en Mar del Plata, Argentina. En ese mismo año es escuchada por Astor Piazzolla quien la invita a protagonizar su obra “María de Buenos Aires” compuesta junto a Horacio Ferrer. Esta obra llevada al disco, fue el comienzo de una larga y fructífera unión. Piazzolla y Ferrer encuentran en ella la intérprete ideal y llega a estrenar más de 30 obras escritas por ellos marcando una época histórica de la música popular Argentina llegando a su culminación con “Balada para un loco”. Amelita se convierte en la musa, intérprete y cómplice de Piazzolla, además de haber sido también su esposa durante varios años.

Es en 1968 cuando Piazzolla inicia su extensa labor con el poeta Horacio Ferrer, comenzando una nueva experiencia: el tango canción. En 1969, junto a Ferrer compone “Balada para un loco”, presentada en el primer Festival Iberoamericano de la Canción, donde se le concede un polémico segundo premio. Esta obra resultó su primer impacto realmente popular, estrenada por Amelita Baltar con el propio Piazzolla en la dirección de la orquesta.

Este álbum que aquí presentamos (iniciativa de nuestro cómplice Christian) se editó en 1970, pero no fue pensado como tal, sino que es una recopilación de los simples editados previamente (en 1968 y 1969), de las composiciones de Piazzolla-Ferrer interpretadas por Amelita Baltar. La reedición en CD, que data de 1997, incorporan además como “bonus tracks” dos versiones a cargo del popular cantor de tangos Roberto Goyeneche, también realizadas en 1969.

Músicos:

Astor Piazzolla: arreglos, dirección y bandoneón
Amelita Baltar: voz
Antonio Agri: violín
Oscar López Ruiz: guitarra
Kicho Díaz: guitarra
Roberto Goyeneche: voz en los tracks 8 y 9 (bonus tracks)

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Djavan – Malásia (1996)

Posteado por Charly - noviembre 8th, 2010 - 0 comentarios

La facilidad de Djavan para ir de una sonoridad a otra, de un estilo a otro, es más que evidente en este disco. Totalmente grabado y mezclado en Rio de Janeiro, y su voz vuelve a demostrar por qué es una de las mejores de la música de Brasil.

Para destacar: su voz a capella al final de “Tenha calma”, cantando “Sem voce” de Tom y Vinicius; “Sorri” que es la versión en portugués de “Smile”, de Charles Chaplin y…el mejor tema del disco y uno de los mejores de toda la discografía de Djavan: “Nem um dia”. Es simplemente… perfecto!

Músicos:

Djavan: voz, guitarra
Arthur Maria: contrabajo
Carlos Bala: batería
Paulo Calasans: teclados
Marcelo Martins: saxo
Walmir Gil: trompeta
Francis Lima: trombón
Armando Marçal: percusión

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The Three Suns – Twilight Time (1956)

Posteado por Paola - noviembre 7th, 2010 - 0 comentarios

Los Three Suns eran famosos por ser el grupo favorito de Mamie Eisenhower. Los hermanos Al (guitarra) y Morty Nevins (acordeón) crecieron en Brooklyn, donde se unieron con su primo, Artie Dunn (órganp y voz), formando un trío. Después de un año o dos de trabajo alrededor de Nueva York, tuvieron su primer concierto importante en el Hotel Adelphia en Filadelfia en 1939 y luego se trasladaron al Hotel Picadilly en Nueva York en 1940, donde un contrato de dos semanas se convirtió en una estancia de siete años.
Tuvieron su primer éxito en 1944, con “Twilight Time”, y su versión de “Peg O’ My Heart”, lanzado justo después de la salida de la versión de los Harmonicats’ , luchó con la de ellos por el puesto # 1.
Los Three Suns fueron un concepto más que un grupo. A fines de 1940, el grupo era un quinteto, con el agregado de una guitarra rítmica y un bajo. Su primer gran éxito, “Twilight Time”, escrito por Morty Nevins, tuvo más de 3 millones de reproducciones al aire.

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Tracklist:

01. Twilight Time
02. Dardanella
03. When Day is Done
04. The Breeze and I
05. Painting the Clouds with Sunshine
06. Penthouse Serenade
07. Sunrise Serenade
08. I’ll Never Wish for More than This
09. Deep Purple
10. Hindustan
11. Sleepy Serenade
12. My Isle of Golden Dreams

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María Bethânia – Ambar (1996)

Posteado por Charly - noviembre 6th, 2010 - 0 comentarios

Después de recrear el cancionero popular de Roberto Carlos, María Bethânia vuelve en este disco a su universo personal, con la novedad de compositores nuevos, como Adriana Calcanhoto (autora del tema que titula al álbum), Chico Cesar (“Onde estará o meu amor”), y un samba que nació para ser un clásico: “Lua vermelha”, de Arnaldo Antunes que es, además, una lección completa de cómo interpretar una canción.

Es su primer disco para la EMI (se retiró de Polygram por no estar de acuerdo en hacer un disco de boleros), y vendió 700 mil copias sólo en Brasil. “Quise hacer un disco para homenajear a los compositores que, en algún momento, se detuvieron para hacer una canción pensando en mi. Y quise que la base del repertorio fuese de los nuevos”, explicaba Bethânia.

Músicos:

Jaime Alem: guitarra
Marcio Lomiranda: teclados
Paulinho da Costa: percusión
Steve Tavaglione: trompeta
Jorge Helder: contrabajo
Jota Moraes: piano
Marie Doulne: percusión, coros
Victor Biglione: guitarra
Tony Morgan: gaita
Carlos Bala: batería
Melissa Hasin: violoncelo
Bill Blrendle: pianoçCharlie Bisharat: violín
Orquesta Americana, dirección Harvey Cohen

Tracklsit:

01. Ambar
02. Bela mocidade
03. Quando eu penso na Bahia
04. Baby
05. Caminata
06. Iluminada
07. Alegria
08. O circo
09. Irene
10. Carinhoso
11. Negue
12. Onde estara o meu amor
13. Camisa listada
14. Lua vermelha

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Maria Bethânia – Ao Vivo (1995)

Posteado por Charly - noviembre 5th, 2010 - 0 comentarios

Este es el último álbum de María Bethania para el sello Polygram, y refleja los mejores momentos del espectáculo que nació a partir del disco “As canções que você fez pra mim”, con canciones de Roberto y Erasmo Carlos, que fuera estrenado en marzo de 1994 en el Canecâo de Río de Janeiro. Entremezclados, varios de sus éxitos y temas que no habían sido grabados con anterioridad, como “Genipapo absoluto”, de Caetano Veloso, o “Bárbara” y “Mar e Lua”, ambas de Chico Buarque. El detalle de músicos y autores está incluído en el completo artwork incluído en el archivo.

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Fleetwood Mac – Then Play On (1969)

Posteado por Paola - noviembre 4th, 2010 - 1 comentario

Para hablar de este album, primero debemos hablar acerca de una banda importantísima para el blues, y el rock ingleses, John Mayall and the Bluesbrakers. Por esta banda pasaron, por ejemplo, Eric Clapton, quien luego se fue a Cream, Mick Taylor, antes de entrar a los Rolling Stones, y durante un tiempo, el reemplazante de Clapton fue el guitarrista Peter Green; al irse Peter, no se fue solo, se llevó a dos integrantes mas: el baterista Mick Fleetwood, y el bajista John McVie. Estos tres, mas Jeremy Spencer, formaron Peter Green’s Fleetwood Mac, que luego se llamó simplemente Fleetwood Mac. Ya desde el comienzo, tuvieron un éxito, que luego fue versionado por Santana, “Black magic woman”.
Esta formación grabó cuatro discos, luego Jeremy Spencer se fue con una secta, y Peter Green se fue con el LSD.

Peter Green, líder, guitarrista y vocalista de la banda británica de blues rock Fleetwood Mac, es un claro ejemplo de la peligrosa doble vertiente que supuso la utilización masiva del LSD. Por una parte, abrió su mente y le permitió madurar grandes discos que le encumbran como figura clave del blues de los 60, por otra, le generó graves problemas psicológicos que contribuyeron al desarrollo de una esquizofrenia a mediados de los 70.

“Then Play On” fue el cuarto álbum de esta banda británica nacida en 1967. Si bien los primeros trabajos se asentaban en el blues rockero más tradicional, con versiones de grandes clásicos que seguían la estela de las colaboraciones de Green con grandes del blues como John Mayall, en este cuarto LP se aprecian importantes cambios. Realmente muchos consideran “Then Play On” como el mejor disco de los tempranos Fleetwood Mac –que más tarde, con integrantes diferentes, se convertirían en un grupo de pop de bastante éxito que poco tiene que ver con los inicios de la banda-, aunque difiere algo del estilo con el que el grupo se había iniciado. Se aprecian en el disco notables trazos psicodélicos, piezas instrumentales de gran energía y colores melancólicos.

El trabajo de las guitarras llevado a cabo por Peter Green y Danny Kirwan es extraordinario y revela una fuerza especial en los pasajes “Searching for Madge” y “Fighting for Madge”, así como en la famosa “Oh well”, que se ha convertido en un auténtico clásico. Sin embargo las canciones más destacadas son “Rattlesnake Shake” y “Although the sun is shining”, la primera por constituir un ejemplo perfecto del blues rock furioso de los Fleetwood y la segunda por mostrar esa otra faceta mística y etérea que caracteriza al disco. Debemos citar también al batería Mick Fleetwood y al bajo John McVie como cómplices de este fabuloso y fascinante álbum que no debería faltar en la colección de cualquier buen amante de la música.

Sin embargo, Peter Green acabaría abandonando el grupo poco después de este trabajo. Agonizaban los 60 cuando, en plena gira europea, Green padeció un mal viaje de LSD que le tuvo fuera de órbita durante tres días seguidos. Según comenta él mismo, jamás regresó de ese periplo. Su mente se perdió para siempre; obsesionado con la espiritualidad y hastiado de la notable popularidad que había alcanzado la banda, decidió dejarlo todo. Hizo un disco experimental en solitario, The end of the game, y salvo contadas colaboraciones desapareció del panorama musical durante la siguiente década. Green pagó un elevado precio por su inspiración, a nosotros nos queda disfrutar de ella.

Alineación:
Peter Green – vocal, guitarra, harmonica, violoncello (06)
Jeremy Spencer – vocal, guitarra, piano (06)
Danny Kirwan – vocal, guitarra
John McVie – bajo
Mick Fleetwood – batería

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Tracklist:

01. Coming Your Way (Danny Kirwan)
02. Closing My Eyes (Peter Green)
03. Show-Biz Blues (Green)
04. My Dream (Kirwan)
05. Underway (Green)
06. Oh Well (Green)
07. Although The Sun Is Shining (Kirwan)
08. Rattlesnake Shake (Green)
09. Searching For Madge (John McVie)
10. Fighting For Madge (Mick Fleetwood)
11. When You Say (Kirwan)
12. Like Crying (Kirwan)
13. Before The Beginning (Green)

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Reale Accademia Di Musica – Reale Accademia Di Musica (1972)

Posteado por Paola - noviembre 3rd, 2010 - 0 comentarios

Un disco imperdible para los amantes del Prog italiano.

Nicola Agrimi fue el primer guitarrista de Banco Del Mutuo Soccorso. En 1972, después de salir de Banco, Nicola reúne en Roma a cuatro músicos más, exintegrantes de una popular banda llamada “I Fholks”: Federico Troiani (teclados, vocales), Pierfranco Pavone (bajo), Roberto Senzasono (batería) y Henryk Cabanes (voz solista) y da vida a “Reale Accademia Di Musica”, un grupo que ha pasado injustamente desapercibido, pues su propuesta musical fue muy interesante, con un sonido sinfónico con ese toque mediterráneo de las mejores bandas de prog italiano, sólidamente apoyado en el trabajo del teclista Troiani y la voz de Topel.

El álbum “Reale Accademia Di Musica” es una de las mejores obras de progresivo italiano. En seis cortes, en 40 minutos 25 segundos, en un proyecto único, “Reale Accademia Di Musica” (RAdM) plasmó en éste, el primero de dos discos, toda la esencia de un progresivo romántico, cambiante, emotivo, típicamente italiano…

El álbum estuvo interpretado por Federico Troiani (pianos eléctrico y acústico, órgano, melotrón, voz), Nicola Agrimi (guitarras eléctrica y acústica), Pierfranco Pavone (bajo), Roberto Senzasono (batería, percusiones), Henryk Topel (voz principal) y hubo tres invitados a participar: Pericle Sponzilli (guitarra), Maurizio Vandelli (guitarra acústica en Il Mattino y melotrón en Lavoro in Citta’) y Natale Massara (dirección de orquesta en los dos primeros cortes, Favola e Il Mattino). Desafortunadamente del grupo se sabe muy poco y es una pena porque es uno de los mejores exponentes del progresivo en Italia.

“Reale Accademia Di Musica” es un disco muy bien equilibrado en todos sus componentes. Inicia con “Favola”, un corte pequeño que da un preámbulo de tipo acústico, quedo, que se desvanece y da paso a “Il Mattino”, que inicia retomando el ligero canto de Topel al inicio y que crece poco a poco en complejidad, marcada por un piano acústico y elementos orquestales bien definidos que de pronto te envuelven en un cabaret típico del viejo oeste y se desvanece hacia un final de nuevo quedo, lerdo, apacible. “Ognuno Sa” está marcado también por un piano acústico, solo que esta vez el cambio de ambiente está definido por una guitarra acústica y un tratamiento vocal que te transporta a la década de los ’60 cuando los Beatles eran quienes reinaban en la radio.

Luego viene “Padre”, un corte que define por sí solo la esencia del grupo; un sonido clásico que crece con teclados y una guitarra áspera que permite entrada a la batería que marca e incorpora un ritmo avasallador, interrumpido por momentos calmos que interpretan de nuevo la voz. “Lavoro in Città” está marcada por un juego vocal distinto, profundo, soportado por un bajo persistente y una batería bien marcada; hay rupturas interesantes que te devuelven al sentir romántico del álbum y elementos sinfónicos muy bien logrados. Pero el final tiene que llegar y lo hace sonando a “Vertigine”, el corte menos estable del concepto; una canción que se violenta y grita, que se desvanece y llora, que sonríe y alegra…

El álbum ha sido re editado en Cd en 1972 por King Record, Japón.

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Tracklist:

01. Favola
02. Mattino
03. Ognuno Sa
04. Padre
05. Lavoro In Città
06. Vertigine

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