Monday, November 25, 2024 14:28

Archive for marzo, 2011

Donovan – Sunshine Superman (1966)

jueves, marzo 31st, 2011

Donovan Leitch nació el 10 de mayo de 1946 en Glasgow (Escocia). En sus comienzos estaba fuertemente marcado por la música folk americana, con predilección por Bob Dylan y Woody Guthrie.
Inició su carrera discográfica gracias a la fortuna de aparecer regularmente en 1965 en el programa de televisión “Ready, Steady, Go”, en donde pronto fue comparado con su maestro Dylan.
Con su guitarra acústica y su admirable sentido para la melodía, el músico escocés conquistó a la audiencia inglesa con canciones como “Catch the wind” o “Colours”.
El manager Allen Klein sería el encargado de lanzarlo en el mundo del disco. Tras firmar un contrato con Pye Records, Donovan publicó en 1965 el sencillo “Catch the wind”, una de las composiciones que más recordaba a Bob Dylan y que le valió alcanzar el puesto número 4 en los charts británicos, la misma posición que logró “Colours”, otro tema claramente deudor del proceder del genio de Minnesota.
En 1965 aparecieron dos estimables e infravalorados Lps de esencia folk, “What’s bin did and what’s bin hid” (1965), disco que incluía “Catch the wind” y “Fairy Tales” (1965), álbum en donde se encontraba el sencillo “Colours”.
Su tercer single fue “Turquoise” (número 30), una canción en la cual ya se apreciaba la pretensión de alejamiento de sus raíces dylanianas, ya que Donovan lo que menos deseaba era la continua comparación con el compositor estadounidense.
Para conseguir un cambio de sonido contó con la colaboración del afamado productor Mickie Most y del arreglista John Cameron, quien ensanchó su universo folk con piezas pop de entramado hippie-psicodélico, afianzando su propia personalidad tanto en la faceta vocal como en la compositiva.
Su primera obra con Most sería “Sunshine Superman” (1966), un gran Lp que contaba con la guitarra de Jimmy Page (en su tarea de músico de sesión) en varios temas (sin olvidar la esencial participación de Eric Ford) y con los teclados de Cameron.
En el álbum podemos encontrar temas como “Season of the witch” (versionado por Terry Reid, Al Kooper o Vanilla Fudge) “The fat angel” (versionado por Jefferson Airplane), “Trip”, “Celeste”, “Guinevere” o el single homónimo (versionado por Husker Du o Jewell), que subió en 1967 hasta el número 2 en el Reino Unido y al número 1 en los Estados Unidos.

***

Tracklist:

01 Sunshine Superman
02 Legend of a Girl Child Linda
03 Three King Fishers
04 Ferris Wheel
05 Bert’s Blues
06 Season of the Witch
07 The Trip
08 Guinevere
09 The Fat Angel
10 Celeste

***

Aquí

***

Badfinger – No Dice (1970)

miércoles, marzo 30th, 2011

La historia de Badfinger es la prueba de que la crónica del rock es una crónica con muchas sombras, con muchos nombres que se quedaron en el camino. A finales de los 60’s unos Beatles a punto de disolverse idearon una compañía discográfica, Apple Records, con la que planeaban descubrir nuevos talentos y lanzarlos al estrellato, el proyecto, como otros tantos que idearon en aquellos años resultó siendo un fracaso comercial, demostrando que los cuatro magníficos de Liverpool eran mucho mejores músicos que empresarios.
Uno de los primeros grupos en firmar con Apple, y uno de los más exitosos en la breve carrera de la compañía fue Badfinger, un grupo formado por Pete Ham en 1965 que, inicialmente como The Iveys, llamaron la atención de Paul McCartney quien los contrató para grabar un primer disco que recibiría el nombre de Maybe Tomorrow (1969). El fracaso comercial de este primer disco llevó a varios cambios en la formación de la banda y a la adopción del definitivo nombre de Badfinger tomando una estrofa de With A Little Help From My Friends de The Beatles. La formación clásica de Badfinger, con Pete Ham, Joey Molland, Tom Evans y Mike Gibbins era un combo curtido ya en multitud de bandas con unos gustos musicales que iban del rock americano más rítmico al elegante pop de finales de los 60’s, con, por supuesto, The Beatles a la cabeza.

“No Dice” (1970) fue el segundo disco como Badfinger para Apple, publicado en 1970, supuso un notable éxito para la banda y una rentable fuente de ingresos para la compañía que ya mostraba sus primeras incongruencias financieras. Aunque Pete Ham fue el compositor inicial y cantante de The Iveys, poco a poco el resto de los miembros de la banda se fueron revelando también como excelentes compositores y músicos al tiempo que Badfinger ganaba día a día consistencia, curtiéndose en múltiples proyectos paralelos con George Harrison o John Lennon. No Dice (1970) es un inmejorable cocktail de hard rock y brillantísimas melodías pop, con al menos tres temas absolutamente redondos e incontestables, I Can´t Take It, No Matter What y Without You, la canción más famosa de Badfinger, que fue popularizada posteriormente por Harry Nilsson y después por Mariah Carey, pero como la original, nada. Una balada romántica, elegante, acompañada por un mullido colchón acústico y leves pinceladas eléctricas. La melodía de simplemente de cinco estrellas. La interpretación emotiva, cargada de sentimiento. Una canción muy especial, que quizá no merezca más fama que otras de este disco, pero que no por eso deja de ser una de las grandes baladas del rock.

En este LP encontramos además canciones que oscilan entre el folk de I Don’t Mind y el country de Blodwyn completando un disco realmente brillante que conformó a Badfinger como uno de los mejores grupos de su tiempo, recuperando la contundencia del rock and roll primigenio al servicio de las melodías pop más inspiradas.

Tras publicar varios brillantes discos en Apple, eclipsados casi siempre por la alargada sombra de los Beatles el grupo se vio sacudido por los problemas que ya empezaban a desmembrar la compañía discográfica y terminaron recalando en la Warner donde los problemas financieros, legales y personales continuaron, culminando con el suicidio en 1975 de Pete Ham y posteriormente con el de Tom Evans en 1981. Por encima de la leyenda negra que envuelve a Badfinger quedarán siempre las vibrantes, poderosas, enérgicas y vitalistas canciones que el grupo compuso en su breve e intensa carrera, unas canciones y un legado que sigue estando plenamente vigente.

***

Tracklist:

01. I Can’t Take It
02. I Don’t Mind
03. Love Me Do
04. Midnight Caller
05. No Matter What
06. Without You
07. Blodwyn
08. Better Days
09. It Had To Be
10. Watford John
11. Believe Me
12. We’re For The Dark

Bonus Track:

13. Get Down
14. Friends Are Hard To Find
15. Mean Mean Jemima
16. Loving You
17. I’ll Be The One

***

Aquí

Aquí

***

Vasco Rossi – Vivere o Niente (2011)

martes, marzo 29th, 2011

El cantante y músico Vasco Rossi nació en la provincia de Módena, Italia, el 7 de febrero de 1952.  Siendo todavía un niño y por decision de su madre, ama de casa apasionada por la música, es inscripto en la escuela de música del maestro Bononcini donde comienza a interesarse por el mundo de la música. Tiempo después y contando con solo 13 años de edad gana el concurso “Usignolo d´oro” y a los 14 años forma su primer grupo musical llamado “Killer”, nombre que después seria cambiado por el de “Little Boys”.

Vasco sigue su instinto artístico y funda la primera radio libre de Italia en 1975: Punto Radio. Difundida en parte de la Emilia-Romaña, del Véneto y de la Lombardía, Vasco es anunciado como aprendiz de DJ, pero en su interior, él sigue soñando con ser cantautor y continúa escribiendo letras y canciones.  El esfuerzo da sus frutos y La Jeans publica “Jenny e Silvia”.   Es en la década de 1980 cuando son publicados sus discos con mejores críticas. Su actividad musical continúa en profusa actividad hasta estos días.

***

La cubierta del nuevo álbum de Vasco Rossi nos lo muestra escapando, en plena fuga. Y en las canciones como en su carrera, Vasco siente la exigencia del escape: de los esterotipos, de la mediocridad y del aburrimiento.  Y el juego de palabras del título del álbum nos permite continuar esa metáfora: o vives, o nada.

El disco tiene todos los elementos característicos de Rossi. Musicalmente es variado, como en sus primeros tiempos: mucho saxo, blues, balada y naturalmente el rock. Los 12 temas son muy distintos uno del otro y tienen un hilo conductor en la temática: la vida.  El archivo contiene la gráfica completa del booklet, con letras y toda la data técnica y musical.

Para quien quiere un poco de buen rock italiano, este disco es imprescindible.

***

Aquí

Aquí

***

Harry Nilsson – Nilsson Schmilsson (1972)

lunes, marzo 28th, 2011

Grabado en 1971 y editado en diciembre del mismo año, “Nilsson Schmilsson” es el disco mas representativo, por lo que concierne ventas, de Harry Nilsson. El disco llega a la tercera posición en las clasificaciones americanas, ganando disco de oro por el millón de copias vendidas y el sencillo del álbum “Without You” llego al primer lugar en Inglaterra y estados Unidos.
los otros sencillos extraídos del álbum, “Coconut” y “Jump Into The Fire”, llegan  entre los primeros diez el primero y
el segundo clasifica entre los primeros cuarenta. “Without You”, cover de un tema de los Badfinger, ganó dos Grammy y se quedó en clasificación por todo el 1972 (había entrado en los Charts el 25 de diciembre de 1971).
Entre los bonus tracks está la versión española de la multi premiada canción que en Italia fue llevada al éxito por los Gens y después retomada por Johnny Dorelli y utilizada en el interior de un álbum de Caterina Caselli.

Cómplice en el viaje: Christian

***

Tracklist:

01. Gotta Get Up (Nilsson)
02. Driving Along (Nilsson)
03. Early In The Morning (Hickman-Jordan-Bartley)
04. The Moonbeam Song (Nilsson)
05. Down (Nilsson)
06. Without You (Ham-Evans)
07. Coconut (Nilsson)
08. Let The Good Times Roll (Lee)
09. Jump Into The Fire (Nilsson)
10. I’ll Never Leave You (Nilsson)
11. (bonus track) Si No Estas Tu (Without You)
12. (bonus track) How Can I Be Sure Of You (Nilsson)
13. (bonus track) The Moonbeam Song (Nilsson) (Demo Version)
14. (bonus track) Lamaze (Nilsson)
15. (bonus track) Old Forgotten Soldier (Nilsson) (Demo Version)
16. (bonus track) Gotta Get Up (Nilsson) (Demo Version)

***

Aquí

***

María Bethânia – Pirata (2006)

domingo, marzo 27th, 2011

En  este trabajo, Bethânia viaja por el universo folklórico y afectivo del interior de Brasil. Y también aquí están presentes el agua y la poesía.  En “Pirata” María Bethâania asume la personalidad de una niña del interior para quien el mar es una vaga e inalcanzable inmensidad azul con la que dialoga con su pensamiento.   Es el fruto de sus propias memorias, siempre fascinada por los ríos. Y en este disco nos presenta un conjunto de momentos fundamentales de la cultura popular brasileña, además de las canciones inéditas y de compositores clásicos en su voz.

Todo comienza con la poesía “Pedrinha miudinha”, con la inserción del texto “Orixá” (Jorge Portugal), seguidos por “Historia pro Sinhozinho” (Dorival Caymmi) y la poesía de “O tempo e o río” (Edu Lobo y Capinam).  No faltan clásicos como “Os argonautas” (Caetano Veloso), “Santo Amaro” (Roque Ferreira/Delcio Carvalho), “Memoria das aguas” (Roberto Mendes/Jorge Portugal) y “Onde eu nasci passa um rio”, otra vez de Caetano.

***

Aquí

***

María Bethânia – Mar de Sophia (2006)

sábado, marzo 26th, 2011

En 2006 María Bethânia editó dos discos. Y en ambos están presentes dos constantes de su obra: el agua  y la poesía. En este “Mar de Sophia”, Bethânia parafrasea y toma para sí los versos de la portuguesa Sophia de Mello Breyner, y esos textos funcionan como puentes que unen los mares de las canciones.   El primer track es “Canto de Oxum”, una composición densa de Vinicius y Toquinho, que da paso a “Yemanjá Rainha do Mar”, de Pedro Amorim y Paulo Pinheiro. Ambas sirven como introducción a este álbum maravilloso.

Caben destacar las participaciones de Naná Vasconcelos (en “Rainha do Mar”, “Marinheiro Só”, “Grão de Mar”, “Vamos Chamar o Vento”, “Cantiga de Noiva” y “Canto Pra Nana”), el piano de João Carlos Assis Brasil (en “Lágrima”), Antonio Adolfo (en “Poema Azul” y “Praias Desertas”), y Luciana Rabello en “Das Maravilhas do Mar”, “Fez-se o Esplendor de Uma Noite”).

Bethânia se reinventa una vez mas, en un trabajo de excelencia.

***

Aquí

Aquí

***

Elton John – Goodbye Yelllow Brick Road (1973)

viernes, marzo 25th, 2011

A lo largo de sus más de 40 años de carrera musical, Elton John ha vendido más de 250 millones de álbumes y más de 150 millones de singles y ha colocado más de 50 canciones en los charts, convirtiéndose en uno de los músicos de más éxito de todos los tiempos. En el año 2004 la revista Rolling Stone le otorgó el puesto 49 en su lista de los 100 mejores artistas de la historia. Su canción Candle in the Wind, regrabada en 1997 se convirtió en el single más vendido de todos los tiempos con 37 millones de copias.  Sus múltiples premios incluyen el título de Sir al ser nombrado miembro de la Orden del Imperio Británico por Isabel II de Inglaterra. Según Billboard, es el tercer más grande artista de todos los tiempos en Estados Unidos, solo por detrás de The Beatles y Madonna.

***

“Goodbye Yellow Brick Road”, editado en 1973, es el séptimo álbum de estudio de Elton John (que hoy cumple 65 años!), y se ha convertido en uno de sus trabajos más populares y el más vendido de su discografía, superando los 31 millones de copias en todo el mundo hasta el presente.

Es  mi álbum favorito de Elton John, y contiene (también para mi subjetivo gusto) su mejor canción, la que le dá su título al disco. Pero además están otras perlas como “Candle in the wind”, “bennie and the Jets” y “Saturday night´s alright for fighting”.  El proceso de grabación tomó dos semanas en Francia y, según el productor Gus Dudgeon, el álbum no fue planificado como un disco doble como finalmente fue editado, y en su primera reedición en CD, en 1995, todas las canciones fueron incluídas en un único CD. Esta presentación incluye el arte de tapa completo, tanto de la versión en CD como del vinilo de 1973.

Músicos:

Elton John: piano, piano eléctrico, organo, voz.
Dee Murray: bajo
Davey Johnstone: guitarras acústicas y eléctricas, banjo
Nigel Olsson: batería
Ray Cooper: tambourine, congas
Dee Murray, Davey Johnstone, Nigel Olsson: coros (tracks 1, 2, 4, 10, 13, 17)
Del Newman: arreglos de orquesta (tracks 4, 8, 9, 10, 15, 17)
Leroy Gomez: solo de saxo en “Social disease”
Kiki Dee: coros en “All the girls love Alice”

***

Aquí

Aquí

***

Jorge Ben – Samba Esquema Novo (1963)

martes, marzo 22nd, 2011

Jorge Duílio Lima Meneses, más conocido como Jorge Ben Jor (Río de Janeiro, 22 de marzo de 1942) es  uno de los músicos más importantes de Brasil, y hoy está celebrando su cumpleaños número 69.  Su estilo característico incluye samba, funk, rock, pop, maracatu, bossa nova.

A los dieciocho, su madre le obsequió una guitarra y comenzó a hacer presentaciones en fiestas y boates.  Y fue en una de esas boates que su carrera comenzó: en 1963, se subió al palco y cantó “Más que Nada” para una pequeña platea, en la que se encontraba un ejecutivo de la discográfica Philips. Una semana después, era lanzado el primer disco de Jorge Ben. Su ritmo híbrido le trajo algunos problemas al inicio, cuando la música brasileña estaba dividida entre la Jovem Guarda y el samba tradicional.   Más que Nada, fue su primer gran éxito en Brasil, y también uno de los temas musicales en lengua portuguesa más populares en los Estados Unidos hasta los días de hoy. La canción llegó a tal punto, que fue interpretada por jazzistas de renombre, tales como Ella Fitzgerald, Dizzie Gilespie o Al Jarreau.

En 1989, Jorge Ben cambió de discográfica y también de nombre artístico, que fue modificado a Jorge Benjor (o Jorge Ben Jor). En la época, dijeron que el motivo fue la numerología, (y según sus propias palabras, “apenas uma sugestão de marketing”) pero, en verdad, el cambio se debió a problemas con derechos de autor.

***

Aquí

***

Jorge Ben Jor – Acústico MTV (2002)

martes, marzo 22nd, 2011

Este disco fue grabado en enero de 2002, en la versión brasileña de los MTV Unplugged. Y es un disco doble porque el primero de ellos presenta la primer mitad del show, presentando la reunión de la banda que acompañó a Jorge Ben Jor en la década de 1970 (Admiral Jorge V).  El segundo CD presenta a su banda actual (Banda Do Ze Pretinho).  En ambos casos, se destaca el acompañamiento de una orquesta que le da un toque especial a cada interpretación.

Están aquí reunidos la mayoría de los hits de Jorge Ben Jor, desde sus inicios en 1963 y repasando cuarenta años de carrera musical.  Es uno de los mejores discos en vivo que he escuchado.

***

Aquí

Aquí

***

The Alan Parsons Project – Tales of Mystery and Imagination (1976)

lunes, marzo 21st, 2011

The Alan Parsons Project es un grupo británico de pop rock (aunque también hay quien lo clasifica como rock progresivo) formado en 1975. Estaba liderado por Alan Parsons, Eric Woolfson y en él participaron varias alineaciones de músicos, así como el arreglista y director de orquesta Andrew Powell.
Cada uno aportaba su granito de arena al grupo: Alan Parsons como productor, ingeniero y compositor; Eric Woolfson como productor ejecutivo, compositor y vocalista; y Andrew Powell como orquestador y arreglista. Además se rodearon de una serie de músicos y vocalistas para cada uno de sus proyectos entre los que se encontraban como músicos Ian Bairnson, David Paton o Stuart Elliot y como vocalistas el propio Eric Woolfson, Lenny Zakatek, John Miles, Chris Rainbow o Colin Blunstone entre muchos otros.
Lanzaron varios discos con un gran cuidado en la producción y creatividad como: Tales Of Mystery And Imagination, I Robot, The Turn Of A Friendly Card o Eye In The Sky; y donde se destacan temas como: “Don’t Let It Show”, “The Turn of a Friendly Card”, “Silence & I” u “Old And Wise”.
A finales de los 80, Eric Woolfson abandonó el grupo para dedicarse a componer para musicales de teatro, sin embargo volvieron a reunirse momentáneamente con el breve proyecto Freudiana. Alan Parsons ha seguido creando nuevos temas pero firmando con su nombre (sin el Project), debido a problemas con la parte de los derechos que mantenía Woolfson sobre el nombre del grupo. Actualmente en sus giras vuelve a rescatar el nombre original, con permiso de Eric, denominándose Alan Parsons Live Project.
En los años 2004-2005, Alan Parsons Live Project hizo una gira mundial para dar a conocer sus últimos proyectos y recordar los éxitos de siempre, consiguiendo el “lleno” allá donde iba.

Este álbum conceptual gira alrededor de los cuentos de Edgar Alan POE, y fue el primero y uno de los mejores del Proyecto Alan Parsons.
Es curioso que el Proyecto en realidad nunca fue un grupo, mas bien se trató de un experimento intelectual: “el álbum del productor”, un concepto más común en cine que en el estudio de grabaciones. Alan Parsons no es un músico, sino un productor con demasiadas ideas musicales. Su asociación con Eric Woolfson fue de lo más afortunada: entre los dos desarrollaban el concepto de cada álbum, Alan hacía música, Eric escribía las letras, y entre los dos seleccionaban a los músicos más adecuados para el sonido que deseaban lograr en cada álbum.
Para su primer trabajo como “Proyecto” escogieron un tema bien apropiado: la interpretación musical de algunos de los cuentos más célebres de uno de los mejores escritores de cuentos de fantasía y terror, bien ejecutados y rodeados de una atmósfera sonora que tiene sin duda el mismo toque de quien grabó “The Dark Side of the Moon”. Algo que el mismo Parsons presume es el hecho de que este álbum se grabó sin usar mucha de la parafernalia electrónica que luego se haría común en sus trabajos. De hecho, el único sintetizador que usaron en la versión original fue para simular el efecto del viento en ‘Arrival’. En cambio, hay muchísimas orquestaciones, suficientes guitarras eléctricas donde se necesitan, y teclados a lo largo y a lo ancho de toda la obra. Los vocalistas hicieron muy buen trabajo: Woolfson, John Miles y Terry Sylvester.
Desde el punto de vista de las melodías, “Tales..” no es el mejor álbum de rock progresivo: las melodías no son memorables (a pesar que Parsons demostraría facilidad para escribir buenas melodías en el futuro), pero son efectivas.
Pero el álbum tiene un encanto que es difícil de describir. La música es variada y va desde lo muy tranquilo hasta momentos rockeros de mucha energía. Nunca se hace aburrido, y el sonido es increíble. Al final de los años dorados del progresivo, este álbum fue como una bocanada de aire fresco, y en cierto modo señaló la ruta hacia el sonido más “electrónico”, sin perder el buen gusto y el cuidado en los detalles.
Existen dos versiones de este álbum, el LP original de 1976 y la versión remasterizada de 1987, ligeramente diferente (incluye textos leídos por Orson Welles y algunos sintetizadores y guitarras adicionales). La primera versión nunca se editó (ni se editará) en Cd. La segunda es, de acuerdo con el mismo Alan Parsons, la versión original, tal y como él y Woolfson la concibieron, (sucedió que las grabaciones de Welles no llegaron a tiempo para incluírlas en la mezcla final). Cuando el Cd ganó suficiente popularidad y la industria vió la oportunidad de re-editar los viejos LPs en el nuevo formato, Parsons aprovechó para darle al álbum su “manita de gato” y actualizar su sonido… “entiendo a quienes prefieren la versión de 1976, pero, ya que Poe se sentía fascinado con la idea de la resurrección, creo que habría aprobado (la nueva versión). Estoy convencido que Tales ahora es mejor, y con suerte tendrá una nueva oportunidad de vida”…
Los temas instrumentales son ‘A dream within a dream’ y ‘The fall of the house of Usher’ desde ‘Prelude’ hasta ‘Fall’; Leonard Whiting y Alan Parsons cantan en ‘The raven’, Arthur Brown canta en ‘Tell-tale heart’, John Miles en ‘Cask of amontillado’ y ‘(System of) Doctor Tarr and Professor Fether’ y Terry Sylvester en ‘To one in paradise’. Narración: Orson Welles y Leonard Whiting. Bajo eléctrico: David Paton y Joe Puerta. Bajo acústico: Darryl Runswick. Baterías: Stuart Tosh y Burleigh Drummond. Guitarras eléctricas: Ian Bairnson, David Paton, David Pack, Alan Parson y John Miles. Guitarras acústicas: Laurence Juber y Kevin Peek. Teclados: Billy Lyall, Christopher North, Eric Woolfson, Andrew Powell, Francis Monkman y Alan Parson. Cimbalom y Kantele (instrumentos musicales de Hungría y Finlandia respectivamente, cuyo principio son cuerdas en una caja de resonancia): John Leach. Mandolina: Hugo D’Alton. Coros: Jack Harris, Eric Woolfson, Jane Powell, Smokey Parsons, David Paton, Terry Sylvester, Stuart Tosh. Conductor de coro: Bob Howes. Grupos corales: The English Chorale, Westminster City School Boys Choir. Producción e ingeniería: Alan Parsons. Productor ejecutivo: Eric Woolfson. Arreglos y conducción: Andrew Powell. Asistentes de ingeniería: Patrick Stapley, Chris Blair, Tom Trefethen, Tony Richards.

***

Tracklist:

01. A Dream Within a Dream
02. The Raven
03. The Tell tale Heart
04. The Cask of Amontillado
05. (The System of) Doctor Tarr and Professor Fether
06. The Fall of the House of Usher – Prelude
07. The Fall of the House of Usher – Arrival
08. The Fall of the House of Usher – Intermezzo
09. The Fall of the House of Usher – Pavane
10. The Fall of the House of Usher – Fall
11. To One in Paradise

***

Aquí

Covers Aquí

***