Monday, December 18, 2017 10:54

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Riccardo Cocciante – Mu (1972)

lunes, noviembre 21st, 2011

De padre italiano y madre francesa, llega a Roma a la edad de13 años. Riccardo Cocciante (20 de febrero de 1946) echa raíces rápidamente en el ambiente musical italiano, sin perder por ello los vínculos con Francia y su cultura. En Roma comienza a escribir canciones y en 1972 publica con la RCA italiana su primer LP titulado “Mu”, que hoy presentamos.

En un primer momento es colocado por la crítica dentro de la escuela romana de cantautores (De Gregori, Venditti, Baglioni) pero rápidamente demuestra poseer una personalidad diferente, con manifestaciones de ascendentes franceses.  Su primer gran éxito llega en 1974 con “Bella sin alma”, una canción vibrante y fuerte que traspasa las fronteras nacionales. Se inicia así la larga carrera artística de Riccardo Cocciante, que conquista pronto  a miles de fans con sus melodía, su voz “dramática” y la agresividad de sus interpretaciones.

A pesar del éxito, inesperadamente el cantautor se retira con su mujer a Estados Unidos. Pasarán 3 años antes de que vuelva a Italia en 1991. La ocasión es la participación en Sanremo, que gana con “Se stiamo insieme”, insertado en el CD “Cocciante”.  También los álbumes publicados en Francia obtienen éxito como “Empreinte” contemporáneo de “Eventi e mutamenti” que prepara el lanzamiento de “L’instant présen”, juzgado por la crítica francesa como una obra maestra.  Otro punto altísimo en su carrera se da en Julio de 2005 con su nueva ópera: “Giulietta e Romeo”, basada en la obra de Shakespeare. Cocciante hace todo solo, interpreta a todos los personajes, con las bases y las canciones grabadas. El estreno tendrá lugar en Junio de 2007 en el Arena de Verona, para después viajar alrededor del mundo, siempre en la lengua italiana.

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“Mu”, publicado en 1972 es el álbum debut de Riccardo Cocciante, conceptual e inspirado en la leyenda del antiguo continente Mu, y contiene una temática filosófica y religosa en sus letras.  Participaron de la grabación del disco varios músicos importantes del panorama del rock progresivo italiano de aquella época, como Carlo Rustichelli, Maurizio Giammarco y Joel Vandroogenbroeck.   La música fue compuesta por Cocciante sobre textos de Marco Luberti y Paolo Cassella.  De hecho, el disco es un verdadero ejemplo de ese estilo musical, tanto por los arreglos como por los instrumentos utlizados, e inclusive por el arte de la cubierta. Nunca en su carrera volvió a grabar un disco de estas características, y tal vez por eso es uno de sus trabajos menos conocidos y valorados.

Músicos:

Douglas Meakin: guitarra acústica
Carol Muriel: arpa
Michael Brill: bajo
Derek Wilson: batería
Dave Sumner: guitarra eléctrica, cítara
Joel Vandroogenbroeck: flauta
Maurizio Giammarco: flauta, mellotrón
David Agnew: percusión
Miky Fraser: piano
Paolo Rustichelli: sintetizadores, mellotrón
Riccardo Cocciante: voz, piano, sintetizador moog, teclados.

Tracklist:

01. Introduzione
02. Ora che io sono luce
03. Coltivò tutte le valli
04. Uomo
05. Festa
06. Era mattino sul mondo
07. Vita
08. A Dio
09. Corpi di creta

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Angelo Branduardi – Camminando Camminando (1996 Live)

domingo, julio 10th, 2011

“Camminando Camminando” es el segundo álbum live de Branduardi y contiene dos inéditos con texto de Giorgio Faletti y música del mismo Branduardi; comienza así una colaboración que culmina en 1998 con “Il dito e la luna” en el que Faletti escribe todos los textos. Otro excelente disco de Branduardi, de principio a fin.

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Tracklist:

01. Piccola canzone dei contrari (inédito)
02. La luna
03. Guten abend und willkommen (saludo en alemán)
04. Il dono del cervo
05. Cogli la prima mela
06. Alla fiera dell’est
07. Il signore di Baux
08. Vanità di vanità
09. Il violinista di Dooney
10. Ballo in fa diesis minore
11. Domenica e lunedì
12. Fou de love
13. Le dodici lune
14. I Santi
15. La pulce d’acqua
16. Si può fare
17. L’apprendista stregone (inédito)

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Angelo Branduardi – Concerto (1980 Live)

domingo, julio 10th, 2011

“Concerto” es el primer live de Angelo Branduardi, con temas en italiano y en inglés grabados en vivo en varios conciertos entre 1978 y 1979 en el tour “La Carovana del Mediterraneo”. En este tour participaron además algunos artistas con los cuales Branduardi había colaborado, como el Banco del Mutuo Soccorso (Branduardi tocó el violín en el álbum “Come in un’ultima cena” y escribió los textos ingleses de “As in a Last Supper”).
Después de dos presentaciones in Italia el tour siguió en Gran Bretaña, Francia, Alemania, Suiza y Bélgica. El álbum “Concerto”, publicado en 1980, se componía de tres Lp y ha sido re editado en 1992 en un doble Cd. Muy bueno.

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Tracklist:

Cd1

01. L’uomo e la nuvola (Breme – Stadthalle 10/26/79)
02. Tanti anni fa (Frankfurt – Jahrhunderthalle 10/30/79)
03. The stag (Berlin – Hochschule Der Kunste 10/07/79)
04. Under the lime tree (London – The Venue 02/03/79)
05. Alla fiera dell’est (Arena Di Verona 09/15/78)
06. Se tu sei cielo (Roma – Palaeur 11/18/79)
07. Confessioni di un malandrino (Arena Di Verona 09/15/78)
08. Il gufo e il pavone (Roma – Palaeur 11/18/79)
09. La Pulce D’acqua (Hannover – Niedersachsesenhalle 10/09/79)
10. Lady (Hamburg – Musikhalle 10/05/79)
11. Gli alberi sono alti (Arena Di Verona 09/15/78)
12. Old Man And Butterflies (Zurich – Kongresshaus 09/30/79)

CD2

01. Il signore di Baux (Milano – Palasport 11/11/79)
02. Il ciliegio (Arena Di Verona 09/15/78)
03. Donna mia (Arena Di Verona 09/15/78)
04. Re di speranza (Arena Di Verona 09/15/78)
05. Cogli la prima mela (Torino – Palasport 12/04/79)
06. La luna (Munchen – Circus Krone 10/04/79)
07. The song of eternal numbers (London – The Venue 02/03/79)
08. Ballo in fa diesis minore (Bologna – Palasport 12/03/79)
09. The lady and the falconer (Bruxelles – Palais Des Beaux Arts 10/20/79)
10. Il poeta di corte (Arena Di Verona 09/15/78)

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Locanda Delle Fate – Forse Le Lucciole Non Si Amano Più (1977)

viernes, mayo 6th, 2011

“Locanda Delle Fate”, o la Hostería de las hadas, es el nombre de uno de los más notables grupos de rock progresivo italiano de la década de 1970. Formado por Oscar Mazzoglio (teclados), Luciano Boero (bajo), Giorgio Gardino (batería), Alberto Gaviglio (guitarra), Ezio Vevey (voz, guitarra) y Michele Conta (piano), fue una de las agrupaciones más deslumbrantes de la escena progresiva europea de la segunda mitad de los 70s. Increíblemente, como muchos otros grupos de esa época, debe su fama a su único disco, “Forse le lucciole non si amano più”, grabado en 1977. La base sonora del grupo estaba fundamentada en el uso extensivo del piano acústico, flautas y guitarras, que recuerda un poco a Premiata Forneria Marconi, pero también a Banco del Mutuo Soccorso, con quienes ha menudo se les compara. Exquisitamente interpretado, con pasajes contrapuntísticos de elevado virtuosismo y una asombrosa cercanía hacia el jazz, Forse le lucciole… es un disco absolutamente fascinante, que a más de 30 años de su lanzamiento no ha perdido un ápice de frescura y poder expresivo.

La historia de este legendario grupo, originario de Asti, en la región de Piamonte, inicia cuando Oscar Mazzoglio (teclados), Luciano Boero (bajo) y Giorgio Gardino (batería), tocaban como trío en bares de su Italia a principios de los ’70. En 1974 se unieron a ellos Alberto Gaviglio (guitarra), Ezio Vevey (voz, guitarra) y Michele Conta (piano), haciendo nacer uno de los conceptos más importantes de todos los tiempos: LOCANDA DELLE FATE.
Con la grabación de su primer disco “Forse le Lucciole non si Amano Più”, un disco exquisito que se comparó incluso con “Nursery Crime” de Genesis, el grupo ganó una merecida reputación en Europa y en Estados Unidos principalmente. Fue tan espectacular el lanzamiento, que durante cuatro años lo usaron como estandarte en un montón de conciertos que realizaron por todo Europa. Pero como a muchos otros grupos contemporáneos a ellos, el sonido de las monedas en sus bolsillos terminó por separarlos. Contagiados por el movimiento de la “redinosaurización”, se reúnen en 1996 con la idea de poner un disco nuevo en el mercado: “Homo Hominis Lupus”. A “Locanda delle fate” le sobreviven para el nuevo disco Vevey, Boero, Gardino, Mazzoglio y Gaviglio.

En el Cd viene una bonus track, “New York”, lado A de un sencillo de 1978. Le hemos añadiso también el lado B, “Nove Lune”, inédito hasta ahora.

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Tracklist:

01. A Volte Un Instante Di Quiete
02. Forse Se Lucciole Non Si Amano Piu
03. Profumo Di Colla Bianca
04. Cercando Un Nuovo Confine
05. Sogno Di Estunno
06. Non Chiudere a Chiave Le Stelle
07. Vendesi Saggezza

Bonus track:
08. New York
09. Nove Lune

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Angelo Branduardi – Gulliver, La Luna E Altri Disegni (1980)/Confession D’un Malandrin (1981)

sábado, abril 16th, 2011

El primer gran éxito comercial de Branduardi llega con “La Luna” (1975), uno de los mejores discos de la historia del rock en Italia. El álbum fue re editado en 1980 con el título modificado en “Gulliver, la luna e altri disegni”, con un tema nuevo “Gulliver” y nuevos mixages. Del disco original existe solo la versión en LP. la producción y arreglos del gran Maurizio Fabrizio, Angelo regala un LP bello y preciosista, con textos entre esotéricos, filosóficos y poéticos y un sonido de marcado tono experimental-medieval, donde el músico se encarga del violín, guitarra acústica, flauta y percusiones, y Fabrizio de la guitarra eléctrica, mandolina y percusiones. Bruno de Filippi aporta buzuki, sitar, banjo, chitarrino y harmónica y Luisa Zappa firma varios de los textos. “La Luna”, la balada acústico-progresiva que da título al disco, es su primer gran éxito y su primer tema que ha pasado a la historia como un estándar de la música italiana, lo mismo que “Confesionni di un malandrino”, su primera canción compuesta en 1968.

En este disco, Angelo establece gran parte del universo que explotará en álbumes posteriores: filosofía oriental, simbolismo existencial, simbología druídica, espiritualismo, fábulas, filosofía antigua, referencias a civilizaciones perdidas o a pueblos indígenas… un espectro temático que en los ochenta devendrá en algo mas estandarizado, urbano, costumbrista y social pero sin perder ni un ápice del sentido poético y simbólico ni de las referencia filosóficas y literarias que han estado presentes en toda su obra.
En 1981 sale la versión en francés con el título “Confession D’un Malandrin”.

Dos discos imperdibles!

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Tracklist:

Gulliver, La Luna E Altri Disegni

01. La luna
02. Confessioni di un malandrino
03. Tanti anni fa
04. Gli alberi sono alti
05. Notturno
06. Gulliver
07. Rifuisce il fiume
08. Donna mia
09. Primavera
10. La danza

Confession D’un Malandrin

01. Confession d’un malandrin
02. La lune
03. Si longtemps déjà
04. Les arbres ont grandit
05. Les eaux qui dorment
06. Donna mia
07. Ce qui de la terre s’en va
08. Sans aucun doute
09. Le Printemps
10. La danse

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The Alan Parsons Project – Tales of Mystery and Imagination (1976)

lunes, marzo 21st, 2011

The Alan Parsons Project es un grupo británico de pop rock (aunque también hay quien lo clasifica como rock progresivo) formado en 1975. Estaba liderado por Alan Parsons, Eric Woolfson y en él participaron varias alineaciones de músicos, así como el arreglista y director de orquesta Andrew Powell.
Cada uno aportaba su granito de arena al grupo: Alan Parsons como productor, ingeniero y compositor; Eric Woolfson como productor ejecutivo, compositor y vocalista; y Andrew Powell como orquestador y arreglista. Además se rodearon de una serie de músicos y vocalistas para cada uno de sus proyectos entre los que se encontraban como músicos Ian Bairnson, David Paton o Stuart Elliot y como vocalistas el propio Eric Woolfson, Lenny Zakatek, John Miles, Chris Rainbow o Colin Blunstone entre muchos otros.
Lanzaron varios discos con un gran cuidado en la producción y creatividad como: Tales Of Mystery And Imagination, I Robot, The Turn Of A Friendly Card o Eye In The Sky; y donde se destacan temas como: “Don’t Let It Show”, “The Turn of a Friendly Card”, “Silence & I” u “Old And Wise”.
A finales de los 80, Eric Woolfson abandonó el grupo para dedicarse a componer para musicales de teatro, sin embargo volvieron a reunirse momentáneamente con el breve proyecto Freudiana. Alan Parsons ha seguido creando nuevos temas pero firmando con su nombre (sin el Project), debido a problemas con la parte de los derechos que mantenía Woolfson sobre el nombre del grupo. Actualmente en sus giras vuelve a rescatar el nombre original, con permiso de Eric, denominándose Alan Parsons Live Project.
En los años 2004-2005, Alan Parsons Live Project hizo una gira mundial para dar a conocer sus últimos proyectos y recordar los éxitos de siempre, consiguiendo el “lleno” allá donde iba.

Este álbum conceptual gira alrededor de los cuentos de Edgar Alan POE, y fue el primero y uno de los mejores del Proyecto Alan Parsons.
Es curioso que el Proyecto en realidad nunca fue un grupo, mas bien se trató de un experimento intelectual: “el álbum del productor”, un concepto más común en cine que en el estudio de grabaciones. Alan Parsons no es un músico, sino un productor con demasiadas ideas musicales. Su asociación con Eric Woolfson fue de lo más afortunada: entre los dos desarrollaban el concepto de cada álbum, Alan hacía música, Eric escribía las letras, y entre los dos seleccionaban a los músicos más adecuados para el sonido que deseaban lograr en cada álbum.
Para su primer trabajo como “Proyecto” escogieron un tema bien apropiado: la interpretación musical de algunos de los cuentos más célebres de uno de los mejores escritores de cuentos de fantasía y terror, bien ejecutados y rodeados de una atmósfera sonora que tiene sin duda el mismo toque de quien grabó “The Dark Side of the Moon”. Algo que el mismo Parsons presume es el hecho de que este álbum se grabó sin usar mucha de la parafernalia electrónica que luego se haría común en sus trabajos. De hecho, el único sintetizador que usaron en la versión original fue para simular el efecto del viento en ‘Arrival’. En cambio, hay muchísimas orquestaciones, suficientes guitarras eléctricas donde se necesitan, y teclados a lo largo y a lo ancho de toda la obra. Los vocalistas hicieron muy buen trabajo: Woolfson, John Miles y Terry Sylvester.
Desde el punto de vista de las melodías, “Tales..” no es el mejor álbum de rock progresivo: las melodías no son memorables (a pesar que Parsons demostraría facilidad para escribir buenas melodías en el futuro), pero son efectivas.
Pero el álbum tiene un encanto que es difícil de describir. La música es variada y va desde lo muy tranquilo hasta momentos rockeros de mucha energía. Nunca se hace aburrido, y el sonido es increíble. Al final de los años dorados del progresivo, este álbum fue como una bocanada de aire fresco, y en cierto modo señaló la ruta hacia el sonido más “electrónico”, sin perder el buen gusto y el cuidado en los detalles.
Existen dos versiones de este álbum, el LP original de 1976 y la versión remasterizada de 1987, ligeramente diferente (incluye textos leídos por Orson Welles y algunos sintetizadores y guitarras adicionales). La primera versión nunca se editó (ni se editará) en Cd. La segunda es, de acuerdo con el mismo Alan Parsons, la versión original, tal y como él y Woolfson la concibieron, (sucedió que las grabaciones de Welles no llegaron a tiempo para incluírlas en la mezcla final). Cuando el Cd ganó suficiente popularidad y la industria vió la oportunidad de re-editar los viejos LPs en el nuevo formato, Parsons aprovechó para darle al álbum su “manita de gato” y actualizar su sonido… “entiendo a quienes prefieren la versión de 1976, pero, ya que Poe se sentía fascinado con la idea de la resurrección, creo que habría aprobado (la nueva versión). Estoy convencido que Tales ahora es mejor, y con suerte tendrá una nueva oportunidad de vida”…
Los temas instrumentales son ‘A dream within a dream’ y ‘The fall of the house of Usher’ desde ‘Prelude’ hasta ‘Fall’; Leonard Whiting y Alan Parsons cantan en ‘The raven’, Arthur Brown canta en ‘Tell-tale heart’, John Miles en ‘Cask of amontillado’ y ‘(System of) Doctor Tarr and Professor Fether’ y Terry Sylvester en ‘To one in paradise’. Narración: Orson Welles y Leonard Whiting. Bajo eléctrico: David Paton y Joe Puerta. Bajo acústico: Darryl Runswick. Baterías: Stuart Tosh y Burleigh Drummond. Guitarras eléctricas: Ian Bairnson, David Paton, David Pack, Alan Parson y John Miles. Guitarras acústicas: Laurence Juber y Kevin Peek. Teclados: Billy Lyall, Christopher North, Eric Woolfson, Andrew Powell, Francis Monkman y Alan Parson. Cimbalom y Kantele (instrumentos musicales de Hungría y Finlandia respectivamente, cuyo principio son cuerdas en una caja de resonancia): John Leach. Mandolina: Hugo D’Alton. Coros: Jack Harris, Eric Woolfson, Jane Powell, Smokey Parsons, David Paton, Terry Sylvester, Stuart Tosh. Conductor de coro: Bob Howes. Grupos corales: The English Chorale, Westminster City School Boys Choir. Producción e ingeniería: Alan Parsons. Productor ejecutivo: Eric Woolfson. Arreglos y conducción: Andrew Powell. Asistentes de ingeniería: Patrick Stapley, Chris Blair, Tom Trefethen, Tony Richards.

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Tracklist:

01. A Dream Within a Dream
02. The Raven
03. The Tell tale Heart
04. The Cask of Amontillado
05. (The System of) Doctor Tarr and Professor Fether
06. The Fall of the House of Usher – Prelude
07. The Fall of the House of Usher – Arrival
08. The Fall of the House of Usher – Intermezzo
09. The Fall of the House of Usher – Pavane
10. The Fall of the House of Usher – Fall
11. To One in Paradise

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Alan Sorrenti – Aria (1972)

viernes, febrero 4th, 2011

Alan Sorrenti (Nápoles, 9 de diciembre de 1950) comenzó su carrera a principio de los años 70, con trabajos cercanos al rock progresivo y experimental, en los que se puede encontrar la influencia de Tim Buckley, y quizás también de Peter Hammill. Sus dos primeros álbumes, “Aria” (1972) y “Come un vecchio incensiere all’alba di un villaggio deserto” (1973), tienen la misma estructura: el tema título ocupa por entero el lado A, y los temas restantes tienen, generalmente, textos menos herméticos.

“Aria”, el primer álbum de Alan Sorrenti, salió a la venta en 1972. Dueño de una voz única, inconfundible, y autor de un estilo musical hechizante, Alan se las arregló para ser original e innovador en un año abundante en propuestas originales e innovadoras. Desafortunadamente, por esa misma razón no trascendió tanto como merecía, y al mismo tiempo, quizá perjudicó su carrera por la sombra tan larga que ese primer álbum proyectaría. Su segundo álbum “Come Un Vecchio Incensiere All’alba Di Un Villaggio Deserto” (1973) no despertó el mismo entusiasmo del primero, a pesar de ser también un disco maravilloso, con el único defecto de ser “el que vino después de una obra maestra”.

Es muy difícil describir la música de Sorrenti: rock progresivo y jazz experimental con influencias del folklore mediterráneo mezclado con sofisticada música sinfónica podría ser una aproximación pálida a lo que en realidad suena en la música de este músico con proporciones de genio. Alguien describió a Alan como la mezcla de “la energía de un joven Robert Plant con la locura de Demetrios Stratos” (el cantante de Area).

El lado A del Lp traía una sola pista larga, justamente la del título, que empieza con guitarra acústica y termina con un solo de violín de Jean Luc Ponty. En el lado B, más suave, están las tres pistas restantes.

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Tracklist:

01. Aria
02. Vorrei incontrarti
03. La mia mente
04. Un fiume tranquillo

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It’s a Beautiful Day – It’s a Beautiful Day (1968)

viernes, enero 7th, 2011

It’s a Beautiful Day fué una excelente banda que surgió en el San Francisco de finales de la turbulenta década de los sesenta, junto con otros grandes clásicos del sonido psicodélico de la costa oeste californiana, cómo “Grateful Dead”, Jefferson Airplane”, “Quicksilver M. S.” o los “Big Brother & The Holding Co” de Janis Joplin.
Liderados por el compositor, cantante y violinista, David Laflamme, el grupo lo formaban Patti Santos (voz), Linda Laflamme (Teclados), Val Fuentes (Batería), Hal Wagenet (Guitarra), y Mitchell Holman (Bajo).
Pronto fueron muy apreciadas sus actuaciones en directo en las grandes salas de conciertos, cómo el mítico “Fillmore”, de visita obligada para las grandes estrellas del momento.
Consiguieron un personal sonido con ciertas reminiscencias folk, apoyándose en las potentes conjunciones vocales entre David y Patti, y sus extraordinarias composiciones.

David LaFlamme líder de este fabuloso grupo de música folk, psicodelica y de rock progresivo, da rienda suelta a su creatividad. “It’s a Beautiful Day” es el disco debut de esta agrupación de San Francisco,California.
Los instrumentos de cuerdas combinados con las voces de David LaFlamme y Pattie Santos son verdaderamente hipnotizantes, el toque final se lo da Linda LaFlamme -esposa de David- interpretando de manera magistral los teclados.

“White Bird” (un extraordinario tema que se convirtió en la mejor y más conocida pieza de su carrera), “Hot summer day”, “Girl with no eyes” y “Bulgaria” (primer single de la banda), hermosas tonadas caracterizadas por la pulcra combinación de voces de David LaFlamme y Pattie Santos y la atmósfera creada por Linda LaFlame, son los momentos más logrados del disco.
Un soberbio trabajo, y uno de los mejores discos de rock de la historia que nos dejó maravillas como “White Bird”.

Un disco imprescindible.

Músicos:

David LaFlamme: violin, vocals
Linda LaFlamme: organ, piano, electric piano, celeste, harpsichord
Hal Wagenet: guitar
Mitchell Holman: bass
Val Fuentes: drums
Patti Santos: vocals, tamborine, bells, block, gourd
Bruce Steinberg: harmonica

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Tracklist:

1. White Bird
2. Hot Summer Day
3. Wasted Union Blues
4. Girl With No Eyes
5. Bombay Calling
6. Bulgaria
7. Time Is

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Nada & Reale Accademia di Musica – 1930: Il Domatore Delle Scimmie (1975)

martes, diciembre 7th, 2010

Después de “Ho scoperto che esisto anch’io”, escrito por Piero Ciampi, Nada realiza un álbum con la Reale Accademia di Musica, grupo de rock progresivo (que hemos presentado AQUÍ) autor de casi todas las canciones del disco, y que acompaña a Nada en todos los temas, ocupándose también de los arreglos musicales.
Infortunadamente no tiene grande éxito de mercado y queda pronto fuera de catálogo, convirtiéndose en una rareza.
Nada y Reale Accademia di Musica comparten algunas presentaciones, después de lo cual el grupo se desintegra.

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Tracklist:

01. Il domatore delle scimmie (Henryk Topel)
02. Sexy rosa (Nada, Henryk Topel)
03. Perché non doni il tuo amore (Enzo De Luca)
04. Alte sfere (Henryk Topel)
05. E’ bello cantare (Enzo De Luca)
06. Idea comune (Henryk Topel)
07. Nuda (Henryk Topel)
08. Lady Onion (Enzo De Luca, Henryk Topel)
09. Cinema (Enzo De Luca, Henryk Topel)
10. Nada (Henryk Topel)
11. Il mostro (Enzo De Luca)
12. Parabola (Henryk Topel)

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Reale Accademia Di Musica – Reale Accademia Di Musica (1972)

miércoles, noviembre 3rd, 2010

Un disco imperdible para los amantes del Prog italiano.

Nicola Agrimi fue el primer guitarrista de Banco Del Mutuo Soccorso. En 1972, después de salir de Banco, Nicola reúne en Roma a cuatro músicos más, exintegrantes de una popular banda llamada “I Fholks”: Federico Troiani (teclados, vocales), Pierfranco Pavone (bajo), Roberto Senzasono (batería) y Henryk Cabanes (voz solista) y da vida a “Reale Accademia Di Musica”, un grupo que ha pasado injustamente desapercibido, pues su propuesta musical fue muy interesante, con un sonido sinfónico con ese toque mediterráneo de las mejores bandas de prog italiano, sólidamente apoyado en el trabajo del teclista Troiani y la voz de Topel.

El álbum “Reale Accademia Di Musica” es una de las mejores obras de progresivo italiano. En seis cortes, en 40 minutos 25 segundos, en un proyecto único, “Reale Accademia Di Musica” (RAdM) plasmó en éste, el primero de dos discos, toda la esencia de un progresivo romántico, cambiante, emotivo, típicamente italiano…

El álbum estuvo interpretado por Federico Troiani (pianos eléctrico y acústico, órgano, melotrón, voz), Nicola Agrimi (guitarras eléctrica y acústica), Pierfranco Pavone (bajo), Roberto Senzasono (batería, percusiones), Henryk Topel (voz principal) y hubo tres invitados a participar: Pericle Sponzilli (guitarra), Maurizio Vandelli (guitarra acústica en Il Mattino y melotrón en Lavoro in Citta’) y Natale Massara (dirección de orquesta en los dos primeros cortes, Favola e Il Mattino). Desafortunadamente del grupo se sabe muy poco y es una pena porque es uno de los mejores exponentes del progresivo en Italia.

“Reale Accademia Di Musica” es un disco muy bien equilibrado en todos sus componentes. Inicia con “Favola”, un corte pequeño que da un preámbulo de tipo acústico, quedo, que se desvanece y da paso a “Il Mattino”, que inicia retomando el ligero canto de Topel al inicio y que crece poco a poco en complejidad, marcada por un piano acústico y elementos orquestales bien definidos que de pronto te envuelven en un cabaret típico del viejo oeste y se desvanece hacia un final de nuevo quedo, lerdo, apacible. “Ognuno Sa” está marcado también por un piano acústico, solo que esta vez el cambio de ambiente está definido por una guitarra acústica y un tratamiento vocal que te transporta a la década de los ’60 cuando los Beatles eran quienes reinaban en la radio.

Luego viene “Padre”, un corte que define por sí solo la esencia del grupo; un sonido clásico que crece con teclados y una guitarra áspera que permite entrada a la batería que marca e incorpora un ritmo avasallador, interrumpido por momentos calmos que interpretan de nuevo la voz. “Lavoro in Città” está marcada por un juego vocal distinto, profundo, soportado por un bajo persistente y una batería bien marcada; hay rupturas interesantes que te devuelven al sentir romántico del álbum y elementos sinfónicos muy bien logrados. Pero el final tiene que llegar y lo hace sonando a “Vertigine”, el corte menos estable del concepto; una canción que se violenta y grita, que se desvanece y llora, que sonríe y alegra…

El álbum ha sido re editado en Cd en 1972 por King Record, Japón.

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Tracklist:

01. Favola
02. Mattino
03. Ognuno Sa
04. Padre
05. Lavoro In Città
06. Vertigine

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