Friday, May 17, 2024 11:38

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Jaime Torres – Electroplano (2007)

jueves, noviembre 11th, 2010

Jaime Torres nació el 21 de septiembre de 1938, en la ciudad de San Miguel de Tucumán, al norte de la Argentina, y es el mas importante intérprete mundial del instrumento musical llamado charango.

Torres (un artista con una trayectoria apabullante) ha tocado en toda clase de escenarios con idéntico fervor y dignidad, desde los modestos escenarios del Tantanakuy, en Jujuy, Argentina, hasta el prestigioso Teatro Colón de Buenos Aires, pasando por la Filarmónica de Berlín, la Sala Octubre de Leningrado y el Lincoln Center

Electroplano es un trabajo que combina los sonidos de la musica nativa Argentina con la electronica y el chill out, aportados por el músico Alejandro Seoane, en una experiencia excepcional. Todos los temas le pertenecen a Torres y Seoane, a excepción de “El Humahuaqueño” (un tradicional “carnavalito” de Edmundo Zaldívar), y “El Condor Pasa” (del compositor peruano Daniel Alomía Robles).


Músicos:

Jaime Torres: charango
Alejandro Seoane: programaciones y bajo eléctrico
Ekaterina Larchenko: violín y arreglo de cuerdas
Magik Malik: flauta traversa
Laura Peralta: voz

Tracklist:

01. El humahuaqueño
02. Palomitay
03. Zelma
04. El condor pasa
05. Lobos
06. Ecuador
07. El angosto del perchel
08. Ciudad blanca
09. Electroplano
10. La vida
11. Malambo
12. Subzonda

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Toquinho e Orquestra Jazz Sinfônica – Ao Vivo (2008)

miércoles, noviembre 10th, 2010

Este disco  nació de la idea de mostrar al público de Brasil un repertorio con algunas de las mejores composiciones de la música de ese país en la voz de Toquinho, acompañado por la Orquestra Jazz Sinfónica do Estado de Sâo Paulo. Fue grabado en vivo en 2002 en la Sala Sâo Paulo, pero recién tuvo su edición en CD en 2008.

Es la perfecta simbiosis entre la suave voz de Toquinho y la calidad artística de los 85 componentes de la Orquesta, dirigidos por Cyro Pereyra y Joâo Maurício Galindo. Una conjunción de lo erudito y lo popular en una interesante combinación de sonidos y armonía.

Músicos:

Toquinho:
Guitarra, voz
Adan Loan Mihai Totan : Violín
Adriano Melo : Violín
Akira Terasaki : Viola de Arco
Alejandro De Leon Laurnaga : Viola de Arco
Alex Graco : Violín
Alexandre de Leon : Viola de Arco
Ana Isabel F. Rebello : Viola de Arco
Andréa Bueno Salinas : Violín
Arlindo Bonadio : Trombón
Ary da Silveira Júnior : Trompa
Betina Stegmann : Violín
Camila Bonfim : Contrabajo
Carlos Alberto de Alcântara : Saxo
Carlos Eduardo Pinto Mascareño : Violín
Cássia Carrascosa Bonfim : Flauta
Daniel Allain : Flauta
Dorin Serban Tudoras : Violín
Dorival Alves Galante Júnior : Trompeta
Ebenezer Florêncio : Violín
Eduardo Gomes : Trompa
Fabian Figueiredo : Violín
Fábio Prado Medeiros : Trompa
Fabrício Rodrigues : Violoncelo
Flávio Geraldini : Violín
Flávio Meyer : Violín
Gabriel Gorun : Violín
Gê Côrtes : Contrabajo
Gerson Galante : Saxo
Giuliano Rosas : Clarinete
Gláucia Vidal : Percusión Sinfônica
Graziela Rodrigues : Violín
Gustavo Lima : Clarinete
Hélio Ramiro : Trompeta
Iran Fortuna : Trombón
Ivan Daniel Decloedt : Contrabajo
Janaína Salles : Violoncelo
Joel de Souza : Violoncelo
John Walter Spindler : Violín
Júlio Cerezo Ortiz : Violoncelo
Liu Man Ying : Violín
Lúcia Ramos : Violín
Marcelo Ghelfi : Piano
Marcelo Soares : Violín
Marco Antônio Delfino : Tuba
Marcos Arakaki : Violino
Marcos Mincov : Oboe
Marcos Soares Cunha : Violín
Maria Vishnia Bouvet : Violín
Mário Andreotti : Contrabajo
Marisa Silveira : Violoncelo
Marta Maria Vidigal : Clarinete
Marta Ozzetti : Flauta
Maurício de Souza : Saxo
Nadilson Martins Gama : Violín
Nahor Gomes Oliveira : Trompeta
Newton José Galves : Viola de Arco
Patrícia Mendonça Ribeiro : Violoncelo
Paula Veneziano Valente : Saxo
Renata Botti : Fagot
Renato Kutner : Viola de Arco
Ricardo Bem-Haja da Fonseca : Violín
Roberto Alves Araújo : Oboe
Rogério Bocatto : Percusión Sinfônica
Ronaldo Araújo Pacheco : Fagot
Rudá Alves da Silva : Violín
Sérgio Henrique de Freitas : Violoncelo
Settimo Paioletti : Trompeta
Sidney Borgani : Trombón
Tereza Catto : Violoncelo
Toniquinho (Antônio de Almeida) : Bateria
Ubaldo Versolato : Saxo
Uwe Kleber : Violín
Vinicius Barros : Percusión
Wagner Rebouças da Silva : Trompa
Walter Souza Cruz : Trombón

Tracklist:

01. Jobiniana
(Cyro Pereira )

02.As rosas de Noel
(Cyro Pereyra)

03. Aria de Bachianas Nro.5
(Héitor Villa Lobos)

04. Trenzinho do Caipira
(Héitor Villa Lobos)

05.Tarde em Itapoá
(Toquinho – Vinicius de Moraes)

06. Samba de Orly
(Toquinho – Chico Buarque – Vinicius de Moraes)

07. Eu sei que vou te amar / Onde anda você
(Tom Jobim – Vinicius de Moraes / Hermano Silva – Vinicius de Moraes)

08. O caderno
(Toquinho – Mutinho)

09. Regra três
(Toquinho – Vinicius de Moraes)

10. Aquarela
(Toquinho –  Vinicius de Moraes)

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Xavier Cugat – Cugi’s Cocktails (1963)

miércoles, octubre 27th, 2010

Francisco de Asis Javier Cugat Mingall de Bru y Denlofeo, nació en Girona, Cataluña, España, el 01 de Enero de 1900, pero debido a las actividades políticas de su padre, en 1904 la familia emigró a Cuba. De ahí la razón por la que el catalán hablara con acento cubano.

Cuando era apenas un niño, Cugat pasaba mucho tiempo en el taller de un español que fabricaba instrumentos de cuerda y eso le ayudó en su afición por la música. A la edad de 6 años recibía de su padre su primer instrumento, un violín y le enseñó a tocar la melodía catalana “La Mare de Deu” que le acompañó toda su vida tocándola siempre al abrir sus actuaciones. A los 12 años tocaba en la Orquesta Sinfónica del Teatro Nacional de La Habana. En la capital cubana conoció al tenor Enrico Caruso, quien le pronosticó que tendría un gran éxito en Estados Unidos.  Al terminar la Primera Guerra Mundial, en 1918, Cugat decide visitar a Caruso y se dirige a Nueva York, pero cuando llega, el tenor se encontraba en Italia. Cugat no conocía a nadie más en esa ciudad, no hablaba el idoma inglés, ni tenía dinero para sobrevivir cómodamente, por lo que se vio obligado a mendigar y dormir en las plazas públicas.

Por pura casualidad, conoció a un compatriota suyo, el catalán Agustí Borgunyó, pianista de 24 años y ambos formaron un dúo de piano y violín. A partir de ese momento su suerte cambió. Luego de muchas presentaciones, Cugat logró reunir suficiente dinero para viajar a Los Ángeles.

Entre 1915 y 1918 interpretó tangos en Nueva York junto a una banda conocida como Los Gígolos. Posteriormente también se dedicó a dibujar tiras cómicas para el periódico Los Angeles Times.  Participó en la banda sonora de las primeras películas con sonido y apareció en diversas películas de Hollywood, siempre en el papel de director de música rítmica, al tiempo que participaba junto a su orquesta en la actuación.

Su música seguía las modas del momento, y grabó canciones de todo tipo de géneros: conga, mambo y samba, entre otros. Su ejemplo fue muy pronto seguido por otras orquestas, como la de Pérez Prado. Su orquesta fue una cantera de donde surgieron destacados intérpretes de la canción tropical como Tito Rodríguez y Vitín Avilés.

Falleció en Barcelona, España, el 27 de octubre de 1990, hace hoy veinte años.

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Este es el primer álbum de Cugat que fue registrado en estéreo de alta fidelidad (Ciudad de Nueva York, 11 de agosto de 1963), y la mezcla es tan buena que parece haber sido grabado con equipamiento de la actualidad. Cada track está en un glorioso sonido estéreo con una gran separación de canales y la orquesta suena fabulosa.

Es sin duda uno de los mejores discos que Cugat hizo en  la década de 1960 y probablemente uno de los que tiene mas sonido de jazz.

Tracklist:

01. Cuba Libre
02. One Mint Julep
03. Old-Fashioned
04. Daiquiri
05. Cocktails for Two
06. Rum and Coca Cola
07. Cugi’s Cocktail
08. Grasshopper
09. Blue Champagne
10. Zombie
11. Manhattan
12. Singapore Sling

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Dizzy Gillespie – It’s My Way (1969)

jueves, octubre 21st, 2010

El trompetista y compositor de jazz John Birks “Dizzy” Gillespie nació en Carolina del Sur, Estados Unidos, el 21 de octubre de 1917, y fue una de las figuras más relevantes en el desarrollo del bebop, jazz latino y del jazz moderno. Fue, además, fue unos de los principales responsables creadores del llamado jazz afro-cubano junto a Machito y Chano Pozo entre otros, por lo que sobrepasó las fronteras estadounidenses y se internó en la música mundial rápidamente.

Este disco de Dizzy Gillespie fue editado en 1969 con arreglos de Jimmy Mundy. Como de costumre, Dizzy brilla en cada track. Pero nos trae una lectura distinta de estilos y modos de elevar a la trompeta a niveles de talento insospechados, rodeado de una banda de excelencia. Asi, el viaje nos lleva desde un medley de “Aquarius/Let the sun shin in” hasta el bolero “Bésame mucho”. Sensacional.

Músicos:

Dizzy Gillespie: trompeta
Jerome Richardson: saxo barítono
Joe De Angelis, Don Corrado, Paul Ingraham: corno francés
Billy Butler: guitarra eléctrica
Paul Griffin: piano
Bob Bushnell: bajo
Joe Marshall: batería
Paul Fein: tympani

Tracklist:

01. Galveston
02. This Girl’s In Love With You
03. Games People Play
04. Magic Tree
05. Whatever Possess’d Me
06. Aquarius / Let The Sunshine In (Medley)
07. Besame Mucho
08. I’m Gonna Sit Right Down And Write Myself A Letter
09. Exotica
10. Birk’s Works

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Paolo Conte – Nelson (2010)

martes, octubre 19th, 2010

Ese es el flamante nuevo disco de Paolo Conte, tan ecléctico y exploratorio como su espíritu musical. Mezclando la poesía con diversos ritmos, paisajes e  idiomas. Paolo canta y dice en italiano, inglés, español, francés y dialecto napolitano.  Los climas van desde la melancolía de “Tra le tue braccia” (con su conmovedor piano en una hermosa melodía) o “Messaggiatrice”, hasta los mas festivos como “Sotto la luna bruna”, sin olvidar sus guiños con el jazz (“Jeeves”, “L’orchestrina”).

Conte viste su poesía básicamente con su piano, y se acompaña tanto con instrumentos tradicionales como electrónicos, logrando una mezcla subyugante.

Un disco altamente recomendable del gran trovador italiano.

Nota: en enlace separado, el artwork completo!

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Paolo Conte – Paolo Conte (1996)

lunes, octubre 18th, 2010

Ya hemos hablado de Paolo Conte AQUÍ, así que este post, una especie de “grandes exitos” editado en 1996, sirve para adentrarse en la obra de este artista para aquellos que no lo conocen y para los que quieren tener en un solo disco sus mejores canciones.

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Al Di Meola / John McLaughlin / Paco de Lucía – Friday Night in San Francisco (1981)

jueves, octubre 14th, 2010

Friday Night In San Francisco es un álbum que seguramente la mayoría de ustedes conocen. Fue grabado por el genial trío de guitarras formado por Al Di Meola, John McLaughlin y Paco de Lucía, en San Francisco el viernes 5 de diciembre de 1980 en el Warfield Theatre, excepto “Angel de la guardia”, registrado en los estudios Minot Sound de Nueva York.

Es, a mi gusto, un disco fabuloso que merecía estar en P&C, y que sigue siendo una obra maestra a pesar de los treinta años transcurridos. Al Di Meola toca guitarra electro acústica, lo mismo que McLaughlin, y Paco De Lucía introduce su guitarra flamenca, interpretando temas propios, e incluso “Short tales…”, de Chick Corea y “Frevo rasgado” del brasileño Egberto Gismonti.

Tracklist:

01. Mediterranean Sundance
Paco de Lucia (canal izquierdo) y Al Di Meola (canal derecho)

02. Short Tales of the Black Forest
John McLaughlin (canal izquierdo) y Al Di Meola (canal derecho)

03. Frevo Rasgado
John McLaughin (canal izquierdo) y Paco de Lucia (canal derecho)

04. Fantasía Suite
Paco de Lucia (canal izquierdo), John McLaughlin (canal centro) y Al Di Meola (canal derecho)

05. Guardian Angel
Paco de Lucia (canal izquierdo), John McLaughlin (canal centro) y Al Di Meola (canal derecho)

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George Benson – Give Me The Night (1980)

domingo, septiembre 26th, 2010


George Benson nació en Pittsburgh, el 22 de marzo de 1943.  Es uno de los guitarristas y vocalistas de jazz más populares de las últimas décadas, con gran dominio de la velocidad de ejecución y del swing.  Benson comenzó su carrera artística como cantante, actuando en nightclubs a los ocho años y grabando cuatro sencillos para RCA en 1954. El hecho de escuchar a Christian Montgomery y Charlie Parker lo interesaron en el jazz y, hacia 1962, empezó a tocar en la banda de Brother Jack McDuff.  Recién a los 21 años realizó su primer álbum como solista y poco a poco, sus discos lo conviertieron en una estrella del mundo del jazz, pero recién comenzó a tener resonancia popular a partir de su firma con Warner en 1976.  Su primer disco para esta compañía (Breezin’), se convirtió en el disco de jazz mas vendido de todos los tiempos.

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Este álbum marca el tope de popularidad de George Benson. Un disco soberbio por las canciones y por la interpretación, producido por Quincy Jones y su equipo: el ingeniero Bruce Swedien y el compositor Rod Temperton.

Hay puntos realmente altos, como “Moody’s mood” que por sí sola alcanza para poner a Benson entre los mejores vocalistas de jazz. “Dinorah, Dinorah”, del brasileño Ivan Lins. Y por supuesto, el tema que da título al álbum: un clásico de clásicos.

La guitarra de Benson pasa a un segundo plano (sólo dos temas son instrumentales), pero la producción es tan buena que hasta esto pasa a ser una anécdota. Un disco que vale su peso en oro.

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Bernardo Baraj & Juan Barrueco – Nostalgias (1990)

domingo, septiembre 19th, 2010

Segundo disco de este dúo, registrado ocho años después del primero con un paréntesis que, como comentamos, incluyó diversas actividades de cada uno por separado.

Baraj y Barrueco prácticamente tocan juntos permanentemente. Este trabajo tiene un criterio más abierto que el primero, no es tan estricto en cuanto a los géneros y los arreglos, y justamente eso lo hace novedoso y fresco. Hay tango, folklore argentino, experimentación con música latinoamericana y, obviamente, el jazz como hilo conductor de todo el trabajo.

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Bernardo Baraj & Juan Barrueco – Baraj / Barrueco (1982)

sábado, septiembre 18th, 2010

El saxofonista, clarinetista y vientista Bernardo Baraj y el guitarrista Juan Barrueco llevan mas de 40 años en el panorama de la música popular argentina. Juntos fueron co fundadores de uno de las primeras bandas de rock (y la primera en fusionar rock y jazz) de Argentina: Alma y Vida. Luego de la separación de esta banda, en 1976, sus carreras viraron hacia diversos destinos musicales, y a pesar de eso volvieron a reunirse en un par de ocasiones para producir discos sensacionales. De hecho, en el presente están elaborando material nuevo y ensayando para un nuevo proyecto juntos.

Juan Barrueco ha participado en proyectos con Roberto “fats” Fernandez, Ruben Rada, Lito Vitale, Jaime Torres, entre otros, editando un par de trabajos en solitario.

Bernardo Baraj fue uno de los músicos estables de la mítica Cueva de Pueyrredon, (lugar donde se gestó el movimiento de rock argentino) y fue Sandro, quien le propone formar parte de su banda y así comparten cuatro años de intensa actividad, viajando en giras por todo el país, participando también en numerosas grabaciones.
Influenciado por el lenguaje de John Coltrane, incorpora a su instrumental el saxo soprano, poco usado por los músicos de la época, y forma junto al trompetista Gustavo Bergalli, el bajista Adalberto Cevasco y el baterista Nestor Astarita el Cuarteto Buenos Aires, primer grupo de free jazz que produce una verdadera sorpresa en el ambiente local.

Forma junto a Litto Nebbia el grupo Cuarteto Contemporáneo del Sur. En el 78 es convocado por Luis Alberto Spinetta para formar parte de su primer proyecto solista, la Banda Spinetta, con quien comparte un año de creativa actividad. Un año después forma el grupo La Banda junto a Rubén Rada y Jorge Navarro.

Integra el grupo del bandoneonísta Dino Saluzzi, toca en la Orquesta Estable del Teatro Colon, y en 1985 forma el Trío Vitale-Baraj-González, un referente inevitable de la música popular argentina.  En el ‘80 forma su propio quinteto con el que graba tres CDs (Bernardo Baraj Quinteto, Almita y Milonga Borgeana).

Junto al guitarrista Juan Barrueco forma el Dúo Baraj-Barrueco, verdadero mojón en el transcurrir de la música popular argentina ya que son los primeros en proponer un lenguaje tanguero sobre la base melódica de un saxofón. Este duo fue una propuesta sujeta a la idea de buscar una manera de tocar desde el saxo y la flauta, una música que tuviera que ver con Buenos Aires. Y hallaron una conjunción de sonido y lenguaje de jazz fusionado con el tango, en la que fue tal vez la primera aproximación al género de Buenos Aires desde el jazz.

Un disco que aún hoy suena soberbio, impresionante, actual y provocador.


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