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Rory Gallagher – Deuce (1971)

martes, abril 26th, 2011

Después de dejar Taste, su interesante grupo en los años 60, el irlandés Rory Gallagher, nacido el 2 de marzo de 1949 en Ballyshannon, prosiguió su senda maestra dentro del blues-rock interpretando sus sonidos con estilo y agitación emocional, deudor de los sonidos más negros del estilo, con especial ascendencia de nombres como Junior Wells, Muddy Waters, Albert King o Son House.
Su debut como solista se produciría con “Rory Gallagher” (1971), un LP editado en Polydor con piezas como “Can’t belive it’s true”, “Just smile”, “For the last time” o “I’m not surprised”.
El mismo año publicó también “Deuce” (1971), uno de sus mejores discos que mostraba su habilidad en la guitarra en temas como “Crest of a wave” o “Used to be”.

Deuce, el segundo disco del guitarrista y cantante irlandés Rory Gallagher, contiene diez gemas de blues rock, compuestas e interpretadas con fuerza, virtuosismo, cuidado y sensibilidad. Abre con “I’m Not Awake Yet”, una belleza construida sobre largos pasajes instrumentales en los cuales sobresalen hermosos punteos de guitarra acústica, y ya en la segunda canción, “Used to Be”, Gallagher se adentra en terrenos más eléctricos, con distorsión fuerte y arrastre punzante. El álbum pasa así, entre composiciones acústicas más ligadas al folk y rocks enérgicos, dando pequeños espacios para respirar y a los pocos minutos creciendo de vuelta, furioso.

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Tracklist:

01. I’m Not Awake Yet
02. Used to Be
03. Don’t Know Where I’m Going
04. Maybe I Will
05. Whole Lot of People
06. In Your Town
07. Should’ve Learnt My Lesson
08. There’s a Light
09. Out of My Mind
10. Crest of a Wave

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George Harrison – Wonderwall Music (1968)

lunes, abril 4th, 2011

George Harrison fue el primer Beatle en lograr el número uno en ventas con un disco en solitario en 1970 con “My sweet Lord”. Demostró en ese mismo momento lo que con canciones como “Sometihng” ya sabían muchos de sus fans: su valor como compositor estaba a la altura de los dos grandes del grupo, Lennon y McCartney.

Wonderwall Music es el primer álbum en solitario de George Harrison y la banda sonora de la película Wonderwall. La mayoría de los temas son instrumentales, a excepción de algunas voces indias y un tema que incluye una conversación hablada, y fueron en parte grabadas en diciembre de 1967 en Inglaterra, y en parte en Bombay, India, en enero de 1968. Wonderwall Music es notable por ser el primer trabajo en solitario de un Beatle, si bien en junio de 1967 la banda sonora de la película The Family Way fue compuesta por Paul McCartney y contiene música de fondo que no es considerada como un álbum oficial propiamente dicho.
Mientras la mayoría de músicos hindúes son acreditados con su nombre real, Eric Clapton, Ringo Starr y Peter Tork, entre otros, figuran bajo seudónimos. Asimismo, Harrison figura como productor, compositor y adaptador.
Además del álbum, la canción “The Inner Light”, que aparecería como cara B del single “Lady Madonna” y constituiría la última publicación bajo el sello Parlophone en el Reino Unido y bajo el de Capitol Records en Estados Unidos, fue grabada aprovechando la presencia de músicos hindúes en los estudios de grabación. Así pues, Wonderwall Music supone también el primer álbum de un Beatle publicado bajo el sello discográfico Apple Records, creado por el grupo, semanas antes de la aparición del Álbum Blanco.

A pesar de no entrar en las listas de éxitos británicas, Wonderwall Music alcanzó el puesto #49 en las listas estadounidenses a comienzos de 1969.

Las pistas 2, 5, 8, 10, 11, 14, 16 y 18 fueron grabadas en Inglaterra, mientras las 1, 3, 4, 6, 7, 9, 12, 13, 15, 17 y 19 lo fueron en India.

Músicos:
Inglaterra (diciembre de 1967)

John Barham: piano y fliscorno
Colin Manley: guitarra y steel guitar
Tony Ashton: piano y órgano
Philip Rogers: bajo
Roy Dyke: batería
Tommy Reilly: harmónica
Peter Tork: banjo
Eddie Clayton (Eric Clapton): guitarra
Richie Snare (Ringo Starr): batería

India (enero de 1968)

Aashish Khan: sarod
Mahapurush Misra: tabla y pakhavaj|pakavaj
Sharad Jadev: shehnai
Hanuman Jadev: shehnai
Shambu-Das: sitar
Indril Bhattacharya: sitar
Shankar Ghosh: sitar
Chandra Shekhar: sur-bahar
Shiv Kumar Sharma: santoor
S. R. Kenkare: flauta
Vinaik Vora: thar-shehnai
Rij Ram Desad: armonio y tabla-tarang

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Tracklist:

01. Microbes
02. Reed lady too
03. Tabla and Pakavaj
04. In the park
05. Drilling a Home
06. Guru Vandana
07. Greasy Legs
08. Ski-ing
09. Gat kirwani
10. Dream Scene
11. Party seacombe
12. Love Scene
13. Crying
14. Cowboy Music
15. Fantasy Sequins
16. On the bed
17. Glass Box
18. Wonderwall to be here
19. Simging Om

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Donovan – Sunshine Superman (1966)

jueves, marzo 31st, 2011

Donovan Leitch nació el 10 de mayo de 1946 en Glasgow (Escocia). En sus comienzos estaba fuertemente marcado por la música folk americana, con predilección por Bob Dylan y Woody Guthrie.
Inició su carrera discográfica gracias a la fortuna de aparecer regularmente en 1965 en el programa de televisión “Ready, Steady, Go”, en donde pronto fue comparado con su maestro Dylan.
Con su guitarra acústica y su admirable sentido para la melodía, el músico escocés conquistó a la audiencia inglesa con canciones como “Catch the wind” o “Colours”.
El manager Allen Klein sería el encargado de lanzarlo en el mundo del disco. Tras firmar un contrato con Pye Records, Donovan publicó en 1965 el sencillo “Catch the wind”, una de las composiciones que más recordaba a Bob Dylan y que le valió alcanzar el puesto número 4 en los charts británicos, la misma posición que logró “Colours”, otro tema claramente deudor del proceder del genio de Minnesota.
En 1965 aparecieron dos estimables e infravalorados Lps de esencia folk, “What’s bin did and what’s bin hid” (1965), disco que incluía “Catch the wind” y “Fairy Tales” (1965), álbum en donde se encontraba el sencillo “Colours”.
Su tercer single fue “Turquoise” (número 30), una canción en la cual ya se apreciaba la pretensión de alejamiento de sus raíces dylanianas, ya que Donovan lo que menos deseaba era la continua comparación con el compositor estadounidense.
Para conseguir un cambio de sonido contó con la colaboración del afamado productor Mickie Most y del arreglista John Cameron, quien ensanchó su universo folk con piezas pop de entramado hippie-psicodélico, afianzando su propia personalidad tanto en la faceta vocal como en la compositiva.
Su primera obra con Most sería “Sunshine Superman” (1966), un gran Lp que contaba con la guitarra de Jimmy Page (en su tarea de músico de sesión) en varios temas (sin olvidar la esencial participación de Eric Ford) y con los teclados de Cameron.
En el álbum podemos encontrar temas como “Season of the witch” (versionado por Terry Reid, Al Kooper o Vanilla Fudge) “The fat angel” (versionado por Jefferson Airplane), “Trip”, “Celeste”, “Guinevere” o el single homónimo (versionado por Husker Du o Jewell), que subió en 1967 hasta el número 2 en el Reino Unido y al número 1 en los Estados Unidos.

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Tracklist:

01 Sunshine Superman
02 Legend of a Girl Child Linda
03 Three King Fishers
04 Ferris Wheel
05 Bert’s Blues
06 Season of the Witch
07 The Trip
08 Guinevere
09 The Fat Angel
10 Celeste

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Badfinger – No Dice (1970)

miércoles, marzo 30th, 2011

La historia de Badfinger es la prueba de que la crónica del rock es una crónica con muchas sombras, con muchos nombres que se quedaron en el camino. A finales de los 60’s unos Beatles a punto de disolverse idearon una compañía discográfica, Apple Records, con la que planeaban descubrir nuevos talentos y lanzarlos al estrellato, el proyecto, como otros tantos que idearon en aquellos años resultó siendo un fracaso comercial, demostrando que los cuatro magníficos de Liverpool eran mucho mejores músicos que empresarios.
Uno de los primeros grupos en firmar con Apple, y uno de los más exitosos en la breve carrera de la compañía fue Badfinger, un grupo formado por Pete Ham en 1965 que, inicialmente como The Iveys, llamaron la atención de Paul McCartney quien los contrató para grabar un primer disco que recibiría el nombre de Maybe Tomorrow (1969). El fracaso comercial de este primer disco llevó a varios cambios en la formación de la banda y a la adopción del definitivo nombre de Badfinger tomando una estrofa de With A Little Help From My Friends de The Beatles. La formación clásica de Badfinger, con Pete Ham, Joey Molland, Tom Evans y Mike Gibbins era un combo curtido ya en multitud de bandas con unos gustos musicales que iban del rock americano más rítmico al elegante pop de finales de los 60’s, con, por supuesto, The Beatles a la cabeza.

“No Dice” (1970) fue el segundo disco como Badfinger para Apple, publicado en 1970, supuso un notable éxito para la banda y una rentable fuente de ingresos para la compañía que ya mostraba sus primeras incongruencias financieras. Aunque Pete Ham fue el compositor inicial y cantante de The Iveys, poco a poco el resto de los miembros de la banda se fueron revelando también como excelentes compositores y músicos al tiempo que Badfinger ganaba día a día consistencia, curtiéndose en múltiples proyectos paralelos con George Harrison o John Lennon. No Dice (1970) es un inmejorable cocktail de hard rock y brillantísimas melodías pop, con al menos tres temas absolutamente redondos e incontestables, I Can´t Take It, No Matter What y Without You, la canción más famosa de Badfinger, que fue popularizada posteriormente por Harry Nilsson y después por Mariah Carey, pero como la original, nada. Una balada romántica, elegante, acompañada por un mullido colchón acústico y leves pinceladas eléctricas. La melodía de simplemente de cinco estrellas. La interpretación emotiva, cargada de sentimiento. Una canción muy especial, que quizá no merezca más fama que otras de este disco, pero que no por eso deja de ser una de las grandes baladas del rock.

En este LP encontramos además canciones que oscilan entre el folk de I Don’t Mind y el country de Blodwyn completando un disco realmente brillante que conformó a Badfinger como uno de los mejores grupos de su tiempo, recuperando la contundencia del rock and roll primigenio al servicio de las melodías pop más inspiradas.

Tras publicar varios brillantes discos en Apple, eclipsados casi siempre por la alargada sombra de los Beatles el grupo se vio sacudido por los problemas que ya empezaban a desmembrar la compañía discográfica y terminaron recalando en la Warner donde los problemas financieros, legales y personales continuaron, culminando con el suicidio en 1975 de Pete Ham y posteriormente con el de Tom Evans en 1981. Por encima de la leyenda negra que envuelve a Badfinger quedarán siempre las vibrantes, poderosas, enérgicas y vitalistas canciones que el grupo compuso en su breve e intensa carrera, unas canciones y un legado que sigue estando plenamente vigente.

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Tracklist:

01. I Can’t Take It
02. I Don’t Mind
03. Love Me Do
04. Midnight Caller
05. No Matter What
06. Without You
07. Blodwyn
08. Better Days
09. It Had To Be
10. Watford John
11. Believe Me
12. We’re For The Dark

Bonus Track:

13. Get Down
14. Friends Are Hard To Find
15. Mean Mean Jemima
16. Loving You
17. I’ll Be The One

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Elton John – Goodbye Yelllow Brick Road (1973)

viernes, marzo 25th, 2011

A lo largo de sus más de 40 años de carrera musical, Elton John ha vendido más de 250 millones de álbumes y más de 150 millones de singles y ha colocado más de 50 canciones en los charts, convirtiéndose en uno de los músicos de más éxito de todos los tiempos. En el año 2004 la revista Rolling Stone le otorgó el puesto 49 en su lista de los 100 mejores artistas de la historia. Su canción Candle in the Wind, regrabada en 1997 se convirtió en el single más vendido de todos los tiempos con 37 millones de copias.  Sus múltiples premios incluyen el título de Sir al ser nombrado miembro de la Orden del Imperio Británico por Isabel II de Inglaterra. Según Billboard, es el tercer más grande artista de todos los tiempos en Estados Unidos, solo por detrás de The Beatles y Madonna.

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“Goodbye Yellow Brick Road”, editado en 1973, es el séptimo álbum de estudio de Elton John (que hoy cumple 65 años!), y se ha convertido en uno de sus trabajos más populares y el más vendido de su discografía, superando los 31 millones de copias en todo el mundo hasta el presente.

Es  mi álbum favorito de Elton John, y contiene (también para mi subjetivo gusto) su mejor canción, la que le dá su título al disco. Pero además están otras perlas como “Candle in the wind”, “bennie and the Jets” y “Saturday night´s alright for fighting”.  El proceso de grabación tomó dos semanas en Francia y, según el productor Gus Dudgeon, el álbum no fue planificado como un disco doble como finalmente fue editado, y en su primera reedición en CD, en 1995, todas las canciones fueron incluídas en un único CD. Esta presentación incluye el arte de tapa completo, tanto de la versión en CD como del vinilo de 1973.

Músicos:

Elton John: piano, piano eléctrico, organo, voz.
Dee Murray: bajo
Davey Johnstone: guitarras acústicas y eléctricas, banjo
Nigel Olsson: batería
Ray Cooper: tambourine, congas
Dee Murray, Davey Johnstone, Nigel Olsson: coros (tracks 1, 2, 4, 10, 13, 17)
Del Newman: arreglos de orquesta (tracks 4, 8, 9, 10, 15, 17)
Leroy Gomez: solo de saxo en “Social disease”
Kiki Dee: coros en “All the girls love Alice”

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The Alan Parsons Project – Tales of Mystery and Imagination (1976)

lunes, marzo 21st, 2011

The Alan Parsons Project es un grupo británico de pop rock (aunque también hay quien lo clasifica como rock progresivo) formado en 1975. Estaba liderado por Alan Parsons, Eric Woolfson y en él participaron varias alineaciones de músicos, así como el arreglista y director de orquesta Andrew Powell.
Cada uno aportaba su granito de arena al grupo: Alan Parsons como productor, ingeniero y compositor; Eric Woolfson como productor ejecutivo, compositor y vocalista; y Andrew Powell como orquestador y arreglista. Además se rodearon de una serie de músicos y vocalistas para cada uno de sus proyectos entre los que se encontraban como músicos Ian Bairnson, David Paton o Stuart Elliot y como vocalistas el propio Eric Woolfson, Lenny Zakatek, John Miles, Chris Rainbow o Colin Blunstone entre muchos otros.
Lanzaron varios discos con un gran cuidado en la producción y creatividad como: Tales Of Mystery And Imagination, I Robot, The Turn Of A Friendly Card o Eye In The Sky; y donde se destacan temas como: “Don’t Let It Show”, “The Turn of a Friendly Card”, “Silence & I” u “Old And Wise”.
A finales de los 80, Eric Woolfson abandonó el grupo para dedicarse a componer para musicales de teatro, sin embargo volvieron a reunirse momentáneamente con el breve proyecto Freudiana. Alan Parsons ha seguido creando nuevos temas pero firmando con su nombre (sin el Project), debido a problemas con la parte de los derechos que mantenía Woolfson sobre el nombre del grupo. Actualmente en sus giras vuelve a rescatar el nombre original, con permiso de Eric, denominándose Alan Parsons Live Project.
En los años 2004-2005, Alan Parsons Live Project hizo una gira mundial para dar a conocer sus últimos proyectos y recordar los éxitos de siempre, consiguiendo el “lleno” allá donde iba.

Este álbum conceptual gira alrededor de los cuentos de Edgar Alan POE, y fue el primero y uno de los mejores del Proyecto Alan Parsons.
Es curioso que el Proyecto en realidad nunca fue un grupo, mas bien se trató de un experimento intelectual: “el álbum del productor”, un concepto más común en cine que en el estudio de grabaciones. Alan Parsons no es un músico, sino un productor con demasiadas ideas musicales. Su asociación con Eric Woolfson fue de lo más afortunada: entre los dos desarrollaban el concepto de cada álbum, Alan hacía música, Eric escribía las letras, y entre los dos seleccionaban a los músicos más adecuados para el sonido que deseaban lograr en cada álbum.
Para su primer trabajo como “Proyecto” escogieron un tema bien apropiado: la interpretación musical de algunos de los cuentos más célebres de uno de los mejores escritores de cuentos de fantasía y terror, bien ejecutados y rodeados de una atmósfera sonora que tiene sin duda el mismo toque de quien grabó “The Dark Side of the Moon”. Algo que el mismo Parsons presume es el hecho de que este álbum se grabó sin usar mucha de la parafernalia electrónica que luego se haría común en sus trabajos. De hecho, el único sintetizador que usaron en la versión original fue para simular el efecto del viento en ‘Arrival’. En cambio, hay muchísimas orquestaciones, suficientes guitarras eléctricas donde se necesitan, y teclados a lo largo y a lo ancho de toda la obra. Los vocalistas hicieron muy buen trabajo: Woolfson, John Miles y Terry Sylvester.
Desde el punto de vista de las melodías, “Tales..” no es el mejor álbum de rock progresivo: las melodías no son memorables (a pesar que Parsons demostraría facilidad para escribir buenas melodías en el futuro), pero son efectivas.
Pero el álbum tiene un encanto que es difícil de describir. La música es variada y va desde lo muy tranquilo hasta momentos rockeros de mucha energía. Nunca se hace aburrido, y el sonido es increíble. Al final de los años dorados del progresivo, este álbum fue como una bocanada de aire fresco, y en cierto modo señaló la ruta hacia el sonido más “electrónico”, sin perder el buen gusto y el cuidado en los detalles.
Existen dos versiones de este álbum, el LP original de 1976 y la versión remasterizada de 1987, ligeramente diferente (incluye textos leídos por Orson Welles y algunos sintetizadores y guitarras adicionales). La primera versión nunca se editó (ni se editará) en Cd. La segunda es, de acuerdo con el mismo Alan Parsons, la versión original, tal y como él y Woolfson la concibieron, (sucedió que las grabaciones de Welles no llegaron a tiempo para incluírlas en la mezcla final). Cuando el Cd ganó suficiente popularidad y la industria vió la oportunidad de re-editar los viejos LPs en el nuevo formato, Parsons aprovechó para darle al álbum su “manita de gato” y actualizar su sonido… “entiendo a quienes prefieren la versión de 1976, pero, ya que Poe se sentía fascinado con la idea de la resurrección, creo que habría aprobado (la nueva versión). Estoy convencido que Tales ahora es mejor, y con suerte tendrá una nueva oportunidad de vida”…
Los temas instrumentales son ‘A dream within a dream’ y ‘The fall of the house of Usher’ desde ‘Prelude’ hasta ‘Fall’; Leonard Whiting y Alan Parsons cantan en ‘The raven’, Arthur Brown canta en ‘Tell-tale heart’, John Miles en ‘Cask of amontillado’ y ‘(System of) Doctor Tarr and Professor Fether’ y Terry Sylvester en ‘To one in paradise’. Narración: Orson Welles y Leonard Whiting. Bajo eléctrico: David Paton y Joe Puerta. Bajo acústico: Darryl Runswick. Baterías: Stuart Tosh y Burleigh Drummond. Guitarras eléctricas: Ian Bairnson, David Paton, David Pack, Alan Parson y John Miles. Guitarras acústicas: Laurence Juber y Kevin Peek. Teclados: Billy Lyall, Christopher North, Eric Woolfson, Andrew Powell, Francis Monkman y Alan Parson. Cimbalom y Kantele (instrumentos musicales de Hungría y Finlandia respectivamente, cuyo principio son cuerdas en una caja de resonancia): John Leach. Mandolina: Hugo D’Alton. Coros: Jack Harris, Eric Woolfson, Jane Powell, Smokey Parsons, David Paton, Terry Sylvester, Stuart Tosh. Conductor de coro: Bob Howes. Grupos corales: The English Chorale, Westminster City School Boys Choir. Producción e ingeniería: Alan Parsons. Productor ejecutivo: Eric Woolfson. Arreglos y conducción: Andrew Powell. Asistentes de ingeniería: Patrick Stapley, Chris Blair, Tom Trefethen, Tony Richards.

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Tracklist:

01. A Dream Within a Dream
02. The Raven
03. The Tell tale Heart
04. The Cask of Amontillado
05. (The System of) Doctor Tarr and Professor Fether
06. The Fall of the House of Usher – Prelude
07. The Fall of the House of Usher – Arrival
08. The Fall of the House of Usher – Intermezzo
09. The Fall of the House of Usher – Pavane
10. The Fall of the House of Usher – Fall
11. To One in Paradise

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Al Stewart – Year Of The Cat (1976)

miércoles, marzo 2nd, 2011

Alastair Ian Stewart es un cantante y compositor británico, nacido en Glasgow, Escocia, el 5 de septiembre de 1945.  Stewart creció en el pueblo de Bournemouth, Dorset, Inglaterra, y se mudó a los Estados Unidos en 1977. Grabó y produjo la mayoría de su trabajo en Los Angeles desde fines de los ’70 y durante los ’80.  Mientras que los álbumes de estudio de los últimos años son pocos y distanciados entre sí, todavía lleva a cabo extensas giras a través de los Estados Unidos y Europa, y su carrera abarca más de 40 años.

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“Year of the cat” es el séptimo album de Al Stewart y fue edtado en 1976.  Es, sin dudas, su trabajo más exitoso de la mano del single del mismo nombre, una canción que atrapa desde su pano inicial hasta su famosísimo solo de saxo.  El diseño de la cubierta es de Colin Elgie y es una de las más recordadas de aquella década.

Múscos:

Al Stewart: voz, guitarra, teclados
Peter White: guitarras, teclados
Tim Renwick: guitarra
Andrew Powell: arreglo de cuerdas
Bobby Bruce: violin
Marion Driscoll: percusión
Stuart Elliott: batería
George Ford: bajo
Phil Kenzie: saxo alto
Don Lobster: teclados
David Pack, Tony Rivers: coros
Graham Smith: armónica
Peter Wood: teclados

Tracklist:

01. Lord Grenville
02. On the Border
03. Midas Shadow
04. Sand in Your Shoes
05. If it Doesn’t Come Naturally, Leave It
06. Flying Sorcery
07. Broadway Hotel
08. One Stage Before
09. Year of the Cat

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Isobel Campbell & Mark Lanegan – Ballad Of The Broken Seas (2006)

sábado, enero 15th, 2011

“Ballad of the Broken Seas” es un álbum lanzado por Isobel Campbell (la voz de Belle & Sebastian) y su primera colaboración con Mark Lanegan (ex cantante de Screaming Trees). Encabezó la lista del Mercury Music Prize 2006 y fue uno de los principales NME (New Musical Express) top cien álbumes de la década.

La nominación en el Mercury Music Prize provocó algunas críticas, ya que Mark Lanegan es americano y el premio es solamente para los artistas británicos e irlandeses. Sin embargo, Campbell escribió la mayor parte de las pistas y auto-produjo el álbum. Campbell había escrito la música y algunas de las letras, antes de envitar a Lanegan a esta primera colaboración.
El peso de la obra lo lleva la escocesa, que ha compuesto y grabado (voz e instrumentos) la mayoría de los temas, añadiéndose, posteriormente, la partes cantadas por Lanegan –la lejanía geográfica obligó a grabar en estudios diferentes–. Así pues, se trata más de un disco de la Campbell con participación de Mark Lanegan que de uno conjunto, como cabría pensar en un primer momento. Por un lado, la suave, angelical y femenina voz de Isobel Campbell y, por otro, la áspera, cruda y masculina voz de Mark Lanegan en un disco de un dueto soñado por muchos. Las notables voces de la ex Belle and Sebastian y del ex Screaming Trees se funden en un disco marcado por el blues sin dejar de lado la especialidad instrumental de cada uno.

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Tracklist:

01. Deus Ibi Est
02. Black Mountain (music based in part on the traditional melody “Scarborough Fair”)
03. The False Husband
04. Ballad Of The Broken Seas
05. Revolver
06. Ramblin’ Man
07. (Do You Wanna) Come Walk With Me?
08. Saturday’s Gone
09. It’s Hard To Kill A Bad Thing
10. Honey Child What Can I Do?
11. Dusty Wreath
12. The Circus Is Leaving Town

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Belle & Sebastian – Write About Love (2010)

domingo, diciembre 26th, 2010

Después de 5 años de trabajos en solitario, proyectos alternos, participaciones en bandas sonoras y descansos necesarios, Belle & Sebastian regresa con uno de sus mejores discos. El nuevo material discográfico de la banda más querida de Glasgow lleva el nombre de “Write About Love”, título que no podría encajar más con su sensibilidad característica. El álbum combina la intimidad que sobresale en sus trabajos anteriores junto con los pensamientos cautivadores y, a veces, perturbadores de Stuart Murdoch.

Write About Love se grabó en los meses de abril y mayo en el reconocido estudio Sound Factory en la ciudad de Los Angeles. La producción corrió a cargo de Tony Hoffer (Beck, Phoenix, Goldfrapp, Stars, Air y Depeche Mode), quien trabajó con B&S en The Life Pursuit. La composición del álbum fue un trabajo conjunto, donde todos los integrantes colaboraron, siendo Stuart el cabecilla de la creación.

El disco incluye invitadas de lujo en las vocales: la actriz Carey Mulligan, y Norah Jones. El Write About Love será editado en un impecable digipack. El booklet incluye ensayos y recuerdos escritos por Stuart sobre la grabación del disco.

En una entrevista realizada hace poco Stuart declaró que “cada disco es una representación de la banda”. Y sin duda, “Write About Love” es la muestra de un grupo que aún no pierde el talento de componer canciones que cuentan buenas historias, con gran sentido del humor y que vienen acompañadas de música íntima y majestuosa. Con esta nueva placa, Belle & Sebastian rompe con la espera del regreso de una de las bandas más queridas de la música, y nos muestra que la espera valió la pena por completo.

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Tracklist:

01. I Didn’t See It Coming
02. Come On Sister
03. Calculating Bimbo
04. I Want The World To Stop
05. Little Lou, Ugly Jack, Prophet John (con Norah Jones)
06. Write About Love (con Carey Mulligan)
07. I’m Not Living In The Real World – de Stevie
08. Ghost of Rockschool
09. Read The Blessed Pages
10. I Can See Your Future
11. Sunday’s Pretty Icons

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Belle & Sebastian – Tigermilk (1996)

domingo, diciembre 26th, 2010

Belle & Sebastian es un grupo de indie pop escocés formado en Glasgow en enero de 1996. El nombre de Belle and Sebastian parte de una novela infantil francesa convertida en serie de éxito a principios de los 70 en torno a Sebastien, un chico de los Pirineos y su perro Belle.
Los miembros actuales del grupo son: Stuart Murdoch (voces, guitarra y teclados), Stevie Jackson (voces y guitarra), Chris Geddes (teclados), Sarah Martin (violín y voces), Mick Cooke (trompeta y bajo), Bobby Kildea (guitarra y bajo) y Richard Colburn (batería). Entre sus antiguos miembros se encuentran Isobel Campbell (voces y cello) y Stuart David (bajo). Algunos proyectos paralelos incluyen las bandas Gentle Waves, V-Twin y Looper.

Difícil creer que en un comienzo, sólo había mil copias de este LP dando vueltas por el mundo. Un buen debut para Stuart Murdoch, quién escribió todas las canciones antes de formar su grupo (hecho que de repente explica que el sucesor supere a Tigermilk), y su banda recién formada. Es díficil clasificar la música belle&sebastiana, por lo que el adjetivo “indie” le sienta bien. La temática del álbum son las diferentes relaciones humanas que se forman a lo largo de la vida y las consecuencias, algunas nefastas, en las personas. Simple y hermoso, con un sonido nublado, absolutamente sincero respecto a sus influencias y al mismo tiempo, con un sonido que le ha servido de inspiración a más de una banda en la actualidad.

Stuart Murdoch: Vocals, Guitar
Stuart David: Bass
Isobel Campbell: Cello
Chris Geddes: Keyboards, piano
Richard Colburn: Drums
Stevie Jackson: Guitar
Mick Cooke: Trumpet

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Tracklist:

01. The State I Am In
02. Expectations
03. She´s Losing It
04. You Re Just A Baby
05. Electronic Renaissance
06. I Could Be Dreaming
07. We Rule The School
08. My Wandering Days Are Over
09. I Don t Love Anyone
10. Mary Jo

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