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John Mayall – So Many Roads: An Anthology 1964-1974 (2010)

martes, diciembre 21st, 2010

John Mayall – So Many Roads: An Anthology 1964-1974, es un boxset con la compilación de la mejor época de Mayall.

Los Bluesbreakers de John Mayall, legendario nombre del blues británico, fue uno de los principales criaderos de grandes instrumentistas británicos. Por sus filas pasaron, entre otros muchos, personajes como Eric Clapton, Mick Taylor, Aynsley Dunbar, Jack Bruce, Peter Green, Mick Fleetwood o Andy Fraser. A partir de 1969 Mayall grabará los discos bajo su propio nombre. No obstante, ocasionalmente agrega el “and The Bluesbreakers”, para sus músicos de apoyo, en discos y actuaciones.
John Mayall nació el 29 de noviembre de 1933 en Macclesfield, localidad de Cheshire. Amante del blues de Chicago Mayall comenzó su trayectoria con su banda, denominada en principio Blues Syndicate, a comienzos de los años 60. Por mediación de otra institución del blues en Gran Bretaña, Alexis Korner, John comenzó a plasmar en vinilo sus primeras grabaciones, como “John Mayall plays John Mayall” (1965), fenomenal disco en vivo grabado en el Klooks Kleek y editado en la Decca a través del cual se podía apreciar su habilidad en sonsacar clásicos sonidos blues y R&B derivados de sus ascendientes negros. Entre sus composiciones destaba la que abría el disco, “Crawling up a hill”.
Entre los músicos y junto a John Mayall, encargado de la voz, el órgano, la armónica y el piano, se encontraban Roger Dean a la guitarra, John McVie al bajo y Hughie Flint a la batería.
Su segundo álbum y uno de los mejores de su discografía es “Bluesbreakers with Eric Clapton” (1966), producido por Mike Vernon. No cabe duda que la presencia de Clapton, uno de los grandes héroes de la guitarra en toda la historia del rock que había dejado a los Yardbirds, propulsó el LP a niveles comerciales mucho mayores que los de su primer disco ya que alcanzó el número 6 en las listas de LPs del Reino Unido.
Al lado de Clapton y Mayall estaban de nuevo en esta grabación el bajista John McVie y el batería Hughie Flint. En el disco, junto a sus temas originales, sonaban versiones de Ray Charles, Freddie King o Robert Johnson.
Tras este álbum Eric Clapton dejaría a Mayall para formar Cream. Su reemplazo no sería moco de pavo: Peter Green, quien tocó en su tercer LP, “A hard road” (1967), un gran disco (número 10 en Inglaterra) en el cual la batería fue ocupada por Aynsley Dunbar.
Después de “Hard road” John Mayall se volvió a quedar sin guitarrista al marcharse Peter Green para formar Fleetwood Mac. El reemplazo fue Mick Taylor, futuro miembro de los Rolling Stones. Aynsley Dunbar también dejó la formación, entrando en la misma Keef Hartley y los saxofonistas Chris Mercer y Rip Kant.
Con estos cambios John Mayall grabó otro de sus mejores trabajos, “Crusade” (1967), un disco muy bien recibido de nuevo por los seguidores del blues y el R&B (número 8).
El tercer disco grabado por Mayall en 1967 fue “The blues alone” (1967), en donde el líder de la banda, sin acreditar al lado de los Bluesbreakers, estaba solamente acompañado por el batería Keef Hartley, tocando él todos los demás instrumentos. Este disco sería el primero en entrar en la lista del Billboard americano (número 59).
Al año siguiente editaron “Diary of a band vol. 1 y 2” (1968), en donde, sin acreditar por problemas contractuales, aparecía Jimi Hendrix tocando la guitarra en el tema “The Lesson” del primer volumen. En esta etapa se produjeron nuevos cambios.
Rip Kant dejó su puesto a Dick Heckstall-Smith y John McVie, que se fue a Fleetwood Mac, fue reemplazado por Keith Tillman.
Con producción de Vernon, como casi siempre en esta primera y mejor etapa de la banda, Mayall publicaría en 1968 uno de sus discos más recordados, “Bare Wires” (1968), álbum (número 3) con Tony Reeves al bajo y John Hiseman a la batería que mostraba, además del blues, su querencia también hacia sonidos jazz.
“Blues from Laurel Canyon” (1968), con Steve Thompson al bajo y Colin Allen a la batería, fue el último disco en el cual sonó la guitarra de Mick Taylor en los Bluesbreakers, ya que tras la pérdida de protagonismo y muerte de Brian Jones en los Rolling Stones, Mick fue requerido para sustituirlo.
“The turning point” (1969), disco en directo producido en solitario por John Mayall y grabado en el Fillmore East de Nueva York, fue el último trabajo de los Bluesbreakers en los años 60 y en el mismo se escuchaban las guitarras de Mayall y la de Jon Mark.
La música de Mayall y sus variantes chicos prosiguió siendo apreciada de manera considerable tanto en Inglaterra como en los Estados Unidos, en donde su audiencia era creciente a un estilo fiel y honesto. “Empty room” (1970), fue su primer disco (número 9 en el Reino Unido y 33 en los Estados Unidos) grabado en estudio para Polydor tras el directo “The turning point”.

Algunos de sus mejores trabajos de los muchos grabados en los años 70 fueron “Back to the roots” (1971), el directo “Jazz Blues Fusion” (1972), que significaba a la perfección su sonido con estas actuaciones en Boston y Nueva York, “A banquet in blues” (1976) o “The last of the british blues” (1978).
A comienzos de los años 80 abandonó las grabaciones pero retomó su carrera a mediados del decenio para girar y volver a grabar, en especial discos en directo.
“Tough” (2009) es su último trabajo en estudio.

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John Lennon & Yoko Ono – Stripped Double Fantasy (2CDs – 1980/2010)

miércoles, diciembre 8th, 2010

Luego del nacimiento de su hijo Sean, en 1975, John Lennon hizo una pausa en su carrera, y luego de cinco años en los que tuvo poca actividad relacionada con la música más allá de la grabación de demos en su departamento de New York, se sintió listo para volver al ruedo. En el verano de 1980 hizo un viaje a Rhode Island, y allí empezó a escribir canciones y reescribir viejos demos. Yoko Ono también escribió nuevas canciones y finalmente decidieron publicar todo el material en el mismo álbm. Ese fue el nacimiento de “Double Fantasy”, el últlimo disco publicado por Lennon antes de su asesinato en ese mismo 1980, tragedia de la que hoy se cumplen 30 años.

De la variedad de discos remasterizados que acaban de lanzarse al mercado con motivo del que hubiera sido el cumpleaños número 70 de Lennon (en octubre pasado), sin dudas este es el mejor.  “Double Fantasy Stripped Down”, contiene dos CDs: uno, el disco original de 1980 y otro, una nueva mezcla 2010, que retira gran parte de la post producción de estudio y nos muestra despejadas y al frente la voz de Lennon y su guitarra.  El resultado es espectacular… las canciones suenan como nuevas… y personalmente, me gustan más.

Según Yoko Ono, “Double fantasy stripped down” realmente permite centrar la atención en la asombrosa voz de John. “La tecnología ha avanzado tanto que, en cambio, yo quería utilizar nuevas técnicas para enmarcar realmente estas increíbles canciones y la voz de John de la forma más sencilla posible. Despojando y simplificando de parte de los arreglos e instrumentaciones, el poder de las canciones brilla y trasluce con una mayor claridad.  Fue mientras trabajaba en la nueva versión de este álbum cuando me sentí más profundamente emocionada, ya que este fue el último álbum que publicó John antes de de su muerte”.

Aquí va entonces este doble álbum, con el artwork completo en archivo separado, incluyendo letras, apuntes técnicos y detalles de la producción 2010.

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Artwork

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Spandau Ballet – Journeys To Glory (1981)

viernes, diciembre 3rd, 2010

Spandau Ballet es una banda popular inglesa de los años 80. Inicialmente inspirada por una mezcla de funk y synthpop, finalmente cambiará su estilo al pop.
El guitarrista y compositor Gary Kemp, y su hermano, el bajista Martin Kemp, forman la banda en 1979, junto con el batería John Keeble, el cantante Tony Hadley y Steve Norman, que al principio tocaba la guitarra, y posteriormente pasó a tocar el saxo, al cambiar el estilo musical. Rapidamente consiguieron captar la atención del público apelando a métodos de promoción poco convencionales: durante 1980 actuaron en todos los lugares de moda, pero también lo hicieron en lugares tan exóticos como salas de proyección Art Déco abandonadas, iglesias barrocas y en un buque de guerra perpetuamente anclado a orillas del Tamesis, el HMS Belfast. De esa manera lograron captar el interés de las compañías discográficas y una gran cobertura por parte de los medios. Sin embargo, cuando se concretó la edición de su álbum debut, “Journeys to Glory”, la prensa rockera atacó al grupo sin miramientos. Un crítico de la influyente Melody Maker los acusó de fascismo, argumentando que los símbolos y la ideología de “Journeys to Glory” eran iguales a los que, en su momento, había utilizado el nazismo. Que el nombre de la banda remitiera, teóricamente, a los espasmos de los criminales de guerra nazis “bailando” mientras eran ahorcados en la prisión de Spandau, esa misma prisión donde todavía se encontraba Rudolf Hess -y no a un campo de concentración, como erróneamente se dijo- reforzaba esa denuncia. Además, este periodista los tildaba de elitistas y glorificadores de las clases dominantes. Spandau Ballet desmintió cualquier tipo de apología al nazismo en una carta que, entre otras cosas, decía lo siguiente: “Estamos escribiendo esta carta no porque no te guste la música de Journeys to Glory, que eso es tu prerrogativa, desde luego, aunque sea anonadante el ser juzgado por alguien que no está en la misma onda que la música y que aparenta no tener idea de lo que está intentando lograr […] nuestro principal motivo para responder es la rabia absoluta que nos han levantado tus afirmaciones y tus presunciones sociales. No queremos aburrir a nadie con nuestras listas de miembros del Partido Laborista y demás actividades políticas pero dejémoslo totalmente claro: no somos fascistas y no somos miembros del partido conservador. EI hecho de que el grupo no incluya declaraciones políticas manifiestas en su música no es una razón para suponer que sus conceptos son superficiales. Eso es tan estúpido e ignorante como, digamos, suponer que si un periodista trabaja para un gran imperio editorial es un defensor ardiente del sistema capitalista. La realidad es que Spandau Ballet no encaja en tu restringida visión del mundo ni en tus inexactos y limitados estereotipos. Nadie dice que estemos creando un nuevo movimiento. Las actitudes del grupo, y en particular el deseo de no ir por la vida como unos tirados, no son nuevas para la cultura juvenil, pero probablemente resulten rara en esa área de la reciente música rock/punk que es tan elitista, aislada y superficial aunque tú pienses que, de alguna forma, es parte del mundo real. Hay una actitud total de respecto a la música y la vida en general en un enorme sector de la juventud de la nación de la que queramos atribuirnos el papel de instigadores ni de representantes: somos meros productos de esa actitud. Lo sentimos, pero no nos avergüenza el hecho de no querer ir vestidos como mendigos; esa es nuestra prerrogativa ¿o no se nos permite vestir como quisiéramos? Tú seguramente te sorprenderías de que las clases trabajadoras en general no estén particularmente interesados en vestir mal, que no imitan a nadie y que quieren el mejor nivel de vida posible ¿Y por que no? Para eso existen los sindicatos: para mantener y mejorar el nivel de vida de sus miembros. Recuerda que los trabajadores tienen que luchar por su subsistencia durante toda su vida: para ellos no es solo una ideología […] Concluyendo. Tus intentos de conectar la presentación del disco con el nazismo son lamentables. Las imágenes clásicas y heroicas han sido usadas en otros muchos contextos (por ejemplo, en los carteles colectivistas rusos) todo lo cual has ignorado convenientemente en un intento de asegura tu una sentencia de culpabilidad”.
Una declaración de principios que sirve para aclarar las dudas sobre las intenciones de Spandau Ballet en particular, y de todo el movimiento New Romantic en general.

Más allá de cualquier polémica, es indiscutible el carácter singular de “Journeys to Glory”. A pesar de sus evidentes limitaciones técnicas, consiguieron un sonido muy particular: distante, sintético y marcial, claramente influenciado por Kraftwerk y la dupla Bowie/Eno, pero accesible y bailable. Mientras tanto, sus letras dicen cosas como estas: “Bleak and tired Western skies/Silence crashing with quiet lies/Shattered glass reflects elation/Reformation, Reformation” (Reformation) o estas otras: “We’re building fires that will burn until morning/The smell of books and hot stone surround us/Tough is the leather that strapped to my skin/Strong are the bonds that we make” (Musclebound).

Con el paso del tiempo Spandau Ballet fue resignando claridad conceptual. En “Diamond” (1981) todavía podemos encontrar muchos momentos de brillo, pero a partir de “True” (1982), la banda se convertiría en un exponente del más pasteurizado pop. “Journeys to Glory”, en cambio, se mantiene como una fiel fotografía de un momento irrepetible en la música pop, tan frívolo como fascinante.

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Tracklist:

01. To Cut a Long Story Short
02. Reformation
03. Mandolin
04. Muscle Bound
05. Age of Blows
06. Freeze
07. Confused
08. Toys

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Sting – Nada Como El Sol (1988)

martes, noviembre 30th, 2010

Un Ep de Sir Gordon Matthew Thomas Sumner alias Sting, con cinco canciones del álbum “…Nothing Like the Sun”, grabadas por el artista en español y portugués y por cierto se la juega muy bien en estas dos lenguas extranjeras hermosas y románticas. Disfruten estas joyas interpretadas por el gran Sing.

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Tracklist:

01. Mariposa Libre (Little Wing) (Español)
02. Fragil (Portugues)
03. Si Estamos Juntos (We’ll Be Together) (Español)
04. Ellas Danzan Solas (Cueca Solas) (They Dance Alone) (Español)
05. Fragilidad – (Español)

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George Harrison – Let It Roll (2009)

lunes, noviembre 29th, 2010

George Harrison falleció en un hospital de Hollywood, Los Ángeles, el 29 de noviembre de 2001 a la temprana edad de 58 años, víctima de un cáncer de pulmón.  Se cumplen hoy nueve años de esa fecha, y esa es la excusa para compartir en P&C este fabuloso álbum.
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“Let It Roll” es el tercer álbum recopilatorio de la carrera de Harrison, publicado el 16 de junio de 2009, y el primero en abarcar por completo su trayectoria musical como solista.  Incluye canciones originariamente publicadas por EMI y por el sello discográfico de Harrison, Dark Horse Records. Todos los temas han sido remasterizados digitalmente, y es verdaderamente una gran colección de su obra.

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Paul Mc Cartney – Up And Coming Tour (Live in Buenos Aires) (P&C 2010)

viernes, noviembre 26th, 2010

Los días 10 y 11 de noviembre pasados, Bastó con que McCartney saludara (“Hola Buenos Aires”), para que un público de 45.000 personas cada noche se entregara a la celebración. Pocas veces es posible observar una comunicación tan intensa entre un artista y su gente. En los dos shows que ofreció en Buenos Aires volvió a desempolvar sus clásicas canciones, esas que constituyen la banda de sonido de cuatro generaciones de fans.

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Patrick Wolf – Lycanthropy (2003)

viernes, noviembre 12th, 2010

Patrick Wolf es un cantautor inglés nacido en Londres. Su música se caracteriza por la combinación innovadora del tecno, rock, folk y electro. Wolf toca muchos instrumentos incluyendo el arpa, el clavinet, el clavecín, la guitarra, el piano, el órgano y el violín.

Lycanthropy es su primer álbum, fue grabado entre los años 1994 y 2002 y de él no salió ningún sencillo. En este disco Wolf utiliza en muchos temas la guitarra acústica, instrumento que casi abandonará en sus siguientes discos, a favor del ukulele. La mayoría de las canciones tienen un fondo oscuro, como “The Childcatcher”, que narra la historia de un muchaco acechado por un pedófilo, y “Lycanthropy”, que cuenta la historia de una transformación a través de palabras abstractas.
Muchos de los temas están relacionados con los lobos y los hombres lobo, aunque no siempre de forma explícita.

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Kate Bush – The Morning Fog (Best Vol.1)

martes, noviembre 2nd, 2010

Y pasamos a la segunda compilación; esta es de nuestro “Cómplice” Kurtigghiu, naturalmente coronada por otra de sus estupendas gráficas. Una compilación, me dice él, sin criterio histórico más siguiendo solo su gusto personal.

La colección incluye 21 canciones tomadas de “Never for ever” (80), “The Dreaming” (82), y Hounds of Love (85) segundo mejor discos en absoluto, por tres simples razones:
“Never for ever”, ya que viene después de los primeros dos álbumes de gran éxito, por lo que representa un puente entre el viejo y el nuevo camino, tal vez el álbum del crecimiento musical.
“The Dreaming” es el más experimental; a diferencia de muchos de los discos de los años ’80 que hoy nos hacen un poco sonreir, el álbum sigue siendo muy actual a pesar de sus casi 30 años.
Y, por último, “Hounds of Love”, ya que es la obra maestra absoluta.
En este último disco está toda su historia, su proceso creativo con toda su genialidad. Aquí encontramos el equilibrio perfecto entre la experimentación y la tradición musical, por así decirlo. No olvidemos que Kate escribe y arregla todos sus discos desde el lejano 1978, desde que apareció con “Wuthering heights” a los 19 años de edad.
Explicar la música de Kate es mucho más difícil de lo que se piensa. Prefiero recomendar la escucha de esta colección para entrar mejor en el mundo de este genio a menudo encomprendido.

Kurtigghiu

(Testo in italiano nei “Comentarios”)

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Tracklist:

1. Watching you without me (Kate Bush) 1985
2. Ther goes a tenner (Kate Bush) 1982
3. Pull out the pin (Kate Bush) 1982
4. All we ever look for (Kate Bush) 1980
5. Suspended in gaffa (Kate Bush) 1982
6. Leave it open (Kate Bush) 1982
7. And dream of sheep (Kate Bush) 1985
8. Under ice (Kate Bush) 1985
9. Waking the witch (Kate Bush) 1985
10. The infant kiss (Kate Bush) 1980
11. Night scented stock (Kate Bush) 1980
12. Sat in your lap (Kate Bush) 1981
13. Breathing (Kate Bush) 1980
14. Delius (song of summer) (Kate Bush) 1980
15. Night of the swallow (Kate Bush) 1982
16. Army dreamers (Kate Bush) 1980
17. The dreaming (Kate Bush) 1982
18. Jig of life (Kate Bush) 1985
19. Hello earth (Kate Bush) 1985
20. The morning fog (Kate Bush) 1985
21. Get you of my house (Kate Bush) 1982

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Joe Cocker – Hard Knocks (2010)

jueves, septiembre 30th, 2010

Después de más de 40 años en la música, Joe Cocker se mantiene como uno de los artistas más importantes, emblemáticos y exitosos. Muchos de sus 21 álbumes de estudio y de sus cuatro discos en directo han merecido premios Grammy, Globos de Oro y Premios de la Academia. En 2007 recibió la Orden del Imperio Británico (OBE).

Hard Knocks es el primer álbum de Joe Cocker con Sony Music. Producido por Matt Serletic y grabado en los Emblem Studios de Los Angeles (Estados Unidos).  Contiene nueve canciones inéditas junto a la versión de I Hope, tema de las Dixie Chicks producido en Nashville por el legendario Tony Brown.

Tracklist:

01. Hard Knocks
02. Get On
03. Unforgiven
04. The Fall
05. So It Goes
06. Runaway Train
07. Stay The Same
08. Thankful
09. So
10. I Hope

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Joe Cocker – The Ultimate Collection (1968 – 2003)

miércoles, septiembre 29th, 2010

John Robert Cocker nació en Sheffield el 20 de mayo de 1944 es un músico de rock y blues inglés que inició su carrera musical participando en algunas pequeñas bandas desde la edad de 15 años. La primera de ellas se llamaba The Avengers (bajo el nombre artístico de Vance Arnold), seguida de Big Blues en 1963, y The Grease Band (1966).

Después de éxitos menores en Gran Bretaña con el single “Marjorine”, tuvo su momento de éxito con una versión innovadora de “With a Little Help from My Friends”, versión de The Beatles .

Dueño de una particular voz y de un estilo inconfundible al interpretar cualquier género, lleva casi medio siglo de vigencia absoluta en el mundo de la música. Este álbum es imprescindible para recorrer los mejores momentos de toda su carrera.

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