Thursday, January 16, 2025 19:52

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Peter Green Splinter Group & Robert Johnson – Me and the Devil (2008)

domingo, septiembre 13th, 2009

Un Box Set de tres CD con dos discos de Peter Green interpretando clásicos de Robert Johnson, más un tercer disco que contiene grabaciones del propio Johnson de las canciones que lo convirtieron en leyenda. Las 29 canciones que Robert Johnson grabó en varias habitaciones de hotel de Texas en 1936 y 1937 se encuentran entre las obras más significativas e influyentes en la historia de la música Blues. Fue, pues, muy acertado que  se publicaran los dos álbumes que tanto hicieron para re-lanzar la carrera de Peter Green, “The Robert Johnson Songbook” de 1998 y “Hot Foot Powder” de 2000.

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Peter Allen Greenbaum (29 de octubre de 1946, Bethnal Green, Londres), más conocido como Peter Green es un guitarrista inglés de blues rock y miembro fundador de la banda Fleetwood Mac.

B.B.King se refirió a Green como “el único hombre que me llegó a hacer sudar”. Aunque el fraseo de Green no era tan rápido o repentino como el de sus colegas bluesbrakers Eric Clapton y Mick Taylor, estaba marcado por un distintivo vibrato y economía de estilo.

En 1967 Green decidió formar su propia banda de blues, Fleetwood Mac -el nombre provenía de la sección rítmica de la banda: Mick Fleetwood y John McVie, y fue originalmente nombrada como Peter Green’s Fleetwood Mac.

En los finales de la década de 1970 la banda copó las listas con álbumes principalmente pop/rock, pero inicialmente fue una banda ligada al blues/rock tocando clásicos del blues y nuevo material -junto con los Bluesbreakers de John Mayall. Green fue el líder del grupo durante el periodo inicial de éxito a finales de la década de 1960 e inicios de la de 1970, cuando sus éxitos incluyeron Oh Well, Man of the World y Albatross. El escribió la canción Black Magic Woman que popularizaría Santana.

Tras la publicación de Albatross y su consiguiente fama, Green luchó espiritualmente contra el éxito alcanzado por la banda. Durante la gira por Europa y tras un concierto en Munich, Alemania, tuvo durante tres días un empacho de LSD. En sus propias palabras: “tuvo un viaje y nunca regresó”.

La personalidad de Green cambió radicalmente tras ello, empezó a vestir un tabardo, se dejó crecer la barba y un lució un crucifijo en su pecho. El uso del LSD pudo contribuir a su enfermedad mental: esquizofrenia. Abandonó Fleetwood Mac en 1970 declarando el dinero como maldito y dándose a la caridad. Grabó un extremadamente experimental y nada comercial álbum The End of the Game (El Final del Juego) y su carrera se diluyó en una sucesión de trabajos menores.

Urgido por sus amigos para continuar tocando, resurgió a finales de la década de 1970 y principios de la de 1980 con una serie de álbumes que incluyen In the Skies, Little Dreamer y White Sky. Aunque de calidad irregular, éstos discos contenían guiños del inigualable estilo del blues de Green. Fue también invitado anónimo del Brown Eyes de Tusk, contibuyó en Rattlesnake Shake y Super Brains del álbum en solitario de Mick Fleetwood The Visitor.

1990 vio el retorno de Green en la forma de Peter Green Splinter Group con la asistencia de colegas, incluyendo el mismísimo Cozy Powell. Esta formación publicó nueve discos entre 1997 y 2003.

Se canceló una gira y la grabación del nuevo disco de estudio en los inicios de 2004 cuando Green dejó la banda y se fue a Suecia. En breve se uniría a The British Blues All Stars, pero también se cancelaría su tour del 2005. Las razones pudieron ser una planeada reunión de los originales Fleetwood Mac anunciada por Mick Fleetwood el 14 de marzo de 1980.

Cd1 – Hotfoot Powder:

01. I’m A Steady Rollin’ Man
02. From Four Until Late
03. Dead Shrimp Blues
04. Little Queen Of Spades
05. They’re Red Hot
06. Preachin’ Blues
07. Hell Hound On My Trail
08. Traveling Riverside Blues
09. Malted Milk
10. Milkcow’s Calf Blues
11. Drunken Hearted Man
12. Cross Road Blues
13. Come On In My Kitchen

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Cd2 – The Robert Johnson Songbook:

01. When You Got A Good Friend
02. 32-20 Blues
03. Phonograph Blues
04. Last Fair Deal Gone Down
05. Stop Breakin’ Down Blues
06. Terraplane Blues
07. Walkin’ Blues
08. Love In Vain Blues
09. Ramblin’ On My Mind
10. Stones In My Passway
11. Me And The Devil Blues
12. Honeymoon Blues
13. Kind Hearted Woman Blues
14. I Believe I’ll Dust My Broom
15. If I Had Possession Over Judgment Day
16. Sweet Home Chicago

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Cd3 – Robert Johnson

01. I’m A Steady Rollin’ Man
02. From Four Until Late
03. Dead Shrimp Blues
04. Little Queen Of Spades
05. They’re Red Hot
06. Preachin’ Blues
07. Hell Hound On My Trail
08. Traveling Riverside Blues
09. Malted Milk
10. Milkcow’s Calf Blues
11. Drunken Hearted Man
12. Cross Road Blues
13. Come On In My Kitchen – Alternate Version
14. When You Got A Good Friend
15. 32-20 Blues
16. Phonograph Blues
17. Last Fair Deal Gone Down
18. Stop Breakin’ Down Blues
19. Terraplane Blues
20. Walkin’ Blues
21. Love In Vain Blues – Alternate Version
22. Ramblin’ On My Mind
23. Stones In My Passway
24. Me And The Devil Blues
25. Honeymoon Blues
26. Kind Hearted Woman Blues
27. I Believe I’ll Dust My Broom
28. If I Had Possession Over Judgment Day
29. Sweet Home Chicago

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Robert Johnson – King of Delta Blues Singers Vol. I (1998)

jueves, septiembre 10th, 2009

Robert Johnson (1911-1938) es uno de los primeros mitos del blues, como puede ser Louis Armstrong en el caso del jazz. Las canciones incluidas en este recopilatorio “King Of The Delta Blues Singers” fueron grabadas en el Hotel Gunter de San Antonio, Tejas en noviembre de 1936. Las composiciones son clásicas del blues grabadas y reinterpretadas periódicamente desde su difusión hasta nuestros días.

La carátula del disco es obra de Tom Wilson, quien recoge en una estampa de época a Robert Johnson cantando ante un micrófono colocado contra una de las esquinas del cuarto del hotel donde se desarrolló la grabación de este recopilatorio.
Las grabaciones, correspondientes a 1936, fueron editadas en 1961 y ahora aparecen remasterizadas en este disco con un tema recientemente descubierto: Traveling Riverside Blues

Esperar la edición oficial de 1998, del álbum original editado en 1961 valió la pena. Se hizo remasterizando con la mejor calidad los originales de 78 rpm, logrando una calidad de sonido muy superior a la del box set de 1991. La guitarra de Johnson tiene una profundidad nunca oída en anteriores ediciones, y excepto por el molesto silbido en “Terraplane blues” (debido a la ecualización extrema), este álbum revive su música.
Si existe algo que pueda llamarse un conjunto de grandes hits de Johnson, es este álbum. La mayoría de las mas conocidas canciones de Johnson, las que lo hicieron leyenda, están aquí: “Crossroads,” “Walkin’ Blues,” “Me & the Devil Blues,” “Come On In My Kitchen,” y la apocalíptica visión contenida en “Hellhound On My Trail” son lo mejor del blues y las letras destilan poesía.
Además, hay una toma alternativa hasta aquí inédita de “Traveling riverside blues”, extraída de la toma original de 16 canales de grabación.

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Sin el blues no existiría el rock. Y sin gente como Robert Johnson el blues quizá careciese de la significación musical y legendaria que posee.
Cargado con su acústica Gibson L-1, Johnson, con un legado en estudio que no sobrepasa la treintena de temas, quizá no sea el bluesman más innovador pero si el más influyente y legendario de la historia del género, concebido y cultivado en su esencia en el Delta del Mississippi desde el siglo XIX, con los trabajadores negros exteriorizando sus sentimientos y sus historias de perdedores mientras trabajaban en los campos de trabajo, especialmente plantaciones de algodón.
Junto a ello y enraizada en sus creencias religiosas, deriva el blues también de la expresión de los espirituales negros interpretados por los esclavos en busca de exorcismos internos y liberación de su lastimera situación de explotación y sumisión.

Nacido como Robert Leroy Johnson el 8 de mayo de 1911 en la localidad de Hazlehurst, Mississippi (Estados Unidos), su madre era Julie Ann Majors, una hija de esclavos que tuvo a su hijo con un itinerante jornalero llamado Noah Johnson tras separarse durante un tiempo de su esposo, Charles Dodds Jr, un carpintero hijo también de esclavos que había prosperado lo suficiente para tener su pequeña propiedad. Lamentablemente una reyerta con un hombre blanco le condujo a su huida y a la pérdida económica.
Tras unos años distanciados Julie lo intentó de nuevo con Charles, apellidado ahora Spencer, pero la relación volvería a romperse. En 1918 se estabilizó al lado de Robert “Dusty” Saunders (llamado también “Dusty” Willis), con quien trabajaba en una plantación de algodón de una localidad llamada Robinsonville. Por allí también andaba el joven Robert, quie se aficionó desde niño a tocar la armónica con cierta destreza, aunque él prefería aprender a tocar la guitarra como sus ídolos, especialmente tras abandonar la escuela en 1927. También se daba bastante maña con el arpa.
En estas correrías adolescentes todavía se hacía llamar Robert Spencer, hasta que su madre le confesó que su padre era Noah Johnson. Fue en ese momento cuando adoptó el apellido de su padre biológico y se lanzó a seguir los pasos de sus espejos, Son House, Willie Brown, Lonnie Johnson, Ike Zinneman, Charly Patton o Skip James. El principal problema para llegar a su altura era que sabía tocar muy bien la armónica pero con la guitarra no era demasiado mañoso, como así le manifestó en su momento Son House, el ídolo de Robert junto a Willie Brown, a quienes seguía continuamente por el área de Mississippi.

En el mes de febrero de 1929 Robert se casó con una joven muchacha llamada Virginia Travis, quien falleció a los dieciseis años en 1930, justo en el momento del parto. Después de este lamentable suceso Robert desapareció durante un buen tiempo del mapa, dedicándose a una vida nómada.
Se marchó a Hazlehurst, a ver si podía localizar a su verdadero padre, hecho que no consiguió, y se casó en 1931 con una mujer bastante mayor que él llamada Callie Craft. El matrimonio no le fue del todo bien, y regresó a Robinsonville, no sin antes curtirse tocando en todo tipo de lugares, compartiendo su afición por la música con las correrías con muchas mujeres y el consumo elevado de alcohol.

De forma sorprendente apareció de nuevo junto a Willie Brown y Son House en Robinsonville, comenzando a tocar la guitarra de manera asombrosa y maravillando con su slide a los grandes bluesman. Manifestó House que el joven Johnson había vendido su alma al diablo en un cruce de caminos de Clarksdale (entre el 49 y 61) para aprender a tocar de esa manera. Era increíble el progreso técnico, la alígera manera en como deslizaba sus dedos por las cuerdas y la profundidad emocional que había alcanzando la interpretación de Robert Johnson en tan poco tiempo.
Posteriormente se pateó gran parte de la zona sureña estadounidense empleando varios nombres, tanto Robert Johnson, como Robert Sax o, entre otros, Robert Saxton, interpretando con profusión su arte, tanto en las calles como en locales, compartiendo cartel con otros bluesman de la época, como Johnny Shines, Clavin Frazier o Sonny Boy Williamson. En estos periplos Robert no se olvidaba de pasarlo bien con compañía femenina y de emborracharse con ingentes dosis de whisky.

A mediados de la década de los 30 Robert Johnson consiguió grabar sus despojados y emocionales temas con producción de Don Law gracias a la mediación de Ernie Oertle. En el sello Vocalion y en la localidad texana de San Antonio grabó en varias sesiones, llevada a cabo en 1936 y 1937, históricos temas como “Terraplane Blues”, “Sweet home Chicago”, “Preachin’ Blues”, “Kind hearted woman blues”, “Stop breaking down”, “Come on in my kitchen”, “Love in vain”, “Rambling on my mind” “Me and the devil blues” o “Crossroads”.
La tragedia golpearía a Robert cuando en el mes de agosto de 1938, mientras actuaba junto a “Honey Boy” Edwards en el local “Three Forks”, ubicado en Grenwood, una localidad del Mississippi, Johnson se había ligado a una guapa joven que resultó que estaba casada. El cornudo marido terminó envenenando aquella noche el whisky de Robert. En la agonía de su muerte, que duraría tres días, Robert Johnson se convulsionaba y aullaba como un lobo antes de fallecer a la edad de 27 años el 16 de agosto de 1938.
Su testamento sonoro fue esencial para el desarrollo del blues, retomando su estilo gente como Elmore James, B. B. King o Muddy Waters, y del rock, influyendo entre sus seguidores a gente como Eric Clapton, Jimi Hendrix, Brian Jones o Keith Richards.
Entre sus muchos admiradores, los Rolling Stones versionaron sus temas “Love in vain” y “Stop breaking down”, Bob Dylan “Kind hearted woman blues”, los Allman Brothers “Come on in my kitchen”, Stephen Stills “Crossroads”, Led Zeppelin “If I had possesion over judgement day” o “Travelling riverside blues”, Grateful Dead “Walking blues”, White Stripes “Stop breakin down”, Beck “Last fair deal gone down” y por supuesto, Eric Clapton, quien adaptó casi todas sus canciones.

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Tracklist:

01. Cross Road Blues
02. Terraplane Blues
03. Come on in My Kitchen
04. Walkin’ Blues
05. Last Fair Deal Gone Down
06. 32-20 Blues
07. Kind Hearted Woman Blues
08. If I Had Possession Over Judgement Day
09. Preachin’ Blues (Up Jumped the Devil)
10. When You Got a Good Friend
11. Ramblin’ on My Mind
12. Stones in My Passway
13. Traveling Riverside Blues
14. Milkcow’s Calf Blues
15. Me and the Devil Blues
16. Hell Hound on My Trail
17. Traveling Riverside Blues

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Frank Sinatra – Live At The Meadowlands (2009)

lunes, agosto 31st, 2009

Sinatra live back

Este concierto de Frank Sinatra en el Meadowlands de New Jersey, realizado el 14 de marzo de 1986, fue uno de los grandes eventos de la última parte de la carrera de La Voz.  A los 70, la mayoría de los cantantes están pensando en el retiro, o ya disfrutando de él.  Lo que hace que este concierto sea realmente sorprendente.

Este álbum fue editado en el mes de mayo pasado, y su contenido había permanecido inédito hasta ese momento. Consta de un segundo CD con 4 bonus que también son tomas en vivo, pero grabadas en diferentes conciertos de Sinatra.

En lo que respecta al sonido… es excelente, con una increíble fidelidad para escuchar cada instrumento y, obviamente, la voz de Sinatra en el centro.

Músicos:

Frank Sinatra: voz
Tony Mottola: guitarra
Bill Miller: piano
Don Baldini: bajo
Irv Cottler: batería

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Tracklist:

01. Overture
02. Without a song
03. Where or when
04. For once in my life
05. Nice n’ easy
06. My heart stood still
07. Change partners
08. It was a very good year
09. You Make Me Feel So Young
10. The gal that got away
11. New York, New York
12. Monologue
13. Come rain or come shine
14. Bewitched
15. Moonlight in Vermont
16. L.A. is my lady
17. I’ve got you under my skin
18. Someone to watch over me
19. One for my baby
20. Mack the knife
21. Bows/New York New York

Bonus disc:

01. Let me try again
02. Bad, bad Leroy Brown
03. You are thw sunshine of my life
04. The house I live in

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Carole King – Tapestry (1971)

domingo, agosto 30th, 2009

Dominado por la calidez de su piano, “Tapestry” pasará a la historia por ser uno de las mejores creaciones femeninas de la música moderna.

La protagonista no podía ser otra que la talentosa Carole King, responsable de multitud de reputados temas pop en los años 60 como “The locomotion” o “Chains”, por decir un par de ellos.

Su traspase de compositora a cantautora se realizó en los 70 y este trabajo muestra su enorme habilidad en la tarea de ejecución y escritura.
Desde la rítmica “I feel the earth move” hasta la soulera “(You make me feel like) A natural woman”, canción que Carole había escrito para Aretha Franklin, el disco es un auténtico catálogo de clásicos y un recorrido de anclaje mayoritariamente romántico.

Las extraordinarias “So far away”, “It’s too late”, “Beatiful” o las nuevas versiones de sus temas “You’ve got a friend”, que había compuesto para James Taylor (cantautor que colabora en el disco con su guitarra acústica), “Will you love me tomorrow”, presentado en formato balada como contrapunto a la original de las Shirelles o la citada “(You make me feel like) a natural woman”, producidas por Lou Adler, el artífice de discos de gente como Mamas & The Papas, Scott McKenzie o Spirit, son elementos básicos de un álbum ineludible para los amantes de las composiciones pop de espíritu soul bien construídas y elaboradas desde un maduro punto de vista.

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Carole King (de nombre real Carole Klein) nació en Brooklyn, Nueva York, el 9 de febrero de 1942. Desde muy niña dominó el piano y decidió que su destino profesional iba a girar en torno a la industria musical. Su época de mayor actividad como cantante fue durante la década de los 70, si bien tanto antes como después ha tenido considerable aceptación como compositora.

King ha ganado cuatro premios Grammy y ha sido incluida en el Salón de la Fama del Rock (Rock and Roll Hall of Fame) y en el Salón de la Fama de los Compositores (Songwriters Hall of Fame) por su trabajo, junto con su compañero Gerry Goffin.

Autora de grandes éxitos en los años 60, como “The Locomotion” para Little Eva, “Up On The Roof” para los Drifters o “Will You Love Me Tomorrow” para las Shirelles, Carole King es una de las grandes personalidades femeninas en la historia de la música moderna.

Junto a su importante contribución a la composición de grandes clásicos del pop y el soul, Carole desarrolló en la década de los 70 una exitosa carrera como cantautora, al estilo de gente como James Taylor o Carly Simon.

En el instituto formó su primer grupo, denominado The Co-Sines. Más tarde, en su etapa universitaria de Queens, conoció a Gerry Goffin, con quien formó una asociación compositiva y sentimental, pues ambos se casaron en el año 1960. Gerry fue principalmente letrista, mientras que Carole se ocupaba de la creación de melodías. A finales de los años 50 comenzaron a trabajar en el afamado Brill Building de Don Kirshner.

En esa época también se hizo muy amiga de Neil Sedaka, quien le dedicó el famoso tema “Oh Carol”, replicado por la propia autora con “Oh Neil”, su cuarto single, tras haber grabado con poca resonancia canciones como “The Right Girl” o “Queen Of The Beach”.
Durante su etapa en el Brill Building, la pareja Goffin/King escribió multitud de temas de mayor o menor éxito, para gente como Bobby Vee, The Shirelles, Herman’s Hermits, Little Eva, The Drifters, Aretha Franklin, The Crystals, The Chiffons o The Monkees.

Su carrera en solitario como cantante, por el momento bastante inadvertida para el gran público, le proporcionó en el año 1962 un primer éxito con “It Might As Well Rain Until September”.
Posteriormente fundó un sello discográfico llamado Tomorrow, en compañía de Gerry Goffin y Al Aronowitz, pero no funcionó como esperaban, al igual que el matrimonio entre la pareja de compositores, quienes se divorciaron en 1968.

Ese mismo año Carole se casó con su segundo marido, el bajista Charles Larkey, con quien formó el grupo The City, en el que también se encontraba el guitarrista Danny Kortchmar.

Después de grabar el LP “Now That Everything’s Beed Said” (1969), disco en el que se encontraban temas como “Wasn’t Born to Follow” (interpretado por los Byrds en el “Notorious Byrd Brothers”) o “Snow Queen”, el trío se separó para iniciar Carole de nuevo la aventura en solitario, ahora desde una perspectiva de cantautora con un sonido parecido al ofertado por su amigo James Taylor, quien con posterioridad conseguiría un número 1 con una canción escrita por Carole, la famosa “You’ve Got a Friend”.

El primer trabajo en LP de Carole King en solitario fue “Writer” (1970), un álbum bastante aceptable que incluía temas como “Goin’ Back” o “Up On The Roof”.

Su gran triunfo llegó con su segundo trabajo, “Tapestry” (1971), disco de enorme éxito comercial nombrado mejor LP del año en los premios Grammy.

Entre sus cortes, destacan piezas como “It’s Too Late” (número 1 en single),”So Far Away”, “I Feel The Earth Move”, “Beautiful” o revisitaciones de temas conocidos que había compuesto para otros intérpretes, como “You’ve Got a Friend”, “(You Make Me Feel Like) A Natural Woman” o “Will You Love Me tomorrow”.
Producido por Lou Adler, en el disco colaboraba gente como James Taylor o Joni Mitchell.

El mismo año de la publicación de “Tapestry”, Carole sacó a la venta “Music” (1971), otro álbum de gran éxito que llegó rápidamente al número 1 gracias a temas como “Sweet Seasons”, “Brother, Brother”, “It’s Going To Take Some Time”, “Some Kind Of Wonderful” (canción que habían interpretado con anterioridad los Drifters) o “Song Of Long Ago”. En “Music” Carole inició una colaboración en la escritura con Toni Stern.

El protagonismo de Carole King en las listas americanas y de gran parte del mundo prosiguió con interesantes LPs como “Rhymes & Reasons” (1972), “Fantasy” (1973), “Wrap Around Joy” (1974), álbum en el que incluía su segundo número 1 en single, “Jazzman”, co-escrito con Dave Palmer, “Really Rosie” (1975), la banda sonora que escribió junto a Mauricee Sendak para un programa infantil de televisión, o “Thoroughbred” (1975), un disco en el que volvía a ser acompañada en tareas de composición por su ex marido Gerry Goffin.

A partir de mediados de la década de los 70, los LPs de Carole perdieron calidad y no atrajeron demasiado a su audiencia previa.
En “Simply Things” (1977) colaboró por primera vez con el que se iba a convertir en su tercer marido, Rick Evers. El matrimonio no duró demasiado ya que Evers falleció en 1978 a causa de una sobredosis de heroína”.

Ni “Welcome Home” (1978), ni “Touch In The Sky” (1979), ni la rememoración de su época con Goffin, “Pearls” (1980), lograron acercarse a los resultados obtenidos con “Tapestry” o “Music”.
Tras “One To One” (1982) y “Speeding Time” (1983), Carole se alejó de las grabaciones y se retiró a su residencia rural de Idaho, dedicando su tiempo a fundaciones y a trabajar en pos del medio ambiente.

En el año 1989 retornó a los estudios, intentó modernizar sus trazas de cantautora y publicó “City Streets” (1989), álbum que no consiguió mejorar sus últimas y anodinas ofertas.
Posteriormente ha grabado varios discos en estudio bastante prescindibles, como “Colour Of Your Dreams” (1993), “Time Gone By” (1994) o “Love Makes The World” (2001), y ha publicado otros en directo, siendo el más recomendable el que recuperaba una actuación suya en 1971 en el Carnegie Hall.

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Tracklist:

01. I Feel The Earth Move
02. So Far Away
03. It’s Too Late
04. Home Again
05. Beautiful
06. Way Over Yonder
07. You’ve Got A Friend
08. Where You Lead
09. Will You Love Me Tomorrow
10. Smackwater Jack
11. Tapestry
13. (You Make Me Feel Like) A Natural Woman
13. Out In The Cold (Previous Unreleased)
14. Smackwater Jack (Previously Unreleased Live Version)

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Bo Diddley – Bo Diddley (1958)

martes, agosto 25th, 2009

“Bo Diddley” es el álbum debut del pionero del rock e ídolo el blues Bo Diddley. Es una compilación de sus sencillos a partir de 1955. Reune varias de sus más influyentes y perdurables canciones. Fue editado por Chess en 1958.

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Bo Diddley (McComb, 30 de diciembre de 1928 – 2 de junio de 2008), fue un compositor, cantante y guitarrista estadounidense que tuvo una gran influencia en el rock and roll. Se le suele considerar como la figura predominante en la transición del blues al rock and roll, creador de ritmos básicos con un sonido duro y afilado de su guitarra. Por ello tenía el sobre nombre de “The Originator” (El Autor).

Fue un auténtico pionero. Inventó su propio nombre, se inventó su guitarra pero sobre todo inventó un sonido, el que ayudó a definir el rock’n’roll tal y como hoy lo conocemos, el mismo que llena ahora la imaginería popular de eternos sueños adolescentes y desinhibidos, y el mismo que sacó a bailar a negros y blancos, mujeres y hombres, a un espacio compartido por primera vez en la historia del siglo XX.

Bo Diddley realmente se llamaba Elias Mac Daniels pero pronto en la escuela decidió tener su propio nombre artístico, que tomó de una guitarra de origen africano. Los sonidos de ese continente más el propio devenir urbano en EE UU serían los que marcarían su vida. En Chicago, una de las mecas del blues, Diddley empezó tocando en esquinas y garitos de poca monta, pero sin éxito. Lo suyo no era el blues de primera generación. Tampoco lo clásico. Excéntrico e independiente, se hizo fabricar una guitarra rectangular que terminó convirtiéndose en todo un símbolo.

Lo que este guitarrista versátil ofrecía era algo distinto, único e imperecedero, que él mismo llamó jungle sound (sonido de la jungla), y aprendido según sus palabras a tocar el violín de muchacho con unos dedos demasiado grandes. Al poco de sacar sus primeros sencillos, Bo Diddley se conviertió en referencia absoluta de todo lo que estaba por venir. La rebelión juvenil que protagonizó Elvis Presley y el resto de alumnos de la clase del 55 contó con sus ritmos de la selva. Chuck Berry colaboró con él más que con ninguno y Buddy Holly interpretó sus canciones para llevarlas a un mercado más amplio. Poco después la conocida British Invasion (Invasión Británica), que revolvió con más ímpetu si cabe las cosas en los sesenta, escribió su nombre con letras mayúsculas. Los Rolling Stones le adoraban, los Animals le dedicaron una de sus mejores composiciones y el autobús mágico de los Who llevaba su gasolina. Eric Clapton, tan receptivo a las buenas influencias, hizo por sonar como él en los Yardbirds y en solitario. Bruce Springsteen también le rindió tributo en su obra maestra, Born To Run, al incluir la canción “She’s the one”, que se ha convertido en una de las mejores interpretaciones en directo del músico que más corazones arrebata sobre un escenario. Los Pretenders hicieron lo propio con “Cuban Slide”.

Una lista interminable. Su ritmo sincopado y vicioso ha sido posiblemente el más copiado de la historia del rock.

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Tracklist:

01. Bo Diddley
02. I’m A Man
03. Bring It To Jerome
04. Before You Accuse Me
05. Hey’ Bo Diddley
06. Dearest Darling
07. Hush Your Mouth
08. ‘Say Bossman’
09. ‘Diddley Daddy’
10. ‘Diddey Wah Diddey’
11. Who Do You Love
12. Pretty Thing

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Ray Charles – Live At The KLRU Studios (1979)

martes, agosto 25th, 2009

Ray Charles nació el 23 de septiembre de 1930 en Albany, Georgia. Pianista y cantante, Ray Charles perdió la vista durante su infancia por un glaucoma que su familia no pudo tratar por razones económicas. Ray Charles fue un autodidacta del piano, pero también recibió clases de música en braille en la “St Augustine School”, un centro para invidentes.  A finales de la década de los cuarenta, Ray Charles consigue colocar un disco en las listas de su país, y en 1951 obtiene su primer Top Ten, gracias a “Baby, Let Me Hold Your Hand”.  Tras una gira por Florida, Ray Charles forma su propia banda.  Tras firmar un contrato con la discográfica Atlantic Records, en 1955 consigue el número 2 en las listas de Rythm and Blues con el tema “I Got a Woman”.

Su forma tan peculiar de tocar el piano y sus cualidades vocales, junto a una correcta mezcla de músicas de New Orleáns con gospel y blues, conforman el estilo propio de Ray Charles, con el que encandiló al mundo entero.

Ray Charles falleció el 10 de junio del 2003

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Este disco no forma parte de la discografía oficial de Ray Charles, pero debería. Es un bootleg con un sonido excelente que capta el gran clima que logra en vivo un showman extraordinario como Ray, y el feedback con su público. Fue grabado en los estudios de la radio KLRU de Austin, Texas, el 23 de octubre de 1979 y es una prueba más del por qué Ray Charles fue y sigue siendo un artista excepcional.

Las cubiertas son una creación propia del talento de Paola!

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Tracklist:

01. Oh What A Beautiful Morning
02. Georgia
03. Busted
04. Born To Lose
05. Some Enchanted Evening
06. Hit the road Jack
07. Can’t Stop Loving You
08. Steel Guitar Rag
09. Yodel
10. What I Say Vamp
11. Deep In The Heart Of Texas

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Parte 1 MU Aquí

Parte 2 MU Aquí

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Connie Francis – Sus Primeras Grabaciones en Expanol (1960-1964) (2000)

lunes, agosto 24th, 2009

En la década de los sesenta, la norteamericana de origen italiano, Connie Francis, fue la voz femenina más vendedora en todo el mundo. Desde el rock and roll a la balada, todo sonaba bien en su particular voz. Grabó en muchos idiomas consiguiendo en español éxitos tan fuertes como “Linda muchachita”, “El novio de otra” o “Donde hay chicos”. A partir de ese momento, grabó decenas de estándares en nuestro idioma como “Malagueña” o “Quizás, quizás, quizás”. Es la primera vez, en todo el mundo, que aparecen 40 éxitos en español en un doble Cd. Además, la mayoría de estos títulos nunca se habían digitalizado y remasterizado.

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Una de las voces más populares en el ámbito juvenil entre 1958 y comienzos de los 60 y quizá la única que supo mantenerse sin la ayuda del cine o sin haber destacado previamente en la pantalla, ya que su primera película fue Where the boys are (1961).

Connie (Concetta Franconero, 12-12-38, Newark, New Jersey) comenzó a interesarse por la música siendo niña, estudiando en la Newark Arts High School y en la Belleville High School. Graduada en teoría y orquestación en la primera, compuso sus primeras obras y canciones en la segunda. A los once años ya habla debutado en público actuando en el programa de TV Startime, del cual formó parte posteriormente; logró el éxito en el Talent Scout Show de Arthur Godfrey.

En 1955 comenzó a grabar y en 1957 consiguió su primer éxito cantando a a dúo con Marvin Rainwater el tema Majesty of love. Su carrera arrancó definitivamente en 1958 con Who’s sorry now?, canción que llegó a vender 35 millones de copias en todo el mundo (Connie la cantó en una docena de idiomas).

Hasta 1962 su lista de hits es extensa: I’m sorry I made you cry, Carolina moon/Stupid cupid y Fallin’ en 1958; My happiness y Lipstick on your collar, en 1959; Mama/Robot man, Everybody’s somebody’s fool y My heart has a mind of its own, en 1960; Many tears ago, Where the boys are y Together en 1961; Vacation en1962; etc. El cambio de orientación musical de los 60 la apartó de la cumbre de la popularidad, aunque su voz, única e inconfundible, permaneció años en el recuerdo del público. A lo largo de la década de los 60 y parte de los 70 grabó abundantes LP’s con temas country, italianos y españoles.

Connie grabó en 9 idiomas durante su carrera incluyendo: inglés, italiano, francés, alemán, japonés, yiddish, portugués y español, en este último cabe destacar la interpretación que Connie hace del legendario tema de Ernesto Lecuona “Malagueña” y de las inolvidables “Solamente una vez” y “Granada” de Agustín Lara. “Mi tonto amor” es su éxito más popular en México. Es preciso sin embargo señalar que también adaptó algunos de sus éxitos en el mercado estadounidense al español. Es el caso de “Donde hay chicos”. Su primer álbum fue precisamente en italiano, siguiéndole posteriormente diversas interpretaciones en el idioma italiano.

Francis concluyó su carrera de grabaciones en 1969. En 1973 regresó con “The Answer”, una canción escrita para ella. Su hijo Joey nació en 1974. La tragedia le alcanzaría cuando en 1974 sufrió una violación en un hotel luego de una presentación en Westbury, Nueva York. Una cirugía nasal fue necesaria para corregir su sensibilidad al aire acondicionado lo que limitó severamente sus aptitudes para cantar durante 4 años. Su hermano sería asesinado en 1981.

La autobiografía de Francis, “Who’s sorry Now?” fue publicada en 1984. Connie fue diagnosticada con Trastorno Bipolar, un padecimiento que implica severas depresiones y periodos de gran euforia, usa la droga Lithium para equilibrar sus estados anímicos. Connie sigue activa en la actualidad cantando y actuando por todo el mundo con el mismo atractivo que se le ha conocido, sus actuaciones siempre tienen localidades agotadas.

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Tracklist:

Cd1

01. Malaguena
02. Quierema Mucho
03. Vaya Con Dios
04. Quien Sera
05. Granada
06. Quizas, Quizas, Quizas
07. Besame Mucho
08. Nosotros
09. Celos
10. Solamente Una Vez
11. Siboney
12. Te Quiero Dijiste
13. El Novio de Otra
14. Donde Hay Chicos (Where The Boys Are)
15. Dime Que Paso
16. Ana
17. Linda Muchachita
18. Mr Twister
19. La Paloma
20. Mi Corazon Azon Decide Por Si Mismo (My Heart Has A Mind Of It’s Own)

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RS Aquí

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MU Aquí

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Cd2

01. Que Sola Estoy
02. En Busca de Amor
03. Por Una Razon
04. No, No Me Dejes
05. Invierno Triste
06. Esta Es Mi Noche
07. Aquellos Ojos Verdes
08. Yo Se
09. Todo El Amor Del Mundo
10. Gracias
11. Beso de Fuego
12. La gente
13. Simba
14. Tanto Control
15. Amor Soy Yo, Amor Eres Tu
16. Amor
17. La Bamba
18. LLevame A La Luna
19. La novia
20. Muchas Gracias

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RS Aquí

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MU Aquí

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Count Basie – The Complete Decca Recordings (1937-1938-1939)

viernes, agosto 21st, 2009

William Basie (Red Bank, 21 de agosto de 1904 – Hollywood, 26 de abril de 1984), conocido como Count Basie, fue director de big band y pianista estadounidense de jazz y en verdad uno de los músicos más populares de la historia vinculado, prácticamente durante cincuenta años, a la dirección de una big band de importante influencia en determinados registros estilísticos del jazz asociados, principalmente, al swing y a su corriente más tradicional.

Una noche, el productor John Hammond, aburrido y cansado de escuchar la misma música de siempre, salió de un ballroom y se metió en su coche. Sintonizó en el dial una emisora de Kansas City, en la cual escuchó algo que le dejó perplejo. Una banda de Swing que sonaba distinta a todo lo que había escuchado antes. Era Count Basie.

Hammond se fue a Kansas City para conocer a Basie, y quedó tan encantado que se decidió a hacer una estrella de él, y se lo presentó a toda la gente influyente de la prensa y de sellos discográficos. Count Basie abandonó Kansas City, actuando en ciudades como Chicago, Boston y Nueva York.

Lo que encontramos en este post son las grabaciones que realizó para el sello Decca entre 1937 y 1939, y recopila 63 clásicos, en los que se puede apreciar perfectamente lo que Hammond entendió por ‘diferente’. Durante esos tres años, Basie también grabó para Columbia, pero casi todos los temas legendarios, y que interpretaría hasta su muerte en 1984, están aquí, junto a memorables versiones de Standards americanos compuestos por Gershwin, Porter, Rodgers & Hart.

Músicos:

Count Basie: Piano, dirección
Walter Page: Bajo
Lester Young – Herschel Evans: Clarinete, saxo tenor
Caughey Roberts: Earle Warren: Saxo alto
Jack Washington: Saxo barítono
Chu Berry: Saxo tenor
Benny Moten – Dan Minor – Dicky Wells – George Hung: Trombón
Bobby Moore – Buck Clayton –  Carls Smith – Ed Lewis – Harry Edison – Joe Keyes – Karl George – Shad Collins: Trompetas
Jo Jones: Batería
Eddie Duran – Claude Williams – Freddie Green: guitarra
Earle Warren, Helen Humes, Jimmy Rushing: Vocalistas

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CD 1 (1937)

01. Honeysuckle Rose
02. Pennies From Heaven
03. Swinging at the Daisy Chain
04. Roseland Shuffle
05. Exactly Like You
06. Boo Hoo
07. Glory of Love, The
08. Boogie Woogie (I May Be Wrong)
09. Smarty (You Know It All)
10. One O’Clock Jump
11. Listen My Children and You Shall Hear
12. John’s Idea
13. Good Morning Blues – (take 1)
14. Good Morning Blues – (take 2)
15. Our Love Was Meant to Be
16. Time Out
17. Topsy
18. I Keep Remembering
19. Out the Window
20. Don’t You Miss Your Baby
21. Let Me Dream

CD 2 (1938)

01. Georgianna
02. Blues in the Dark
03. Sent For You Yesterday
04. Every Tub
05. Now Will You Be Good?
06. Swingin’ the Blues
07. Mama Don’t Want No Peas ‘N Rice ‘N’ Coconut Oil
08. Blue and Sentimental
09. Doggin’ Around
10. Stop Beatin’ Round the Mulberry Bush – (take 1)
11. Stop Beatin’ Round the Mulberry Bush – (take 2)
12. London Bridge Is Falling Down
13. Texas Shuffle
14. Jumpin’ at the Woodside
15. How Long Blues
16. Dirty Dozens, The
17. Hey Lawdy Mama
18. Fives, The
19. Boogie Woogie
20. Dark Rapture
21. Shorty George
22. Blues I Like to Hear, The
23. Do You Wanna Jump, Children?
24. Panassie Stomp

CD 3 (1939)

01. My Heart Belongs to Daddy
02. Sing For Your Supper
03. Oh! Red
04. Fare Thee Honey, Fare Thee Well – (take 1)
05. Fare Thee Honey, Fare Thee Well – (take 2)
06. Dupree Blues
07. When the Sun Goes Down – (take 1)
08. When the Sun Goes Down – (take 2)
09. Red Wagon
10. You Can Depend on Me
11. Cherokee – (part 1)
12. Cherokee – (part 2)
13. Blame It on My Last Affair – (take 1)
14. Blame It on My Last Affair – (take 2)
15. Jive at Five
16. Thursday
17. Evil Blues
18. Oh, Lady Be Good

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Rosemary Clooney – Brazil (1999) (with John Pizzarelli, Jr. & Diana Krall)

jueves, agosto 20th, 2009

Nunca, durante sus más de 50 años de carrera, Rosemary Clooney ha sonado mejor que en su último álbum para Concord Jazz.  Ella ocupó un alto rango entre las vocalistas, pero no fue hasta que escapó de las garras de Mitch Miller, en Columbia Records, cuando su prodigioso talento llegó a la cima. Por supuesto su voz no es la misma de hace algunos años, pero aún se ve en cada nota que es una maestra en el arte de comunicar el mensaje de las letras que interpreta.

El timing, el fraseo, la forma en que combina su voz con sus músicos siguen intactos. El director y acompañante musical John Oddo se ha superado a si mismo con los arreglos que ha conseguido para esta sesión. Su cuarteto de flautas en “Corcovado”, la voz de Oscar Castro-Neves en “I concentrate on you” y la acertada percusión en el trabajo de Paulinho da Costa son la base rítmica para el excelente ensamble con el trabajo de Bob Summers, Nina Tempo y Chauncey Welsh en “Sweet happy life”. Esos son sólo algunos ejemplos de ese trabajo de Oddo en la orquestación.  El homenaje a Jobim con “Boy from Ipanema” es una de las sorpresas de este disco.  Diana Krall comparte escenario con Clooney y debe ser sobrecogedor compartir el micrófono con una cantante legendaria en su propio tiempo, incluso para Diana Krall, quien toca el piano y guarda un respetuoso lugar de voz secundaria.

Rosemary Clooney es un tesoro de la música norteamericana que está en los corazones de los fans de la canción norteamericana. Este álbum debería ser escuchado por todas las aspirantes a cantar esas canciones, con un aviso que dijera: “Escuche cuidadosamente, así es como debe hacerse”.

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Nacida en Maysville en 1928, Rosemary Clooney, comenzó a cantar junto a sus hermanas en la orquesta de Tony Pastor, un músico sin demasiada brillantez. Cuando se independizó de sus hermanas, consiguió grabar un par de duetos con Frank Sinatra en 1950 y a partir de ahí le sobrevino la fama y la popularidad. Tuvo su propio show televisivo e incluso Hollywood llamó a su puerta para que participara junto a Bing Crosby y Danny Kaye en algunas comedias musicales siendo la mas celebre el film de Michael Curtiz, “White Christmas”.

No obstante lo dicho, Rosemary Clooney, se acercó tardíamente al jazz y grabó una par de magníficos álbumes para Columbia: “The Best Of Hollywood” con la orquesta del trompetista, Harry James, y “Blue Rose”, su obra mas conseguida y un disco que pudo ser memorable con la orquesta de Duke Ellington si la Columbia no hubiese manipulado las cintas para sobreponer la voz de Rosemary, con grabaciones preexistentes de la orquesta del Duke. Posteriormente otras grabaciones para Coral o RCA con Nelson Riddle, reafirmaron el camino jazzistico emprendido.

Como tantos y tantas cantantes de su generación, la irrupción avasalladora del pop y del rock torció el camino de Rosemary, abriendo un largo paréntesis en sus grabaciones a mediados de los sesenta que no se cerró hasta bien entrada la década de los setenta cuando en 1977 volvió a los escenarios con el sello Concord en compañía de jóvenes “revitalistas” del jazz.

Rosemary Clooney murió en Beverly Hills en el 2002.

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Tracklist:

01. Brazil (Ary Barroso, Bob Russell)
02. Corcovado (Vinícius de Moraes, Gene Lees, Antonio Carlos Jobim)
03. Boy from Ipanema (con Diana Krall) (de Moraes, Norman Gimbel, Jobim)
04. Wave (Jobim)
05. Once I loved (de Moraes, Ray Gilbert, Jobim)
06. Desafinado (de Moraes)
07. I concentrate on you (Cole Porter)
08. One note samba (Jon Hendricks, Jobim, Newton Mendonça)
09. How insensitive (de Moraes, Jobim)
10. Let go (Baden Powell de Aquino)
11. Dindi (Aloysio de Oliveria, R. Gilbert, Jobim)
12. Waters of March (Jobim)
13. Meditation (Gimbel, Jobim, Mendonça)
14. Sweet happy life (Luiz Bonfa, Gimbel, Antonio Maria de Moraes, Andre Michel Salvet)
15. A day in the life of a fool (Bonfa, Carl Sigman)
16. Brazil (Reprise)

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Roy Orbison – Rare Orbison (1989)

miércoles, agosto 19th, 2009

Aquí esta, finalmente, un álbum que reúne aquellos raros lados A de Roy Orbison en el sello Monument, que podrían haber sido hits, junto con los poco escuchados lados B de aquellos. Con la excepción de “Pretty one”, que sólo apareció en el LP fuera de impresión de 1964 “Early Orbison”, y “Blues in my mind” del álbum “Regeneration” de 1976, estos tracks nunca fueron reunidos en un álbum. Incluso uno de los tracks, “Wings of Glory” nunca fue editado previamente. Y todo en “true stereo”.

Cuando Roy Orbison firmó con Monument Records en 1959 el llegó con un modesto curriculum: su único single en los charts, “Ooby Dooby” (grabado en Sun Records), había llegado al puesto 59 en el verano de 1956. El también había escrito el hit “Claudette” que grabaron los Every Brothers, y el dueño de Monument, Fred Foster, vio el potencial en Roy como artista y compositor.

La primera producción de Roy para Monument fue “Paper boy/With the bug”, fue un fracaso en los charts. Su próximo single “Uptown / Pretty one” apenas llegó al puesto 72 a principios de 1960. Muchos piensan que si “Pretty one”, una clásica balada de Orbison, hubiera sido el lado A, se hubiera convertido en el primer monumental single de su carrera.

En aquel tempo Roy escribió una canción que el sentía que podía ser un hit para algún artista de renombre. Luego de fracasar en su intento de ofrecerla a Elvis Presley y los Every Brothers, fue al estudio y la grabó él mismo. Editadoen junio de 1960, el tercer single de Roy para Monumen, “Only the lonely / Here comes the song again”, irrumpió en los charts, alcanzando el número 2 y convirtiendo en un suceso de un día para el otro.

“Blue Angel / Today’s teardrops” editado en septiembre de 1960 siguió a “Only the lonely” en el top ten. “Dream baby /The actress”, fue editado en 1962 siguiendo al primer número uno de Roy, “Running scared”. Alcanzó el número 4 en los charts.

“Goodnight / Only with you” fue tal vez la mayor desilusión de Roy. Editado en 1965 despues de su gran suceso “Pretty woman” (tres semanas en el número uno y su único disco de oro), no alcanzó a llegar al top 20. Y cuando su contrato con Monument terminó, Roy firmó contrato con MGM records. Nunca volvió a alcanzar el top 20 otra vez.

En 1976 Roy hizo algunas grabaciones para el revivido sello Monument. “Beinda/No chain at all” y “Drifting away / Under suspicion) fueron buenos temas que casi todos escuchamos. Y la última grabación de Roy para Monument, “Wings of glory” es editado en este álbum por primera vez.

Durante su permanencia con Monument, diecinueve canciones de Roy alcanzaron el top 40, con nueve de ellos en el top ten. Como se ha dicho, Roy Orbison nunca grabó un tema malo para Monument, y seguramente hubiera conseguido hits mas grandes si el orden de cara A y cara B hubiesen estado invertidos. La consistencia, la calidad y la influencia de las grabaciones de Roy para Monument hicieron de él uno de los indiscutidos gigantes del rock y, según Elvis Presley, el mejor cantante de rock & roll que haya pisado la tierra.

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Tracklist:

01. The Actress
02. Paper Boy
03. With The Bug
04. Todays Teardrops
05. Here Comes That Song Again
06. Only With You
07. Pretty One
08. No Chain At All
09. Blues In My Mind
10. Drifting Away
11. Wings Of Glory
12. Belinda

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